Masquerade (seit 07/2025)
Masquerade, New York

Als sich im Jahr 2023 nach 35 Jahren zum letzten Mal der Vorhang für „The Phantom of the Opera“ im Majestic Theatre senkte, verlor der Broadway eine seiner großen Institutionen. Zwei Jahre später streute Andrew Lloyd Webber auf Social Media selbst Hinweise auf dessen Rückkehr und berichtete unter anderem von mysteriösen Botschaften des Opera Ghost in New York. Was zunächst wie eine ausgesprochen clevere Marketingkampagne wirkte, war ein Vorgeschmack auf das Konzept hinter „Masquerade“: Gemeinsam mit Regisseurin Diane Paulus verwandelt Lloyd Webber sein bekanntestes Musical in eine radikale immersive Neuerfindung. Das Publikum betrachtet die Opéra Populaire nicht länger aus dem Theatersessel, sondern betritt ihre Welt selbst – und erlebt dabei einen Klassiker, der überraschend neu und aufregend wirkt.

Der Begriff „immersiv“ wird im Theater inzwischen beinahe inflationär verwendet. Paulus nimmt ihn allerdings beim Wort. Schon beim Betreten empfängt Madame Giry die Zuschauer und erklärt, das Phantom habe sie eingeladen, seine Welt zu betreten. Kurz darauf stehen sie mitten im Maskenball, singen und tanzen mit den Darstellern. Auch danach bleiben sie passive, aber konsequent integrierte Mitspieler: Figuren sprechen sie an, berühren sie und führen sie durch das Labyrinth. Dort ermahnt Madame Giry die Gäste immer wieder, eine Hand auf Augenhöhe zu halten, um nicht dem Lasso des Phantoms zum Opfer zu fallen. Was leicht als augenzwinkernder Insider-Gag verpuffen könnte, wird vom Publikum erstaunlich ernst genommen. Statt zu lachen, schnellen die Hände wieder nach oben. Die Spielregeln dieser Welt funktionieren.

Dadurch verschiebt Paulus zugleich die Wahrnehmung des Stoffes. Die Gothic- und Horror-Elemente, die im klassischen „Phantom“ bisweilen hinter großer Romanze und Ausstattungsspektakel verschwinden, treten stärker hervor. Gleichzeitig vollzieht die Inszenierung eine scheinbar gegenläufige Bewegung: Während die Welt des Phantoms bedrohlicher wird, erscheint das Phantom selbst menschlicher und nahbarer.

Dafür wurde das Buch weit stärker verändert, als es der Titel „Masquerade“ zunächst vermuten lässt. Songs, Texte und Szenen werden neu sortiert, ganze Rollen erheblich verkleinert und die Handlung konsequent auf Christine und das Phantom sowie in zweiter Linie auf Raoul konzentriert. Schon der Beginn macht den Eingriff deutlich: „Masquerade“, im Original der Einstieg in den zweiten Akt, eröffnet es hier den gesamten Abend und erfüllt eine völlig neue Funktion: Sie ist das Eintrittstor des Publikums in die Geschichte. Szenen wie „Notes“ werden dagegen auf kurze Spielsequenzen reduziert; Carlotta, Meg Giry und die beiden Operndirektoren treten deutlich in den Hintergrund.

Gleichzeitig ergänzen neu geschaffene Rückblenden die Vergangenheit des Phantoms. Auf einem Jahrmarkt begegnet das Publikum seinem jüngeren Ich und erlebt die Demütigungen, denen es ausgesetzt war. Auch musikalisch schlägt die Neufassung dabei eine reizvolle Brücke zum Original: Für den neuen Song „Come and Marvel at the Freak“ greift Lloyd Webber auf musikalisches Material zurück, das die Vorgeschichte des Phantoms bereits in der klassischen Fassung begleitet, wenn Madame Giry Raoul von dessen Vergangenheit berichtet. Aus der kurzen musikalischen Erinnerung an das Geschehene wird damit eine vollständig ausgespielte Szene. Joseph Buquet wird dabei als einer der früheren Peiniger des Phantoms etabliert. Wenn das Phantom ihn später tötet, erscheint die Tat nicht mehr als willkürlicher Mord eines unberechenbaren Monsters, sondern als Rache an einem früheren Täter – ohne sie deshalb zu entschuldigen.

Auch Ubaldo Piangi überlebt in dieser Fassung: Das Phantom setzt ihn lediglich außer Gefecht, um dessen Platz in „Don Juan“ einzunehmen. Madame Giry gewinnt dagegen erheblich an Bedeutung. Sie nimmt das junge Phantom bei sich auf, versteckt es in den Katakomben der Oper und singt dabei „Learn to Be Lonely“. Immer wieder begegnet das erwachsene Phantom zudem seinem jüngeren Ich. Die Inszenierung gibt der Figur damit nicht nur eine Vorgeschichte, sondern konfrontiert sie buchstäblich mit der eigenen Vergangenheit.

Am radikalsten verändert sich das Finale. Nach Christines Kuss muss Raoul sie dem Phantom regelrecht entreißen und trägt sie schreiend davon. Christine kehrt jedoch zurück, gibt dem Phantom seinen Ring und stimmt mit ihm ausgerechnet die Reprise von „All I Ask of You“ an – jenes Liebesversprechen, das eigentlich ihr und Raoul gehört. Das Phantom hüllt Christine in seinen Mantel, küsst sie zum Abschied und lässt den Stoff schließlich fallen. Doch diesmal ist nicht das Phantom verschwunden, sondern Christine.

Das ikonische Schlussbild wird damit auf den Kopf gestellt. Nachdem die Inszenierung über den gesamten Abend einen Teil des Geheimnisses um das Phantom gelüftet hat, überträgt sie dieses im letzten Moment ausgerechnet auf Christine. Zugleich erscheint ihre Entscheidung zwischen Raoul und dem Phantom wesentlich ambivalenter als im Original. Dass Raoul sie nach dem Kuss regelrecht fortziehen muss und sie anschließend aus eigenem Antrieb zum Phantom zurückkehrt, lässt ihre Gefühle für ihn wesentlich stärker erscheinen. Die Neufassung verändert damit nicht nur die Perspektive auf das Phantom, sondern verschiebt auch das emotionale Zentrum des Liebesdreiecks. Fast nebenbei wird dadurch sogar die spätere Handlung von „Love Never Dies“ plausibler: Dass Christine noch einmal zum Phantom zurückkehrt und mit ihm eine Liebesnacht verbringt, wirkt nach diesem Abschied zumindest emotional weniger wie eine nachträglich konstruierte Wendung. Paulus gelingt damit ein faszinierender Widerspruch: Sie holt den Horror zurück in die Geschichte und macht gleichzeitig dessen vermeintliches Monster menschlicher.

Möglich wird diese neue Perspektive auf die Geschichte vor allem durch die ungewöhnliche Spielstätte. Über mehrere Stockwerke erstreckt sich ein aufwendig gestaltetes und atmosphärisch beleuchtetes Labyrinth aus großen Sälen, engen Korridoren und winzigen Zimmern. Nach „Music of the Night“ legt das Phantom Christine etwa in einem kleinen Schlafzimmer zur Ruhe – nur damit plötzlich Hände aus dem Bett hervorkommen und die Schlafende streicheln. Ein herrlich einfacher Horroreffekt.

Noch spannender nutzt die Inszenierung die Räume, um bekannte Szenen aus völlig neuen Perspektiven zu erzählen. Beim Tod von Joseph Buquet steht das Publikum nicht vor der Bühne, sondern auf dem Schnürboden darüber. Von der Bühne darunter dringen die Musik der Ballettaufführung und ihr Lichtschein herauf, während Buquet seiner Arbeit nachgeht, bis das Phantom erscheint und ihn mit einem Seil um den Hals in die Tiefe stößt. Das Gegenextrem bietet Christines winzige Garderobe vor „Don Juan“: Dicht gedrängt erlebt das Publikum dort aus nächster Nähe, wie Teile des ursprünglichen „Notes“-Materials in eine intime Spielszene verwandelt werden. Auch die berühmte Reise in das Reich des Phantoms wird räumlich neu gedacht: Während Christine durch den Spiegel verschwindet, steigt das Publikum mehrere Stockwerke hinab und sieht Phantom und Christine parallel immer wieder tiefer ins Labyrinth vordringen. Erst unten angekommen gleiten beide im ikonischen Boot an den Zuschauern vorbei.

Besonders eindrucksvoll funktioniert schließlich der Kronleuchter. Er fällt erst relativ spät und lediglich wenige Meter, beginnt dabei jedoch zu brennen. Rauch füllt den Raum, Madame Giry und die Operndirektoren brechen in Panik aus und treiben das Publikum hinaus. Grellrotes Licht und starkes Gegenlicht nehmen beim Verlassen zeitweise sogar die Orientierung. Der Schrecken endet damit nicht beim Bühneneffekt: Für einige Augenblicke wird die Flucht vor dem Phantom zur eigenen Flucht aus der Oper. Genau darin liegt die Stärke des Raumkonzepts: Bekannte Bilder werden nicht einfach größer oder spektakulärer, sondern körperlich erfahrbar.

Auch die Kostüme bewahren die Atmosphäre der klassischen „Phantom“-Bildwelt, ohne Maria Björnsons berühmte Entwürfe zu kopieren. Christine trägt überwiegend weiße Kleider, Raoul einen zeittypischen Frack, das Phantom schwarzen Anzug und Umhang. Gerade aus nächster Nähe überzeugt die hochwertige Verarbeitung der Ausstattung.

Besonders schön erzählt „Masquerade“ sogar die Entstehung der ikonischen Halbmaske. Schon auf dem Weg durch das Labyrinth zeigt Madame Giry eine rätselhafte Konstruktion, bei der ein hölzerner Kopf immer wieder gegen einen Spiegel schlägt. Die Erklärung folgt später: Auf dem Jahrmarkt verbirgt das junge Phantom sein Gesicht noch unter einem Sack mit ausgeschnittenen Augen. Giry schenkt ihm schließlich eine vollständige weiße Maske. Als das Phantom sein Spiegelbild betrachtet, schlägt es aus Verzweiflung den Kopf gegen den Spiegel. Die Maske zerbricht – zurück bleibt die bekannte Halbmaske. Eines der berühmtesten Bilder der Musicalgeschichte bekommt damit nachträglich eine eigene Entstehungsgeschichte.

Die Konzentration der Handlung auf das zentrale Dreieck trägt auch die starke Besetzung. Nick Cartell nutzt als Phantom die größere psychologische Bandbreite der Neufassung und wechselt überzeugend zwischen bedrohlicher Autorität, Aggression und großer Verletzlichkeit. Gerade diese Extreme lassen die neue Zeichnung der Figur glaubwürdig werden. Alexa Lopez überzeugt als Christine mit klarem, strahlendem Sopran und zeichnet sie als junge Frau, die von den Ereignissen und ihren eigenen Gefühlen zunehmend überfordert wird. Ihr beinahe ständig hilfesuchender Blick macht die Zerrissenheit zwischen Phantom und Raoul gerade aus nächster Nähe greifbar.

Lee H. Alexander setzt als Raoul vor allem schauspielerisch starke Akzente. Im Finale, als Christine das Phantom küsst, scheint er förmlich zusammenzubrechen. Umso bewegender wirkt der Moment, in dem er Christine schließlich gegen ihren Widerstand vom Phantom fortzieht. Courtney Balan wiederum profitiert von der aufgewerteten Rolle der Madame Giry. Sie verbindet strenge Autorität mit glaubhafter Fürsorge und entwickelt im direkten Kontakt mit den Zuschauern eine bemerkenswerte Präsenz. Wenn sie das Publikum durch die Räume führt oder vor den Gefahren des Labyrinths warnt, entsteht beinahe das Gefühl, tatsächlich einer distinguierten Dame jener Zeit gegenüberzustehen. Das starke Ensemble komplettiert die Besetzung und wechselt flexibel zwischen mehreren Rollen.

Auch musikalisch verlangt das Konzept nach einer ungewöhnlichen Lösung: Mehrere Publikumsgruppen durchlaufen zeitversetzt und teilweise gleichzeitig die verschiedenen Räume der Inszenierung. Ein klassisches Live-Orchester im Graben lässt sich mit diesem Spielprinzip kaum vereinbaren – und ein Orchester samt Orgel auf Wanderschaft durch das Labyrinth wäre wohl selbst für das Phantom eine logistische Herausforderung. Die Orchesterbegleitung kommt deshalb vollständig vom Band.

Der klanglichen Wirkung schadet das nicht. Die aufwendige Tonanlage sorgt in großen Sälen ebenso wie in engen Zimmern für hervorragende Textverständlichkeit und ein differenziertes Klangbild. Tiefe Bässe sind körperlich spürbar, während leisere Passagen fein abgestimmt bleiben. Gerade weil sich das Publikum permanent durch unterschiedliche Räume bewegt, beeindruckt, wie selbstverständlich der Klang der Inszenierung folgt. Der Sound begleitet den Weg durch das Gebäude damit nicht nur, sondern wird selbst Teil der immersiven Erfahrung.

Vielleicht liegt die größte Überraschung von „Masquerade“ darin, mit welcher Konsequenz Andrew Lloyd Webber sein berühmtestes Werk noch einmal zur Disposition stellt. Gemeinsam mit Diane Paulus wagt er eine Fassung, die Figuren neu gewichtet, vertraute Bilder umdeutet und sogar den emotionalen Kern der Geschichte verschiebt. Dass eine derart aufwendige Neuerfindung Off-Broadway stattfindet, zeigt zugleich, welche Innovationskraft dort entstehen kann. Vor allem aber verändert die unmittelbare Begegnung mit Christine und dem Phantom den Blick auf Figuren, die nach vier Jahrzehnten eigentlich auserzählt schienen. Ihre Ängste, Verletzungen und Beweggründe rücken plötzlich so nah wie selten zuvor. Der Abend zeigt damit eindrucksvoll, wie lebendig ein Klassiker bleiben kann, wenn selbst sein Schöpfer bereit ist, ihn nicht ehrfürchtig zu konservieren, sondern mutig neu zu befragen.