Leserbeiträge:

Die hier wiedergegebenen Beiträge sind Meinungen einzelner musicalzentrale-Leser und entsprechen nicht unbedingt den Ansichten der Musicalzentrale.

24628 Zuschauer haben dazu etwas geschrieben:

Starke Stimmen und starke Songs

25.03.2023 - Ich bin eigentlich kein Freund von Musicalkonzerten und Querschnitten und habe mich kurzfristig entschieden eine der letzten Shows der diesjährigen Tour zu besuchen. Ich kann sagen: Diese Show ist anders. Aus guten Grund.

Am besuchten Abend fehlte Drew Sarich (wg. Sitzprobe JCS in Wien) und dennoch fehlte mir gar nichts. Das Ensemble als Ganzes trägt diese Show.

Die kurzen aber witzigen Moderationen von Andreas Bieber waren toll und gaben einen Blick auf den nächsten Showblock insb. für Besucher die auch mit den neuen Shows noch keine Berührungspunkte hatten. Die Qualität der Solisten und des Ensembles, die Verständlichkeit und der Sound waren 1a.

Selten habe ich eine so geniale Darbietung von "Ich gehör nur mir" von Maya gehört. Ebenso die Soli/Duette von Friedrich Rau, Michaela Schober und Jonas Hein. Sein "Draussen" war ein Genuss. Ebenso das "Gold von den Sternen" Duett. Berührend auch der Beitrag von Andreas Bieber mit dem Fendrich Klassiker "Weus'd a Herz hast wia a Bergwerk" aus Iam from Austria.

Überraschend eingängig kamen die Songs aus Ku'damm 56 daher und zeigten einmal mehr die Vielfalt des Genres. Frenetischer Jubel beim starken "Time of my Life" aus Dirty Dancing.

Die Medleys und Showblöcke waren sehr abwechlsungsreich und sorgten für viel Applaus. Wie schön mal wieder Songs aus Joseph zu hören. Andreas Bieber kann auch nach 30 Jahren als Rudolf und Joseph überzeugen.

Einzig der Showblock zu The Greatest Showman war mir persönlich am Ende des 3-stündigen Abends einen Tick zu lang.

Alles in allem eine tolle Show mit Fokus auf Songs und Gesang ohne Ablenkungen in Form von überbordender Technik und LEDs. Das war sehr angenehm.

Da das Programm und die Besetzung 2024 wieder neue Akzente setzen kann ist ein Wiederholungsbesuch unbedingt zu empfehlen.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Hello, Dolly! – Hello, Gayle!

23.03.2023 - Auf der offenen Bühne verteilt liegen diverse Paare Schuhe und warten auf ihre Besitzer*innen. Da ertönen die ersten Klänge der Ouvertüre, und im Kegel des Scheinwerfers beginnen plötzlich zwei Schuhpaare wie durch Zauberhand miteinander zu tanzen. Zum Eröffnungs-Song stürmt dann der Chor in Brautkleidung gewandet die Bühne, jede*r zuerst die passenden Schuhe suchend, um sich dann mit einem/r Partner*in in vielfältigen Konstellationen zu verbandeln. Sie alle scheinen zufriedene Kund*innen der wohl geschäftstüchtigsten Heiratsvermittlerin zu sein, die prompt mit Grandezza erscheint: Mrs. Dolly Levi…

…weiß alles, kann alles oder hat zumindest schon alles gesehen und erlebt. Als nunmehr Witwe und vormals selbst glücklich Verheiratete ist es ihr ein besonderes Anliegen, heiratswillige Einzelpersonen durch geschicktes Manipulieren und miteinander Verkuppeln in den Hafen der Ehe zu lotsen. Momentan hat sie allerdings einen schweren Brocken an der Angel: Der kauzige Horace Vandergelder, Besitzer eines Heu- und Futtermittelladens und Halbmillionär aus Yonkers, einem Vorort von New York, ist nur schwerlich zufriedenzustellen. Auch die amtierend Auserwählte Mrs. Irene Molloy, Besitzerin eines Hutladens in New York, scheint keine Gnade vor seinem strengen Blick zu finden. Dabei hat Dolly schon selbst einen Blick auf den liebenswerten Kauz geworfen. Ein Schelm, wer Böses dabei denkt, dass Dolly absichtlich die beiden Mitarbeiter von Vandergelder, Cornelius Hackl und Barnaby Tucker, genau in dem Augenblick im Laden bei Irene und ihrer Assistentin Minnie Fay auftauchen und für Verwirrung sogen lässt, als der Bräutigam in spe vor der Ladentür steht, um seiner potenziellen zukünftigen Braut seine Aufwartung zu machen. Horace ist erbost und fühlt sich um sein Kuppel-Geld betrogen, doch Dolly verspricht ihm, am Abend im legendären Harmonia Gardens Restaurant endlich eine passende Partie zuzuführen. Als Horace pünktlich am vereinbarten Treffpunkt erscheint, wird er von Ernestina Money erwartet. Sie wurde von Dolly für diese Farce eingeweiht und zieht alle Register, um Horace in Dollys Arme zu treiben. Als dann zu seinem Schreck sowohl seine Nichte Ermengarde mit ihrem Künstler-Freund Ambrose als auch seine in Yonkers wähnenden Mitarbeiter Cornelius und Barnaby mit Irene und Minnie im Arm auf der Tanzfläche erscheinen, fühlt er sich dem Wahnsinn nah. Doch als schließlich Dolly selbst unter großem Jubel aller versammelten Kellner ins Harmonia Gardens Restaurant einzieht, schwand dem alten Dickkopf langsam, wer hier wohl die Richtige an seiner Seite wär…!

Hach, das waren noch paradiesische Zeiten damals Anfang der 2000er, als Klaus Pierwoß noch Intendant am Bremer Theater war und sich mit Helmut Baumann für mehrere Jahre die Koryphäe des Musicals ans Haus holte, der einige seiner großen Berliner Erfolge hier an der Weser wiederholte. Seitdem wurde am Bremer Theater nicht mehr mit einer solch exquisiten Expertise dem klassischen Musical gefrönt – zumindest nicht in meiner Wahrnehmung. Ich warf über Jahre immer wieder einen hoffnungsvollen aber sinnlosen Blick zum Bremer Theater und war kurz davor, meinen Blick enttäuscht für immer abzuwenden, als plötzlich dieses Werk angekündigt wurde. Ich konnte mein Glück kaum fassen…!

In Bremen nahm sich Regisseur Frank Hilbrich diesem Musical-Fossil an und bemühte sich um eine Auffrischung. So stellte er die Vorzüge des Werkes in den Mittelpunkt, indem er die positive Energie, das Komödiantische und die brillante Musik hervorhob. Er entschlackte das Musical mit mal mehr, mal weniger überzeugenden Kürzungen im Text und verfrachtete die Handlung aus der Zeit der Jahrhundertwende heraus in die bunte Welt der 80er Jahre. Eine radikalere Modernisierung hätte dem Werk auch nicht gut getan, bzw. das Geschäftsmodel einer Dolly Levi in der heutigen Zeit ad absurdum geführt. Auch war in den 80ern die Emanzipation der Frau schon so weit vorangeschritten, dass ein Song wie „Motherhood/ Mutterschaftsmarsch“ hier nur mit einem ironischen Augenzwinkern von den Damen vorgetragen werden konnte. Hilbrichs Inszenierung setzt auf Tempo: Chor und Ballett scheinen bei den flotten Nummern ständig auf der Bühne zu sein, ohne das es hektisch wirkt. Gleichzeitig gönnt er den Balladen die nötige Ruhe, damit sie ihre Wirkung entfalten können.

William Kelley entfaltet mit den Bremer Philharmoniker einen satten Broadway-Sound, der geschickt zwischen Jazz, Swing und Schlager pendelt, sich süffig im Ohr verfängt und dort lange haften bleibt. Chordirektorin Alice Meregaglia besorgte die perfekte Disposition der agilen Sänger*innen des Opernchores, während Dominik Büttner die Tänzer*innen dank seiner abwechslungsreichen Choreografie mit flinken Füssen über die Bühne wirbeln ließ. Gemeinsam umrahmen sie alle auf das Allerbeste die feine Solistenriege.

Sie kam, sah und siegte: Gayle Tufts trat als Dolly Levi auf, und schon flogen ihr alle Sympathien zu. Sie „denglisht“ sich so herrlich authentisch und charmant durch ihre Dialoge und versprüht dabei so viel positive Energie. Kleingeister könnten durchaus auf den Gedanken kommen, ihr Defizite im Gesang und Schauspiel anzukreiden. Diese wären für mich nur einige von vielen Teilen ihrer liebenswerten „Personality“. Gayle Tufts schenkt ihrem Publikum pures Entertainment.

„Umspielt“ wurde sie von Solist*innen aus dem Opernensemble, die sich mit der sogenannten leichten Muse erfreulich wohl zu fühlen scheinen. Nun kommen die Songs eines klassischen Musicals den Stimmen von Opernsängern durchaus entgegen, was allerdings nicht bedeutet, dass jeder Opernsänger darin auch brilliert. Umso schöner, wenn beides auf das Beste zueinanderfindet.

Ulrike Mayer leiht der Irene Molloy ihren vollen Mezzo und zeigt die herbe Schöne als moderne Frau, die keinen Kerl braucht, um versorgt zu sein. Im Gegenteil: Sie braucht einen Mann auf Augenhöhe, der stark genug ist, um auch mal schwach zu sein. Diesen scheint sie im Cornelius Hackl von Ian Spinetti gefunden zu haben, der mit schönem Tenor und einnehmenden Spiel (insbesondere bei „It Only Takes a Moment/ Es kann oft ein Moment sein“) überzeugt. Das Buffo-Paar, bestehend aus Barnaby Tucker und Minnie Fay, findet in Timo Stacey und Elisa Birkenheier ihre Entsprechung: zwei junge, naive Menschen, die am Anfang ihres Lebens stehen, und mit Spielfreude und Natürlichkeit punkten. Als männliches Objekt von Dollys Begierde steht Christoph Heinrich auf der Bühne und lässt bei den div. Wutanfällen von Horace Vandergelder seinen tiefschwarzen Bass ertönen. Heinrich zeigt sowohl schauspielerisches wie komödiantisches Potential: Nur leider ist ein dauerhaftes „Granteln“ nicht abendfüllend. Ich hätte mir mehr Differenziertheit in der Rollengestaltung gewünscht, um nachzuvollziehen, warum eine patente Frau wie Dolly sich in diesen Miesepeter verguckt. Nur leider sind gerade die Passagen des Textbuches, die die weiche, verletzliche Seite von Horace beleuchten, dem Rotstift des Regisseurs zum Opfer gefallen. Schade!

Das Bühnenbild von Volker Thiele zeigt uns das Harmonia Gardens Restaurant in edlem Holz und mit gediegener Patina. Das Orchester sitzt erhaben auf der Empore. Dank flexibel verschiebbarer Bühnenteile, wie die Präsentationsflächen im Hutgeschäft oder die berühmte Showtreppe, vergehen nur wenige Sekunden zwischen den einzelnen Szenenwechseln. Die Kostüme von Gabriele Rupprecht überzeugen mit satten Farben im typischen 80er-Look, wie weite Oberteile mit breiten Reveres und Schulterpolstern, Taillengürtel und bunte Jogging-Anzüge. Herrlich!

Am Schluss der Aufführung standen wir in den Sitzreihen und spendeten frenetischen Applaus für eine überzeugende Gayle Tufts in der Titelrolle, für ein tolles Ensemble und für ein Musical aus der goldenen Ära des Broadways, das uns so herrlich den Alltag vergessen ließ.

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Grotesk genial!

20.03.2023 - Ich kann mir keine bessere Annäherung an die Geschichte von SWEENEY TODD vorstellen als in der Inszenierung von K.D. Schmidt am Staatstheater Mainz.
Das groteske, absurd komische, bizarre und tragische Potenzial der Geschichte entfaltet sich in jeder Szene und in jedem Lied. Der Geist des Grand Guignol Theaters schwebt wie eine Reminiszenz über der Regie, sämtlichen zuarbeitenden Gewerken und erhebt die Inszenierung zu einem Gesamtkunstwerk.

Großartige Einzel- und Ensembleleistungen setzen strahlende Höhepunkte, die vom Philharmonischen Staatsorchester kongenial unterstützt werden.
Verdientermaßen hat das musicalaffine Staatstheater Mainz erneut einen großen Publikumserfolg erzielt, der im ausverkauften Haus lautstark beklatscht wird.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Auch noch nach Jahr(zehnt)en: MAMMA MIA! macht Laune!

14.03.2023 - „Zuschauer mit schwachen Nerven oder Herzproblemen möchten wir darauf hinweisen, dass in diesem Stück wiederholt Schlaghosen und Plateauschuhe zum Einsatz kommen.“

Mit diesem Hammer-Gag (!) wird heute wie vor 20 Jahren die Show eröffnet und sorgt immer noch für Lacher im Publikum. MAMMA MIA! ist nun – nach einer üppigen Rundreise durch die Bundesrepublik – endlich wieder an der Stätte der deutschen Uraufführung angekommen: Zwar nicht im selben Theater, doch immerhin in derselben Stadt. Damit ist dies nun die neunte Station des Erfolgsmusicals, von dem Björn Ulvaeus sagte:

„Mamma Mia! ist ein Musical, von dem wir gar nicht wussten, dass wir es geschrieben haben!“

Eine kleine Insel irgendwo an der griechischen Küste: Hier lebt Donna mit ihrer 20jährigen Tochter Sophie und betreibt – mehr schlecht als recht – eine Taverne. Um die Identität von Sophies Vater macht Donna ein großes Geheimnis und meidet dieses Thema wohlwissentlich. Doch nun steht Sophie kurz vor der Hochzeit mit ihrer Jugendliebe Sky, und in ihr reift der Wunsch, von ihrem Vater zum Altar geführt zu werden. Zufällig fällt ihr Donnas Tagebuch aus den vergangenen, wilden Zeiten in die Hände, dem sie entnehmen kann, dass zum Zeitpunkt ihrer Entstehung drei potentielle Kandidaten für die Vaterschaft in Frage kommen: Sam, Harry und Bill. Kurzerhand lädt sie alle drei Männer zu ihrer Hochzeit ein, die auch prompt dieser Einladung nachkommen und auf der Insel erscheinen. Anlässlich der Hochzeit tauchen auch Donnas beste Freundinnen Rosie und Tanja auf. Gemeinsam waren sie in ihrer Jugend als das Gesangstrio „Donna and the Dynamos“ auf Tour. Sophie versucht nun verzweifelt, alle Fäden fest in der Hand zu behalten. Doch zwischen Kennenlernen, Wiedersehensfreude und Junggesellinnenabschied entgleiten ihr so manche Fäden. Das Verwirrspiel beginnt: Missverständnisse sind vorprogrammiert…!

Ich saß im Theater und freute mich…! Ich freute mich auf diese charmante Boulevard-Komödie, auf einen schönen Abend und auf die Songs von ABBA, die so raffiniert in die Handlung integriert wurden. Zudem stellt dieses Musical im Kosmos von Stage Entertainment eine Ausnahme dar: Häufig findet bei der Besetzung eines Musicals, das in der Originalinszenierung vom Broadway oder Westend übernommen wird, ein sogenanntes Typcasting statt, d.h. die/der Schauspieler*in muss schon allein optisch auf einen gewissen Rollentyp passen. Bei MAMMA MIA! ist es ein wenig anders: Hier werden Typen gecastet. Und so kam ich schon in den Genuss, dass ich sehr unterschiedliche Darsteller*innen auf der Bühne bewundern durfte, die so der jeweiligen Rolle (innerhalb des vorgegebenen Rahmens) ihre persönliche Note verlieh. MAMMA MIA! bewahrt sich so eine gewisse Spontanität und wirkt dadurch weniger „geklont“.

Mit ihrer rot-gelockten Mähne und ihrem rustikalem Charme schlüpfte die Amerikanerin Rachel Bahler in die Rolle der ehemaligen Hippie-Braut Donna: Wirkten anfangs ihre Dialoge und Gesten noch leicht einstudiert, spielte sie sich im Laufe der Vorstellung immer weiter frei und überzeugte im 2. Akt mit Emotionalität. Zudem verfügt sie über eine blendende Stimme und meisterte die vokalen Anforderungen bravourös. Tochter Sophie gab Rose-Anne van Elswijk mit mädchenhafter Grazie und klarer Stimme, lies aber auch den jugendlichen Enthusiasmus nicht vermissen. Donnas Freundinnen wurden von Franziska Lessing (Rosie) und Jennifer van Brenk (Tanja) mit einer spürbaren Freude an Komik, Slapstick und einer Menge Selbstironie verkörpert. Neben diesen vier Damen mit ihrer geballten Ladung Frauen-Power müssen sich die Herren mächtig ins Zeug legen. Naidjim Severina als Sky war mit seiner frech-sympathischen Ausstrahlung nicht nur der Auserwählte bei Sophie, sondern brachte sicherlich das eine oder andere Herz der Zuschauer*innen zum Höherschlagen. Das Männer-Trio aus Sascha Oliver Bauer (Sam), Detlef Leistenschneider (Harry) und Tetje Mierendorf (Bill) war perfekt aufeinander eingespielt und bot schauspielerisch wie auch gesanglich eine runde Performance. Das übrige talentierte Ensemble hielt die Show wie ein präzises Uhrwerk am Laufen: Während einige Darsteller rechts noch von der Bühne tanzten, verschoben andere die variabel einsetzbaren Wand-Elemente und sorgten dafür, dass die für die nächste Szene benötigten Requisiten an ihrem Platz lagen. Dies geschah so bewundernswert geschmeidig-selbstverständlich und sicherte den reibungslosen Ablauf der Show.

Wie wahrscheinlich bei jeder Aufführung dieses Musicals hielt es die Zuschauer bei der Zugabe nicht mehr auf den Sitzen. Wir tanzen in den Stuhlreihen und sangen aus voller Kehle mit. Denn sind wir tief in unserem Herzen nicht alle eine „Dancing Queen“?

Auf dem Weg Richtung Heimat fragte ich mich, warum MAMMA MIA! von der Produktionsfirma Stage Entertainment immer wieder und wieder als hochpreisiges Long Run-Musical aus der Versenkung geholt wird. Naja, so wirklich stellte sich mir diese Frage nicht, da die Gründe auf der Hand lagen: Einerseits besitzen die ABBA-Songs nach wie vor eine immense Sog-Kraft und locken die Fans von nah und fern ins Theater. In Bezug auf Bühne, Technik, Kostüme etc. ist der Aufwand erfreulich überschaubar und so weniger kostenintensiv als bei anderen Long Run-Musicals. Sogar an einem personalintensiven Orchester kann gespart werden, da sich die s.g. Band aus 5 Musiker incl. Dirigent zusammensetzt, was bedeutet, dass der satte Orchestersound vom Band kommt, dem live einzelne Instrumente zugemischt werden. Zugegeben dies alles wird höchst professionell und äußerst unterhaltsam dargeboten. Doch dies könnte ein versiertes Stadt- oder Staatstheater durchaus ebenso professionell auf die Bühne bringen.

Und so fuhr ich nach der Vorstellung bestens gelaunt nach Hause und fühlte mich doch abermals bestätigt: Für einen Musical-Besuch, der mich begeistert, verzaubert und berührt, brauche ich nicht die großen Produktionen. Das funktioniert auch „kleiner“!

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Zu viele Schwächen

05.03.2023 - Ich kann mich der Ausführung der MUZ in keiner Weise anschließen.
Einzig Elesha Paul Moses, die Tina in meiner gerade besuchten Vorstellung, trug das ganze Stück. Von mir fünf Sterne für sie.
Das Stück selbst hat extreme dramaturgische Schwächen. Vielleicht mochte Tina Turner selbst das Drama in ihrem Leben nicht zu stark herausgearbeitet haben. Der Einstieg ist schon holprig. Jemand der vor einem Konzert in sich gehen würde und sich die dann gezeigten Themen durch den Kopf gehen lässt, würde nie im Leben danach die Bühne betreten. Das macht gar kein Sinn.
Alle ernste Themen wirken wie „Hinfallen, Aufstehen, neues Thema“. Mutter weg, ok, weiter. Ach ich bin schwanger, der Vater muss weg, ok, weiter. Ach, das war gerade echt extrem, ok, blöd , weiter. Nichts aber auch gar nix wurde ausgearbeitet, so das es emotional greift oder auch nur die Chance dazu hat. Das Stück bleibt demnach flach und läuft vor sich hin.

Am Ende wird das ganze grau in grau durch das „Konzert“ gerettet, was immerhin mal Emotionen entfacht.

Das Bühnenbild ist extremst einfach gehalten. Schon eher frech. So ist quasi jede Unkleide, jede Wohnung etc. gleich. Es wird oft ein Rahmen genutzt, in dem wie ein Bild das Bühnenteil enthalten ist.

Geglänzt hat wiederum die Großmutter. Die einzige Figur die wirklich Emotionen weckte und wahrscheinlich auch viel an der Darstellerin selbst lag.

An dieser Produktion kann ich wirklich nichts finden was den Erfolg rechtfertigt. Schon gar nicht die von der MUZ verteilten fünf Sterne.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Selten gespielter Klassiker

04.03.2023 - Das selten gespielte FUNNY GIRL hat neben der wunderbaren Partitur von Jule Styne leider zwei große Probleme. Es ist zum einen sicherlich nicht einfach eine Komödie zu inszenieren und zu vermitteln, die in ihrem Verlauf immer düsterer wird und schließlich tragisch endet. Zum anderen ist es der überlebensgroße Schatten einer gewissen Barbra S.
Dementsprechend hat Johanna Arrouas in der Titelrolle eine ordentliche Last zu tragen.
Schauspielerisch ist sie ganz wunderbar, eigentlich sogar perfekt. Genau so muss Fanny Brice sein: so burschikos, so quirlig, so vorlaut, so selbstbewusst und trotzdem liebenswert und sympathisch. Gesanglich? Ohne Frage kann Arrouas singen. Aber wie gesagt: da gibt es noch diesen Schatten und er überlagert letztendlich dann doch alle Bemühungen.
Regisseurin Isabella Gregor inszeniert bodenständig und souverän.
Das Bühnenbild ist praktikabel und einfach, die Kostüme sind nett, die Choreografie könnte gerne noch ein bisschen aufdrehen und das gut besetzte Orchester klingt an manchen Stellen ein wenig blechlastig.
Insgesamt ist FUNNY GIRL in Baden aber ein kurzweiliger Abend mit einem selten gespielten Klassiker.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Selten gespielter Klassiker

03.03.2023 - Das selten gespielte FUNNY GIRL hat neben der wunderbaren Partitur von Jule Styne leider zwei große Probleme. Es ist zum einen sicherlich nicht einfach eine Komödie zu inszenieren und zu vermitteln, die in ihrem Verlauf immer düsterer wird und schließlich tragisch endet. Zum anderen ist es der überlebensgroße Schatten einer gewissen Barbra S.
Dementsprechend hat Johanna Arrouas in der Titelrolle eine ordentliche Last zu tragen.
Schauspielerisch ist sie ganz wunderbar, eigentlich sogar perfekt. Genau so muss Fanny Brice sein: so burschikos, so quirlig, so vorlaut, so selbstbewusst und trotzdem liebenswert und sympathisch. Gesanglich? Ohne Frage kann Arrouas singen. Aber wie gesagt: da gibt es noch diesen Schatten und er überlagert letztendlich dann doch alle Bemühungen.
Regisseurin Isabella Gregor inszeniert bodenständig und souverän.
Das Bühnenbild ist praktikabel und einfach, die Kostüme sind nett, die Choreografie könnte gerne noch ein bisschen aufdrehen und das gut besetzte Orchester klingt an manchen Stellen ein wenig blechlastig.
Insgesamt ist FUNNY GIRL in Baden aber ein kurzweiliger Abend mit einem selten gespielten Klassiker.

Ein Juwel

14.02.2023 - Dass aus der amerikanischen Phase von Kurt Weill stammende LADY IN THE DARK wird leider nur recht selten auf die Bühne gebracht. Umso erfreulicher ist die rundum gelungene und aufwändige Inszenierung an der Wiener Volksoper.

Wunderbar ist die Balance zwischen intimem Schauspiel und großem Musical-Entertainment gelungen. Geistreich süffisanter Wortwitz und Übermut treffen auf menschliches Drama, Erkenntnis und Erlösung. Dass man heute dabei die Geschlechterrollen etwas anders definieren würde als Gershwin und Hart das 1940 taten, sei geschenkt.
In der geschickten Regie von Matthias Davids wird sowieso nur vage angedeutet, wann das Stück spielt. Die vielen prächtigen Kostüme und Perücken mit den Stilistiken unterschiedlicher Epochen kokettieren damit.
Mit enormer Bühnenpräsens aber scheinbar müheloser Leichtigkeit ist Julia Koci eine wunderbare Liza Elliott.
Das groß besetzte Orchester der Volksoper lässt die vielen Klangfarben von Kurt Weills Komposition erstrahlen.

Hier wurde alles richtig gemacht.
Das Stück selbst, als auch seine Inszenierung bieten ebenso intelligentes wie höchst unterhaltsames Musical-Vergnügen.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Unterhaltsame Inszenierung mit starken Hauptdarstellern

11.02.2023 - Nach Magdeburg, Amserdam, Ettlingen, Pforzheim und Görlitz nun also ein besuch auf dem SUNSET BLVD. in Heilbronn (hier das Gastspiel aus Kaiserslautern) mit einem phantatisch aufspielendem Symphonieorchester. Wo hört man sowas heute noch - Klasse.

Dazu kam der Umstand das die ursprüngliche Norma (A. Vosberg) am besuchten Abend durch die wunderbare Debra Hays gegeben wurde. Was für eine wunderbare Stimme und welche Erscheinung. Auch wenn Sie in die Rolle aus einer andern Inszenierung kennt ein großes Lob. Es wirkte nichts improvisiert im Staging und war genial.

Daniel Eckert durfte ich nun schon nach Görlitz zum zweiten Mal als Joe Gillis hören. Nach wie vor eine Klasse Stimme und eine Präsenz, wenngleich die Regie diesem Joe etwas anders anlegt als in den bisherigen Inszenierungen.

Daniel Böhm verkommt hier leider zum Clown als schlürfender Kammerdiener. Stimmlich einwandfrei passt die von der Regie verordnete Gestus nicht zum Bild des Beschützers.

Adrienn Cunka als Betty war eine Entdeckung für mich. Tolle Stimme und ein super Zusammenspiel mit Daniel Eckert.

Cast und Orchester würden starke 4 Sterne von mir bekommen.

Manche Regieansätze und Umsetzungen sind fragwürdig, aber nun gut.

Das Ensemble aus Kaiserslautern war riesig. Leider waren in manchen Ensembleszenen die Micros zu spät oder gar nicht offen, sodass hier einiges verloren ging. Der Chor an sich aber sehr gut.

Die Ausstattung war zweckdienlich und zumeist auf überraschend ausladend für ein Gastspiel. Schade, dass man aber immer in der Villa spart. Da macht die Außenfassade mit Efeu und Stuck weit mehr her als die Villa. Aber gut. Die Kostüme zeitgemäß aber unauffällig. Einzig Normas Roben eine Augenweide.

FAZIT: Alles in allem war es ein wunderbar unterhaltsamer Abend mit den herrlich schwelgerischen Melodien von A. L. Webber. Gute 3-4 Sterne in Summe.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Jede Menge Spass und Gaudi

03.02.2023 - Prinzipiell gibt es einige deutliche Verbesserungen zu Wiener Uraufführung.
Bühnenbild und Beleuchtung sind stimmungsvoller und atmosphärischer.
Der Spannungsbogen im zweiten Akt ist stringenter und fesselnder.

Sehr große Fragezeichen hinterlassen aber die Personenzeichnungen von Regisseurin Francesca Zambello.
Die schon seinerzeit recht schwer erträgliche Mrs. Van Hopper mutiert nun komplett zu einen Zirkusclown und wird vom Kostümbild dann auch passenderweise wie ein altes Zirkuspferd aufgebretzelt.
Beatrice und Gatte sind kaum mehr als ein spaßiges Buffo-Paar.
Die Monte Carlo-Gesellschaft als auch die britische Society werden als trottelige Schießbudenfiguren dargestellt. Simon Eichenbergers Choreografie greift dies auf und lässt sie dementsprechend albern herumhampeln. Der Maskenball in Manderlay sieht eher nach Karneval im Puff aus, als nach einer Maskerade in einem britischen Herrenhaus.
Den Vogel schießt allerdings Willemijn Verkaik als Mrs. Danvers ab. Hysterisches Grimassieren, hyperaktives Gestikulieren und absurde körperliche Verrenkungen machen aus dem komplexen Charakter eine banale Hänsel-und-Gretel-Hexe. (Ich gehe davon aus, dass dies nicht am Unvermögen von Frau Verkaik, sondern an den Regieanweisungen liegt.)
Nichtsdestotrotz ist sie gesanglich natürlich top.
Maxim de Winter und Ich (Mark Seibert/Lillian Maandag) sind in allen Belangen souverän und überzeugend.
Das Orchester der VBW ist natürlich wie immer ein riesiger Pluspunkt und lässt die Partitur erstrahlen.

Obwohl die Regie fließend und ohne Längen das Stück umsetzt, hat man doch den Eindruck, dass der Zugriff nicht optimal ist und das mehr möglich gewesen wäre.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Mit dieser Inszenierung steckt das Stadttheater Bremerhaven so manches größere Haus in die Tasche!

10.01.2023 - Jedes kleinere Mehr-Sparten-Haus kennt diese Probleme bei der Besetzung eines Musicals aus dem hauseigenem Ensemble: Der Sopran kann wunderbar singen aber weniger gut tanzen. Der Schauspieler spielt sich ´nen Wolf, hat´s aber nicht so mit dem Singen. Und der Ballett-Tänzer kann nichts außer tanzen, tanzen und nochmals tanzen. Hinzu kommt ein in die Jahre gekommener Opernchor, dessen Mitglieder auch für die div. Nebenrollen herhalten müssen. Und das Philharmonische Orchester schmachtet sich zwar durch Puccini & Co., doch alles, was nach den 60er Jahren komponiert wurde, gilt als schnöde Populärkultur. Mit Biegen und Brechen würde man so noch eine halbwegs solide „My Fair Lady“ auf die Bretter zimmern, doch der Intendant schielt auf die neueren Werke des Genres, die vor Pop, Jazz und Soul nur so strotzen. Das Stadttheater Bremerhaven kennt diese Probleme…

…NICHT! Hier formte Regisseur Toni Burkhadt gemeinsam mit Choreografin Sabine Arthold aus den hauseigenen Künstler*innen der unterschiedlichen Sparten in Kombination mit Gästen ein so homogenes Ensemble, dass sich die scheinbaren Schwächen zu Stärken wandelten. Burkhardts Inszenierung setzt auf Tempo: Leerlauf scheint hier nicht existent. Dafür sorgt er für fließende, beinah filmartige Übergänge. Doch er erlaubt seinem Ensemble auch die leisen, emotionalen Momente, die zum Kreieren glaubhafter Charaktere so wichtig sind. Arthold setzt in ihren tänzerischen Bewegungsabläufen auf zeittypische Elemente der Sixties. Sie lässt die Nicht-Tänzer*innen neben den Profis sehr gut aussehen. Dank ihrer gelungenen Choreografie bilden die Künstler*innen aus den unterschiedlichen Sparten eine homogene Einheit. Abgerundet zu einem gelungenen Gesamtkonzept wird die Inszenierung durch das wandlungsfähige Bühnenbild von Britta Lammers, in dem die Künstler*innen in den herrlich bunten Retro-Kostümen von Heike Korn agieren dürfen.

Doch nun: WELCOME TO THE 60’s!

Baltimore 1962: Die pummelige Schülerin Tracy Turnblad lebt mit ihrer übergewichtigen Mutter Edna, die aufgrund ihrer Figurprobleme alle ihre Träume und Hoffnungen aufgegeben hat, und ihrem Vater Wilbur, der einen schlecht laufenden Scherzartikelladen besitzt, sehr einsam. Ihre einzige echte Freundin ist die Außenseiterin Penny Pingleton, die von ihrer Mutter permanent unterdrückt und bevormundet wird. Tracys größter Traum ist es, in der Corny-Collins-Show mitzutanzen, der angesagtesten Show des Lokalfernsehens, in der nur die beliebtesten Teenager der Stadt tanzen. Außerdem hat sie sich vorgenommen, die „Miss Teenage Hairspray“-Wahl zu gewinnen. Während ihre Mutter skeptisch ist und Angst hat, dass ihre Tochter wegen ihres Aussehens verspottet wird, unterstützt ihr Vater sie und macht ihr Mut, dass man seine Träume verwirklichen soll. Als sie dank ihrer Hartnäckigkeit und ihres Selbstbewusstseins tatsächlich an der Show teilnehmen darf, wird sie – gerade wegen ihres Aussehens und ihrer Natürlichkeit – über Nacht zum Vorbild für viele Teenager, die sich mit ihr identifizieren. Sie verliebt sich in den Star der Show, den jungen Sänger Link Larkin, der auf seinen großen Durchbruch wartet und darum eine kamerataugliche Zweck-Beziehung mit der arroganten Amber von Tussle hat. Durch ihre neugewonnenen Freunde Seaweed, seiner kleinen Schwester Inez und deren Mutter Motormouth Maybelle erfährt Tracy von den vielfältigen Repressalien, denen farbige Menschen ausgesetzt sind. Ihre neue Berühmtheit nutzt sie zu einer Kampagne gegen die Trennung von Schwarzen und Weißen in der Corny-Collins-Show, was Amber von Tussle und ihre Mutter Velma zu verhindern versuchen. Dann geht die „Miss Teenage Hairspray“-Wahl in ihre entscheidende Runde. Amber von Tussle ist siegessicher, doch in letzter Sekunde taucht Tracy auf und wendet – mit Unterstützung ihrer Eltern und Freunde – die Wahl zu ihren Gunsten…!

Ich glaube, ich durfte auf der Bühne des Stadttheaters Bremerhaven noch nie ein so großes Ensemble erleben, das sich aus Künstlern aller Sparten incl. Gäste zusammensetzte: Da waren die wunderbaren Tänzer*innen des Balletts, die agilen Sänger*innen des Opernchores und die entzückenden Kids des Kinderchores. Einem Chor der griechischen Antike gleich sorgten Louisa Heiser, Sharon Isabelle Rupa und Nicole Rushing als The Dynamites verführerisch rotgewandet für einen authentischen Motown-Sound. Schauspieler Karsten Zinser lieferte ein kleines humoristisches Kabinettstückchen als selbstverliebter Corny Collins. Iris Wemme-Baranowski überzeugte als rustikale Gefängnisaufseherin ebenso wie als psychopathische Prudy Pingelton. Sydney Gabbard warf sich als quirlige Penny Pingleton mit Leidenschaft in die Arme ihres Seaweed, den Malcom Quinnten Henry mit geschmeidigem Körper und ebensolcher Stimme zum Leben erweckte. Vanessa Weiskopf gefiel in der liebenswerten Rolle der kleinen Schwester Inez. Getoppt wurden die beiden allerdings durch ihre Bühnenmutter Motormouth Maybelle: Debrorah Woodson verkörpere diese Rolle schon bei der deutschsprachigen Erstaufführung in Köln und hat sie so sehr verinnerlicht, dass jede Geste, die Mimik und jedes Wort ganz natürlich erschienen. Den Song Ich weiß, wo ich war gestaltete sie zu einer berührenden Hymne, die das Publikum für einen Moment still innehalten ließ, bevor Woodson mit einem frenetischen Applaus belohnt wurde.

Mezzo Boshana Milkov als Velma von Tussle sonderte mit einer beängstigenden Selbstverständlichkeit ihre rassistischen Plattitüden ab. Bei der Interpretation der Songs, die sie mit Grandezza darbot, spürte man deutlich ihre Liebe zum Jazz. Ganz als Mini-Me einer übermächtigen Mutter schlüpfte Schauspielerin Julia Lindhorst-Apfeltahler in die Rolle der Amber von Tussle und ließ hinter der schönen Fassade des blonden Dummchens einen willensstarken (nur leider fehlgeleiteten) Geist durchblitzen. Beiden Künstlerinnen gelang das Kunststück, den jeweiligen Part nicht eindimensional böse erscheinen zu lassen, sondern auch den schrägen Humor aus der Rolle herauszukitzeln.

Tenor Andrew Irwin schmachtete sich als umschwärmter Teeny-Star Link Larkin hingebungsvoll durch seine Songs und amüsierte mit überkandidelten Star-Attitüden, indem er z. Bsp. immer wieder seine Haartolle kokett zurück warf. Doch sobald die Scheinwerfer erloschen waren, kam der sympathische Junge von Nebenan zutage, der seine Zweifel und Ängste nicht verbergen konnte, und in den sich Tracy verständlicherweise verlieben musste.

Seit 1988 beschäftige ich mich sehr intensiv mit dem Genre Musical: Einige Werke haben für mich einen herausragenden Stellenwert und sich einen besonderen Platz in meinem Herzen erobert. Da verspüre ich immer, wenn ich ins Theater gehe, eine gewisse Unsicherheit aus Angst, die jeweilige Inszenierung würde diesem Werk nicht gerecht werden. Ähnlich geht es mir mit einigen Rollen, die oberflächlich das pure Entertainment versprechen, aber unter der glitzernden Oberfläche eine wichtige Botschaft transportieren. Eine dieser Rollen ist Zaza aus LA CAGE AUX FOLLES, die andere Rolle ist Edna aus HAIRSPRAY. Beiden Rollen ist gemein, dass ein Mann in Frauenkleider schlüpft: Es besteht durchaus die Versuchung, dem „Affen Zucker zu geben“ und dem Klamauk zu frönen. Oder die Rolle wird wertschätzend behandelt, ohne dass die unterhaltenen Aspekte vernachlässigt werden. Regie und Darstellung wandeln da auf einem schmalen Grat zwischen Trash und Ernsthaftigkeit. Die Fallhöhe kann dabei enorm sein.

Voller Erleichterung spürte ich schon bei ihrem ersten Erscheinen, dass Edna hier am Stadttheater Bremerhaven bei Regisseur und Darsteller in den allerbesten Händen ist. Ein respektvolles Raunen gepaart mit einem überraschten Auflachen waren im Publikum zu vernehmen, als Bass Ulrich Burdack (O-Ton: „ein 2 Meter großer 3 Zentner-Mann“) zum ersten Mal hinter dem Bügelbrett in Erscheinung trat. Burdack verzichtete wohltuend auf eine übertriebene Feminisierung in der Stimme: Er blieb seiner Stimmlage Bass treu, was in manchen Dialogen zur Erheiterung des Publikums führte. Seine Edna ist eine Matriarchin, die pragmatisch die Geschicke der Familie lenkt. Von ihren eigenen Träumen hat sie sich verabschiedet. Dabei wirkt sie durchaus nicht verbittert: Das Leben hatte eben anderes mit ihr vor, und mit diesem Leben hat sie sich arrangiert. Und so bügelt und wäscht sie sich „eine Wölfin“ zum Wohle ihrer Lieben. Doch tief in ihrem Inneren versteckt sich sowohl die Revoluzzerin, die Ungerechtigkeiten vehement mit vollem Körpereinsatz bekämpft, als auch das junge Mädchen, das nach wie vor in ihren Wilbur verliebt ist. Schauspieler Kay Krause bildet zu Ulrich Burdacks Edna einen wunderbaren Gegenpart: Sein Wilbur ist ein ältlicher Harlekin, der sich seine kindliche Freude an den Kuriositäten in seinem Scherzartikelladen (und des Lebens) bewahrt hat, dem Schicksal vorbehaltlos gegenübertritt und seine Edna bedingungslos so liebt wie sie ist. Das gemeinsame Duett Du bist zeitlos für mich entpuppte sich als rührende Liebeserklärung, bei dem Burdack und Krause munter das Tanzbein schwangen, sich ihrer Liebe versicherten und voller Stolz auf ihre Tochter Tracy blickten.

Sopranistin Victoria Kunze begeisterte mich schon in so mancher Rolle des Opern-Repertoires und sang dort die Koloraturen ihrer Partien immer makellos. Als Tracy nahm sie ihre klassische Stimme bescheiden zurück, doch brillierte in den Songs auch in den höchsten Tönen. Zudem tanzte sie sich mit überschäumender Energie die Seele aus dem Leib und gestaltete ihre Rolle mit einer überzeugenden Natürlichkeit, gepaart mit einer immensen Freude am Spiel, die sich über den Orchestergraben hinweg auf das Publikum übertrug. Ihre Tracy Turnblad ist ein wahrer Sonnenschein mit dem Herz am rechten Fleck. Bravo!

„Bravo!“ möchte ich auch dem musikalischen Leiter Tonio Shiga zurufen, der das Philharmonische Orchester zur Höchstleitung anheizte und für einen süffigen Sound sorgte. Die mitreißende Musik mit ihrer Mischung aus R&B, Motown und Rock’n’Roll bahnte sich aus dem Orchestergraben heraus ihren Weg zuerst ins Ohr über das Herz direkt in die Füße, um dort für ein permanentes Wippen zu sorgen. Auf meinem Gesicht nistete sich ein seliges Dauergrinsen ein, und ich konnte mich beim fulminanten Schlussapplaus dem Ruf des Ensembles nur anschließen:

YOU CAN’T STOP THE BEAT!

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Sympathisch altmodisch

07.01.2023 - "Some like it hot" wird immer wieder als eine der besten, wenn nicht sogar als die beste Filmkomödie aller Zeiten bezeichnet.
Die Regie von Billy Wilder ist genial, die Dialoge haben Geschichte geschrieben und die Darstellungen von Monroe, Curtis und Lemmon sind ikonisch.
Da gehört schon Chuzpe dazu, sich an diesen Stoff zu wagen und ein Musical daraus zu machen. Peter Stone (Buch), Jule Styne (Musik) und Bob Merrill (Liedtexte) haben es gewagt und einen veritablen Hit am Broadway gelandet.
Hierzulande selten gespielt, ist SUGAR jetzt im Alten Schauspielhaus Stuttgart zu sehen.
Um es vorweg zu nehmen: Das Musical kann dem Film natürlich nicht das Wasser reichen.
Trotzdem kann man einen ausgesprochen vergnüglichen und kurzweiligen Abend haben.
Das liegt vor allem an den bestens aufgelegten Darstellern, die allesamt ihren ganz eigenen Zugang zu den Rollen finden, ohne an den übergroßen Vorbildern zu scheitern. Herausstechen dabei nochmals Ralph Morgenstern als Osgood Fielding III und Björn Schäffer (Jerry/Daphne), die in ihrem Zusammenspiel ein fulminantes Komödientandem abgeben.
SUGAR ist sicher nicht die beste Partitur des großen Jule Styne. Dennoch sind die Songs schön zu hören und passen in ihrem Bigband-Stil zum hohen Tempo der Geschichte. Alleine wenn in den Walzertakt übergegangen wird, tritt sie unnötig auf die Bremse.
Das schlichte, aber hübsche Bühnenbild lässt ohne Brüche und Pausen die vielen Handlungsorte entstehen.
Mario Marianos flotte, steptanzlastige Choreografie würde mit ein paar mehr Tänzern auf der Bühne noch etwas besser aussehen.
SUGAR ist eine gut gelaunte Musicalkomödie die trotz, oder vielleicht auch gerade wegen ihres etwas altmodischen Charmes für sich vereinnahmen kann.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Düstere Neuauflage des alten Materials

01.01.2023 - Es steht die Frage im Raum, ob es tatsächlich noch ein Robin Hood Musical brauchte, aber nun gut. Musikalisch hört man klar von wem die Komposition kommt. Ein paar alte Gassenhauer wurden recycled, was bei unserer Silvestervorstellung leider dazu führte, dass das dementsprechende Publikum andauernd mitklatschen musste. Der Deutsche kommt da scheinbar nicht aus seiner Schlagerhaut heraus. Ansonsten waren aber vor allem im ersten Akt ein paar sehr schöne Duette und Soli dabei. Besonders herausstach auch das erste Lied Gisbornes zu Beginn des zweiten Aktes. Die Musik kam leider auch in Hameln aus der Konserve. Wirklich schade, aber nun gut.

Bühnentechnisch beschränkt man sich auf eine große Gerüstkonstruktion, die in bewegliche Abschnitte unterteilt ist und auch mal TdV-Style als Schiefebene genutzt wird. Dazu kommen Projektionen und einige beweglicher Requisiten wie Bänke. Es wirkt erstaunlicherweise wirklich gut. Auch die Kostüme mit ihren glitzernden Kettenhemden und Umhängen waren eine nette Abwechslung zu dem was man sonst so bei Historienstücken bekommt.

Wir hatten das Glück die Show mit Friedrich Rau als Loxley, Thomas Hohler als Gisborne und Dennis Henschel als Will Scarlett zu sehen. Sie und auch das Ensemble lieferten wirklich solide Leistungen ab im Vergleich zu welchen unsere Marian leider sehr blass wirkte. Es fehlte einfach die Chemie zwischen den Hauptdarstellern. Man kann nicht alles haben.

Das mag allerdings auch dem Buch geschuldet gewesen sein. Anders als bei anderen Musicalversionen der Legende, wurde in knapp 80 Minuten ersten Aktes minutiös die Vorgeschichte Robin Hoods herausgearbeitet mit einem Schwerpunkt auf die Gräuel der Kreuzzüge und dem psychischen Folgen für unseren Protagonisten. Erst zu Ende des ersten Aktes entkommt er dem Strick und flieht in den Sherwood Forest. Im zweiten Akt verliert es sich dann allerdings. Wenn man nicht wüsste, dass Robin Hood der ist, der von den Reichen stiehlt und es den Armen gibt, dann könnte man auch denken, dass alles einbehalten wird... Auch sonst wirkt der deutlich kürzere zweite Akt sehr gerusht und ohne wirklichen roten Faden. Nachdem Marian und Robin im ersten Akt ein ganzes Duett zum Beziehungaufbauen geschenkt bekamen, Robin sich mit PTSD herumschlägt und Marian eine Beinahe-Vergewaltigung verarbeitet, ist im zweiten Akt Friede, Freude, Eierkuchen. Die Ensemblenummern/Slapstick dominieren und an den Charakteren wird leider nicht mehr wirklich gearbeitet. Etwas halbherzig und lieblos wird zur Befreiung Nottinghams von den Schergen König Johns noch Gisborne als Halbbruder Robins eingeführt. Am Ende des Stückes sind beide Protagonisten tot und die Truppe aus dem Sherwood zwar reich, aber Nottingham
immer noch nicht befreit. Ein sehr abruptes und etwas unbefriedigendes Ende.

Es hätte dem Stück sicherlich gut getan, wenn der erste Akt entweder deutlich gestrafft werden würde, oder der zweite Akt an den ersten angepasst. So, wie es ist, hat man fast das Gefühl zwei unterschiedliche Musicals zu sehen. Während der erste Akt sich mit sehr derber Sprache, Kriegsverbrechen, PTSD und einer sehr detaillierten fast-Vergewaltigung auseinandersetzt, wird im zweiten Akt gefeiert und gefeixt. Etwas seltsam.

Alles in allem ist dieses Musical sicherlich kein Stück, das man mit seinen Kindern sehen will (Auch wenn ganz schön viele Kinder bei uns im Saal waren.), eine Beschränkung für Unterzwölfjährige wie bei Besuch der alten Dame wäre durchaus angebracht angesichts der Themen des ersten Aktes. Am Ungleichgewicht der Akte wird vielleicht bis zum nächsten Jahr noch gearbeitet. Momentan merkt man doch stark, dass das Musical noch sehr neu ist. Einer Päpstin oder einem Bonifatius kann es sicherlich nicht das Wasser reichen; dazu fehlen einfach neue Melodien, die man mit nach Hause nimmt, aber an sich ist Chris de Burghs Robin Hood eine absolut solide Neuinszenierung mit einer brillianten Cast.

Cordeliade (4 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Gute Unterhaltung

30.12.2022 - Ich kann mich hier nur anschließen. Man wird sehr gut ungehalten und das Gewicht der Show wurde eindeutig auf die Nonnen gelegt.
Dolores war mir insgesamt zu zurückhaltend, funktionierte da aber bestens in ihrer Rolle als Nonne.

Gute Unterhaltung

30.12.2022 - Ich kann mich hier nur anschließen. Man wird sehr gut ungehalten und das Gewicht der Show wurde eindeutig auf die Nonnen gelegt.
Dolores war mir insgesamt zu zurückhaltend, funktionierte da aber bestens in ihrer Rolle als Nonne.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

What a joy

21.12.2022 - Die leichtgewichtige Komödie SISTER ACT zündet im English Theatre bestens und sorgt für Spaß und kurzweilige Unterhaltung.
Regisseur und Choreograf Ewan Jones liefert eine souverän routiniert Arbeit ab. Insbesondere die einzelnen Schwestern des Nonnenchores sind individuell und originell herausgearbeitet.
Nicht ganz so gut gelungen ist das Rollenportrait von Deloris. Erstbesetzung Kalisha Amaris ist stimmlich bestens disponiert, spielt aber anfangs mit angezogener Handbremse. Dieses Understatement ist unnötig und wird zum Glück im Laufe des Abends aufgelöst.
Margaret Preece startet als Mother Superior dafür etwas zu überzogen klamaukig und schrill. Aber auch das pendelt sich ein.
Bühnenbild und Kostüme sehen großartige aus, die Tonabmischung stimmt, die Band hat den richtigen Drive.
Well done!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Nichts erwartet und total begeistert!

16.12.2022 - Ich bin ohne Erwartung in das Musical gegangen.Die Musik habe ich gekannt, sonst habe ich mich nicht viel mit dem Musical befasst. Bevor es nun Deutschland verlässt, wollte ich es mir dann aber doch einmal ansehen.
Und was soll ich sagen, ich habe nichts erwartet und wurde restlos begeistert!
Das Ensemble war voller Spielfreude dabei.
Hervorheben möchte ich zwei Darsteller
Leon de Graaf als Aladdin für mich die perfekte Besetzung, tolles Schauspiel und eine grandiose Stimme.
Ebenso Maximilian Mann als Dschinni einfach perfekt mehr kann ich dazu gar nichts sagen, mir fehlen die Worte.
Die Szene des Teppich Fluges war für mich, eine der schönsten die ich je in einem Musical gesehen habe.
Ich ärgere mich das ich mir das Musical nicht eher angesehen habe, sonst wäre ich sicher noch ein zweites Mal rein gegangen.

Musicalfan86 (39 Bewertungen, ∅ 4.5 Sterne)

Schwelgerisch

15.10.2022 - Wenn man für sich akzeptiert, dass die Macher von LUDWIG2 dem historisch verbürgten Kontext der Geschichte und der Personen keine größere Aufmerksamkeit geschenkt haben, kann man mit den wunderbaren Bildern, Melodien und Stimmen der aktuellen Aufführungsserie einen schwelgerischen Abend verbringen.

Regisseur Benjamin Sahler, der die enorm leistungsfähige Technik der riesigen Bühne virtuos ausnutzt, hat durchaus versucht, der Süßlichkeit von Conall Morisons Originalregie etwas mehr Tiefgang abzutrotzen. Das gelingt in kleinen Dosierungen, kann aber die Oberflächlichkeit von Buch und Text nicht ungeschehen machen.

Die namenhafte Besetzung spricht für sich: Jan Ammann, Alexander Kerbst, Nicole Ciroth, Marc Trojan,...

Wenn man, wie gesagt, sich darauf einlassen kann, dass mehr Klischee als Historie bedient wird, erlebt man einen schwelgerisch emotionalen Abend, der packt, anrührt und begeistert.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

beste Unterhaltung

02.10.2022 - Kannte die Lieder vorher und habe die CD schon öfters gehört. Bei dem Stück handelt es sich um ein jukebox Musical, jedoch passen die Stücke perfekt zur Handlung als ob sie extra für das Stück geschrieben wurden.
Das Stück macht einfach gute Laune da es tolle Musik und einen super Cast hat, gut unterhält und witzig ist.
Kann das Stück jedem empfehlen.

steff79 (12 Bewertungen, ∅ 4.4 Sterne)

Viel Talent, viel Kreativität

26.09.2022 - FOOTLOOSE ist sicher kein Meilenstein des Musiktheaters. Dennoch ist die Inszenierung im First Stage Theater Hamburg ausgesprochen empfehlenswert und pendelt gut austariert zwischen mitreißendem Tanzspektakel und emotionalem Jugend- und Familiendrama.

Ein großes Kompliment an Jörg Löwy, der mit unzähligen originellen Regieeinfällen bestens unterhält.

Lichtdesign und Bühnenbild sind auf hohem Niveau und brauchen sich hinter keinem Stadt- oder Staatstheater verstecken.

Die Choreografie von Phil Kempster gibt Vollgas. Beim energiegeladenen Opener des zweiten Aktes brennt die Bühne.

Florian Soyka und Janneke Thomassen geben mit souveräner Präsenz das zentrale Elternpaar.

FOOTLOOSE bietet gute Möglichkeiten um die jungen Künstler der Hamburger Stage School zu besetzen. Dennoch konnte leider nicht jede Rolle auch wirklich typgerecht besetzt werden. Nichtsdestotrotz ist außerordentlich viel Talent und überbordende Spielfreude auf der Bühne zu entdecken.
Als herausragendes Beispiel sei hier nur Lena-Sophie Pudenz genannt, die sich jede Szene einfach "stiehlt" und zu der ihrigen macht. Hut ab!

FOOTLOOSE ist eine großartige Visitenkarte für das Haus.
Ich freue mich auf kommende Produktionen.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Fantastische Produktion eines guten Stücks

13.09.2022 - So anders kann man das sehen. Was mich in Linz bei ANASTASIA (neben der wunderbaren Ausstattung und den umwerfenden Choreos) besonders beeindruckt hat, war der Mut, kurz vor Ende des Stücks den Hauptkonflikt in einer Schauspielszene zwischen der Zarenmutter und Anja/Anastasia abzuhandeln. Hier zeigt sich die doch die wahre Größe eines Autors wie Terrence McNally: einer Figur wie der Zarenmutter Tiefe zu verleihen, wo eine Musicalnummer vermutlich nur Pose gezeigt hätte. Klar, ANASTASIA hat nicht das Format von RAGTIME, aber die relativ simple Geschichte wird wunderbar erzählt, das Märchen verzaubert das Publikum, ohne den Intellekt zu beleidigen. Ich finde: ein großer Abend auf allen Ebenen!

Nr. 690 (7 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Sehenswert

11.09.2022 - Auch wenn ich den Einstieg mit der Videoinstallation und zwei drei dramaturgische Abwandlungen nicht zuordnen oder gar überflüssig blöd finde, überlagerten sie zu keiner Zeit das Stück.

Zudem mochte ich die teilweise total übertriebenen Kostüme. Hatte man doch immer was das ins Auge fiel. Gerade während des etwas sich gedehnt anfühlenden ersten Aktes.
Sascha Luder hat mir als Tony sehr gut gefallen. Auch die weiteren Rollen waren auch meist passend besetzt und gut gezeichnet.

Gerade zum Ende hin gewann die Inszenierung an Stärke mit einer dann genial eingesetzten Drehbühne wo Tonys früheres Leben an ihm vorbei zieht.

Der Ton war für Darmstädter Verhältnisse recht passabel. Hatte ich in dem Haus ja bereits einige teils sehr negative Erfahrungen.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Robin Hood im Techno Forest

05.09.2022 - Bei einem ROBIN HOOD Musical würde man vielleicht eine angelsächsische Folkloreshow erwarten. Spotlight Musicals erfüllt diese Erwartungshaltung nicht und präsentiert eine sehr moderne und eigenständige Interpretation des populären Mythos.
Es beginnt bei dem technisch wirkenden Bühnenbild, geht über die historisierenden (aber nicht historischen Kostüme), die kampfsportartige Choreografie bis zu den mutig und neu interpretierten Hauptcharakteren der Geschichte.
Robin selbst ist eine gebrochene Gestalt, hat eine nahezu epische Vorgeschichte und taumelt einem tragischen Ende entgegen. Seine Bande besteht zur Hälfte aus kampfbereiten, durchtrainierten Amazonen, die den Männern in nichts nachstehen. Lady Marian und die Äbtissin sind starke selbstbewusste Frauen, die die Handlung nachhaltig beeinflussen. König John (großartig von Christian Schöne gespielt und gesungen) ist ein egomanisch sadistischer Narziss, der sich auch schon einmal einen Kerl ins Bett holt. Alleine die Rolle des Guy of Gisbourne ist deutlich unterentwickelt und bleibt schattenhaft.

Auch wenn die Vorgeschichte Robins (die fasst den ganzen ersten Akt beansprucht) etwas zu umfangreich geraten ist, legt Regisseur Matthias Davids ein hohes Tempo vor und wird von einem enorm spielfreudigen Ensemble perfekt unterstützt.

Die Komposition von Dennis Martin und Chris de Burgh erfüllt ihren Zweck, trägt die Handlung und kann einzelne Highlights setzen.
Die Musik ist eine Einspielung. Klang und Lautstärke sind perfekt abgemischt. Die Solisten und das Ensemble sind ausgezeichnet zu verstehen.

Wenn man sich an die moderne Herangehensweise an diesen Stoff gewöhnt hat, kann man einen hochgradig professionellen und gelungenen Musicalabend genießen.
Zwei Jahre auf ROBIN HOOD zu warten, hat sich gelohnt.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Musical-Oper

09.08.2022 - ... nennen die Kreativen in Pforzheim die Uraufführung MARTYR.
In der Tat hat der außerordentlich vielseitige Frank Nimsgern eine Crossover-Partitur komponiert, die die beiden Gattungen harmonisch vereint, dem Stück und der Geschichte dient, zugänglich ist und sich dabei doch niemals in seichter Melodik verliert.

Das Historienstück, das die Lebensdaten und -stationen des Malers Jörg Ratgeb verwendet, ist ein eindrucksvoller Beleg dafür, mit welcher Leidenschaft und Expertise an deutschen Stadt- und Staatstheatern Musical gemacht wird.

Das intelligente Buch von Thomas Münstermann folgt nicht einfach nur der Biografie Ratgebs, sondern stellt die Frage inwieweit sich ein Künstler politisch engagieren darf oder muss und verfolgt die Konsequenzen bis zum grausamen aber nicht hoffnungslosen Ende.
Die stringente aber niemals gehetzte Inszenierung (ebenfalls Thomas Münstermann) ist beispielhaft für gute und intelligente Theaterunterhaltung.
Kongenial wird er dabei von der besten optischen Ausstattung unterstützt, die ich bisher auf der Bühne des Theaters Pforzheim zu sehen bekommen habe. Niemand vermisst Bombast, wenn ein derartiges Maß an Kreativität gegeben ist. Das Bühnenbild und die Videoprojektionen, die das Werk Ratgebs fließend und statisch zum dreidimensionalen Gemälde werden lassen, sind schlichtweg genial und visionär. Die Wirkung wird verstärkt durch ein stimmiges Lichtdesign und authentische Kostüme.
Stimmlich bestens disponiert absolviert Mischa Mang die Titelrolle. Philipp Werner brilliert als Gegenspieler Neidhart mit gewaltiger klassischer Stimme.

Inspiriert und emotional berührt, verlässt man das Theater.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Auf nach "Britannien" auf den Fildern!

23.07.2022 - Artus war nach AIDA und Big Fish nun mein dritter Besuch im Theater unter den Kuppeln. Schon die Atmosphäre vorher im Garten hat was. Dazu das schöne Theater unter der Kuppel mit bequemen und gepolsterten Sitzen.

Auch ich bin von der Qualität der Aufführung, dem Ton, dem Orchester und vor allem der Leistung der Darstellerinnen und Darsteller mehr als begeistert. Was da für Talente singen, tanzen.

Die CD zum Stück habe ich schon seit St. Gallen, konnte das Stück aber bisher noch nie sehen. Ich fand es trotz vieler Balladen im 2. Akt ein sehr gutes Wildhorn Musical.

Wiederkehrende Zitate in den Kampfszenen und Anleihen an Rock, Bolero und keltischen Klängen machen den Abend sehr abwechslungsreich. Zudem bietet das Stück viele Ensembleszenen die den Chor einbinden. Da waren rasch 40-50 Menschen auf der Bühne. Dazu noch ein druckvolles 15-köpfiges Orchester im Graben welches den teils zarten und teil treibenden Songs die nötige Strahlkraft gaben.

Dazu eine spannende Geschichte die auf der riesigen Bühne bis hoch auf die Zinnen/Berge von Camelot bespielt wird.

Gerade die Auftritte des Chores mit Kerzen in der Hand durch die Gänge beeindrucken sehr. Die riesige Drehbühne wird ab Ende des 1. Aktes rege genutzt und lässt neue Orte entstehen.

Man darf gespannt sein, welches Stück 2023 auf den Fildern begeistern darf.

Frenetischer Jubel für alle beteiligten und Standing Ovations des ausverkauften Saals waren völlig angebracht.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Solide

12.07.2022 - Gil Mehmert hat mit Bettina Mönch und David Jakobs in den Hauptrollen EVITA am Saarländischen Staatstheater Saarbrücken inszeniert.
Bei diesen drei Namen erwartet man dann eigentlich schon etwas Großes und Außergewöhnliches. Realistisch betrachtet, ist das aber nur schwer möglich. EVITA wird seit Jahrzehnten landauf und landab aufgeführt. Das macht es schwer, dem Stück neue Aspekte und spannende Impulse zu geben. In Saarbrücken bekommt man nun eben eine solide EVITA. Nicht mehr, aber auch nicht weniger.
Kleinere Kritikpunkte wären für mich der eine oder andere eigenwillige Regieeinfall. So wird das ikonische "Wein nicht um mich Argentinien" zur Hälfte mit dem Rücken zum Publikum gesungen. Auch wenn Perons Geliebte mit einem Sackkarren von Che auf der Bühne herumgefahren wird oder Peron sich Evas Abendkleid anzieht, ist das sicher doppelbödig zu verstehen, wirkt unpassenderweise aber eher belustigend.

Leider verzichtet man auch auf große Orchesterbesetzung. Das wird bei EVITA zwar oft gemacht, aber bei dem einen oder anderen Lied vermisse ich die Streicher schon sehr.

Von dem zu Recht viel gelobten David Jakobs hätte ich auch etwas mehr erwartet. Sein Leistung ist in allen Belangen souverän. Dennoch habe ich schon deutlich präsentere und energischere Ches gesehen.

Ein praktikables Einheitsbühnenbild genügt den Ansprüchen.
Das Kostümbild hat die einfach Bevölkerung Argentiniens zu gut gekleidet. Die gesellschaftlichen Unterschiede und die große Armut der Bevölkerung kommt darin nicht zum Ausdruck.

Trotz großer Namen ein Theaterabend, der nicht über das Prädikat "solide" hinauskommt.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Remix-Version des Musicals mit Aussetzern

09.07.2022 - Nach langem Warten, hatten wir das Glück das letzte Konzert der diesjährigen Serie sehen zu können. Trotz einer arg gekürzten Fassung, die zum größten Teil ohne Lucchenis Moderation, zweite Strophen und ganze Lieder auskommen musste, um die 2h einzuhalten, und teilweise extremen Tonproblemen, ist diese Inszenierung etwas, das man sich nicht entgehen lassen sollte.

Es ist klar, die konzertante Version raubt dem ganzen Stück sehr viel seiner Intimität, vor allem in den Duetten und Trios und auch einiges an Drive. Der Livestream auf den LED-Bildschirmen war dazu teilweise sehr unglücklich gewählt, sodass wir froh über unsere Operngläser waren. Elisabeth lebt, vor allem in Seiberts Interpretation der Rolle, vom Blickkontakt der Darsteller zueinander. Leider konnten die Kameras das so überhaupt nicht einfangen.

Musikalisch machte der große Hof dem Orchester leider einen gewaltigen Strich durch die Rechnung. Viele Einsätze funktionierten nicht, ganze Sektionen von Musiker schienen einander überhaupt nicht zu hören, und trotz Earmonitor schien es den Sängern ähnlich zu ergehen. Vor allem im ersten Akt wirkte alles etwas unsicher. Dem half nicht, dass Seibert und Ziegler stimmlich im ersten Akt sehr angeschlagen wirkten. Zum Glück änderte sich das im zweiten Akt. Es war beinahe so, als ob eine vollkommene Cast/Orchester spielten. Leider scheint man aber die Sänger:innen gegen die Musik anschreien haben zu lassen. Es gab niemanden, dem während der letzten Lieder des zweiten Aktes nicht die Stimme wegblieb. Leider.

Durchweg überzeugte André Bauer als Franz-Joseph. Im ersten Akt gelang es ihm, trotz des enormen Altersunterschied zu Abla Aloui, die Beziehung des jungen Franz und der jungen Sisi glaubhaft zu machen. Gesanglich war er von Anfang bis Ende ein Genuss. Auch wenn selbst er bei Boote in der Nacht stimmlich deutliche Probleme hatte. Auch Maya Hakvoort, die ab dem zweiten Teil von Ich gehör nur mir (unter dem Dirigat von Levay himself) übernahm, brillierte ohne Abstriche. Sie und David Jacobs brachten die Energie, die Lukas Perman und Seibert leider an diesem Abend komplett fehlten. Zu Jacobs bleibt nur zu sagen, dass er auf einer Stufe mit Vorgängern wir Kaya und Freeman steht. Absolut überzeugend und charismatisch.
Einer der Gründe, warum wir uns auf die Reise aus Norddeutschland nach Wien für einen Tag gemacht hatten, war eigentlich gewesen, endlich Lukas Perman live als Rudolf zu erleben. Nachdem sein Mikrofon im Prolog aussetzte, überzeugte er in Wenn ich dein Spiegel wär absolut. Die Schatten waren dahingegen eine der schwächsten Performances, von beiden Darstellern, die wir je von diesem Lied sahen.

Was auch zur Inszenierung führt. Wie bereits erwähnt, wurde das gesamte Stück so stark zusammengekürzt, dass manche Lieder (z.B. Nur kein Genieren) ihren gesamten Sinn verloren. Besonders im zweiten Akt fiel es extrem auf. Es wirkte beinahe so, als ob man Rudolf für seine zweieinhalb Lieder + Mayerling schnell auf die Bühne zerren und dann loswerden wollte. Es wirkte fast wie ein reines Absingen der Lieder, was wirklich seltsam und unfair dem Darsteller gegenüber war. Unglaublich was 20 Minuten ausmachen können. Hätte man das ganze als reines -Konzert in Kostümen wie 2002 advertised, wäre es vermutlich anders gewesen; so blieb bei uns leichtes Unverständnis und ein "meh"-Gefühl zurück, weil man sich stets fragte, warum Wenn ich tanzen will und Die Schatten werden länger mehr oder weniger komplett ohne Interaktion der Darsteller:innen auskommen mussten, während Milch etc Choreos bekamen. Sehr schade.

Alles in allem, ist dieses Event aber jedem Fan ans Herz zu legen. Obgleich aller Pannen und Unstimmigkeiten, machten die Atmosphäre und das Setting alles wett, was die minutenlangen Standing Ovations widerspiegelten. Solange man sich bewusst macht, dass es ein Event und nicht das klassische Musical ist, wird man mit Begeisterung daran zurückdenken.

Begeisternde Open-Air Produktion: Manderley an der Elbe

08.07.2022 - Es bleibt nicht viel zu sagen zu diesem hervorragenden und runden Abend in Magdeburg. Pünktlich zum Einlass riss der Himmel auf und die Sonne tauchte den Dom in herrliches Licht. Die sich ständig ändernden Lichtstimmungen aufgrund der Zeit im 1. Akt werden genial genutzt und im 2. Akt wird dann alles noch dichter und effektvoller.

Rebecca ist schon seit Wien/Stuttgart ein sehr rundes und gut erzähltes Stück, sodass man sofort in der Geschichte gefangen ist. Daran hat sich in den fast 16 Jahren seit der Uraufführung nichts geändert. Das 40-köpfige Orchester spielt sensationell gut, man hört echte Instrumente, aber deren Größe erkennt man nicht immer. Der Klang an sich war am besuchten Abend hervorragend. Die Darsteller und der Chor waren richtig gut zu verstehen.

Viele gute Einfälle der Regie/Bühnenbild waren zu entdecken und machten es spannend die Show nach fast 10 Jahren wiederzusehen. Genial auch das "Wasser" so gekonnt einzubauen. Mal ist der Ort am Wasser (Monte Carlo, Manderley), mal der Darsteller nah am Wasser gebaut oder es steht das Wasser bis zum Hals... das lässt viele Interpretationen offen.

Besonders die großen Szenen (Monte Carlo, Die neue Mrs. de Winter, Ball, Strandgut... gelingen zu einer überbordenden Augenweide dank einer guten Choreo und beeindruckender Kostüme. Dazu erste Effekte von Leuchtfeuer und Fackeln lassen erahnen was am Ende passieren wird. Genial gelöst.

Die Cast lässt keine Wünsche offen ein immer stärker werdender Patrick Stanke, eine phänomenale Kerstin Ibald als Mrs. Danvers und eine Entdeckung für mich als ICH: Sybille Lambrich. Auch in den kleineren Rollen starke Stimmen und tolle Soli. Jeanett Neumeister als Beatrice sei hier ebenfalls erwähnt.

Leider wird man so eine riesige und höchst professionelle Show so lange nicht wieder sehen. Eine Cast von ca. 80 Menschen auf der Bühne, dazu ein riesiges Orchester einfach nur genial. Daher bin ich dankbar und froh da gewesen zu sein.

Und einmal mehr wird klar: Wien - ich komme!

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

XXL-Breitwandspektakel mit Luft nach oben

01.07.2022 - Nachdem ich die Doppel-CD schon einige Monate zu Hause habe und von einer Vielzahl der Songs von Ralph Siegel überrascht war, konnte ich mir nun einen Eindruck der Show in Füssen machen. Das Beste daran: Viele der auf der CD verewigten Künstler waren tatsächlich live zu erleben.

Die Show ist im Grunde ein riesiges Spektakel mit einer überbordenden Fülle an Bildern, Effekten und Liedern. Das Buch springt im Grunde bis zur Hälfte des 2. Aktes immer zwischen dem Leben von Zeppelin auf der einen Seite und dem verhängnisvollen Flug der Hindenburg auf der anderen Seite. Grundsätzlich eine spannende Idee wenngleich eigentlich insb. an Bord wenig passiert.

Auch über Zeppelin erfährt man eher wenig. Einzelne Lebensphasen werden aber schön illustriert und mit teils schönen Melodien untermalt. Die Einblendungen über dem Portal helfen zudem Ort und Zeit einzuordnen.

DIE MUSIK

Ralph Siegel hat für Zeppelin (nach meinem Hören) bis auf eine ganz kleine Anleihe bei (Zeit von Bianca Shomburg) teils berührende, aber auch treibende Songs geschrieben die im Stil zwischen Schlagerballade, Revuenummer, Chorälen und Popsongs abwechseln. Besonders zauberhaft das Kinderlied gleich im 1. Akt, die Ankunft der Hindenburg und die Revuenummer im Kabaret.

DIE DARSTELLER

Tim Wilhelm (Münchner Freiheit) gab den Zeppelin und er hat eine starke Stimme und ein schönes Spiel. Beim 1. Hören meint man den jungen Uwe Kröger zu hören. Seinen Vater gab in der besuchten Vorstellung Martin Berger, den ich sehr schätze. Seine warme Stimme und seine Präsenz waren genau richtig. Auch im 2. Akt in seiner Rolle als Reporter wusste er zu überzeugen. Neben der First-Cast in vielen Rollen war an dem Dienstagnachmittag Chris Murray als Cagney zu hören und Sandy Mölling (No Angels) als Lilly. Nach ihrer starken PÄPSTIN (in Stuttgart) schön sie mal wieder zu sehen. Auch die Kinderdarsteller wussten mit starker Stimme zu überzeugen.

DIE BÜHNE / KOSTÜM

Gigantisch was man da zu sehen bekommt. Man fährt neben einer stimmigen Lichtregie und Laser/Feuereffekten alles ein was geht. Diese riesige Drehbühne, das Wasserbassin, Flugeffekte und mehr. Bei teilweise bis zu 50 Menschen auf der Bühne ist man an die franz. „Spectacle“ aus Frankreich erinnert. Man weiß nicht, wo man zuerst hinsehen soll. Auch die Kostüme sehen aufwändig und teuer aus und passen gut in die Zeit.

FAZIT

Das Stück geht 3:40min incl. 30min Pause und insb. im 2. Akt passiert leider nach dem Tod Zeppelins nicht mehr viel. Auch über Zeppelin und seine Beweggründe erfährt man leider zu wenig. Irgendwann binnen eines Liedes verliebt er sich und kurz nach der Pause zieht er sein Lebensfazit und stirbt. Das Buch sieht nun vor, die im 1. Akt kurz eingeführten Personen etwas näher zu bringen, der Effekt verpufft aber – anders als z.B. bei Titanic. Der Zuschauer konnte keine Bindung aufbauen. Das gelingt am ehesten noch bei Paul Stiller dem Pianisten. Aber auch dessen Rolle ist eher Beiwerk. Er kämpft nicht für seine „Emmy“ …

Es ist einem irgendwie fast egal was denn der einen oder anderen an Bord widerfahren ist oder noch wird. Völlig unnötig dann auch der Song um „Werner“. Er berührt null, klingt einfach auch nicht schön und zieht den 2. Akt in die Länge. Hier wäre eine behutsame Straffung nötig. Die Finale 1. Akt und 2. Akt sind dann wieder spannend inszeniert.

Ich bin trotz allem sehr dankbar diese XXL-Produktion in Füssen gesehen zu haben. Man muss den Mut und den Enthusiasmus aller Beteiligten hoch würdigen. Der gut besuchte Saal stand binnen weniger Sekunden nach dem Finale. Und wer weiß was noch aus der Show werden kann im Laufe der Jahre.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Höllenritt!

28.06.2022 - Erneut haben die kreativen Köpfe von Vanden Plas großartiges Musiktheater erschaffen. LAST PARADISE LOST wird von den Schöpfern selbst als "Rockoper" bezeichnet. Das sollte man so auch zur Kenntnis nehmen. Die literarische und inszenatorische Struktur entspricht nicht der, die man vielleicht von einem Musical erwarten würde. Insofern ist die Listung und Bewertung in dieser Rubrik auch etwas fragwürdig.
Der epische Handlungsverlauf wird (notgedrungen) in sehr fragmentarischer Form erzählt. Das Stück wird komplett in englischer Sprache (Sprechtexte gibt es keine.) gesungen. Die einzelnen "Charaktere" bleiben plakativ.
Nichtsdestotrotz entwickelt die Inszenierung von Johannes Reitmeier in Verbindung mit dem visionären Bühnenbild und dem gelungenen Lichtdesign eine große Sogwirkung und Emotionalität. Das ist zum großen Teil auf die komplexe, vielseitige und auch eingängige Komposition von Vanden Plas zurückzuführen. Zum Anderen toben sich Andy Kuntz, Randy Diamond, Astrid Vosberg und Adrienn Cunka erwartungsgemäß auf der Bühne aus und sorgen für Atemlosigkeit.

LAST PARADISE LOST ist sicher kein Musical für jedermann, aber kultiges Musiktheater für Fans und Interessierte.
Standing Ovations!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

“Was dein Herz dir sagt ....

26.06.2022 - ...kann so falsch nicht sein.“

Dieses Zitat aus der grandiosen und wunderbar flüssigen Übersetzung von W.Adenberg ist für mich mit das stimmigste was ich seit langem gehört habe. Die Texte fließen einfach in der melodischen Partitur und es gelingt so genial die Soli,Duette Trios und Ensembleszenen textlich zu bebildern.

Schon im Original wird in dem durchkomponierten Musical viel Story über die Songs transportiert. Auch viele der Reime funktionieren wunderbar. Und was für kleine, feinen Melodien. Zurecht eine von ALW besseren Werken.

Ich durfte 2004 und 2018 beide Londoner Inszenierungen erleben. Daher nun auch der Weg nach Fürth. Eine gute Entscheidung. Wie zitiert: “Was das Herz dir sagt ... “

In einem wunderschönen Theater konnte ich die Show aus Gmunden nun sehen. Einfach genial. Die gesamte Cast, allen voran Carin Filipcic und Yngve Gasoy Romdal setzen Aktente. Das 10köpfige Orchester lässt die herrlichen Melodien strahlen. Insbesondere bei der Akustik in Fürth. Wenn dann nach Marians Solo “Nur für Laura“ selbst das Orchester applaudiert, da passiert Theatermagie. Chapeau.

Man kann nur hoffen, dass auch dieses tolle Stück eine CD erhält und damit seinen Weg in die deutschsprachigen Theater findet. Die Partitur die ja teil kammerartige Harmonien enthält spielt sich geschickt ins Ohr. Manchmal hört man Melodien die gut auch aus Phantom, Love Never Dies, Cinderella oder Beautiful Game stammen könnten. Toll auch der Tango und die überaus witzige Szene mit Graf Fosco.

Mit den LED Stelen hätte man sicher noch das ein oder andere besser räumlich skizzieren können - war aber sehr passend zusammen mit den schönen Kostümen und dem dezenten Licht.

Großartige Show mit spannender Story in stimmmiger Inszenierung und einem tollen Cast. Danke.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Supertolle Amateurproduktion

25.06.2022 - Ein grandioses Orchester, ein voller und satter Chor, eine perfekte Soundanlage, die viel besser klingt als bei manchen Profi-Open-Airs. Unbedingt empfehlenswert, auch die Solisten haben astreine Stimmen, vor allem Matthias Tränkle als Artus. Ich war wirklich platt über die Qualität!

Vollpfosten (9 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

wunderbarer open-air Theater-Abend

20.06.2022 - Vorweg muss ich sagen, dass es ganz besonders war nach so langer Zeit endlich wieder eine open air Bühnenproduktion zu sehen! Rebecca hat natürlich tolle Musik (leider gabe es einige Tonprobleme) und eine spannende Geschichte, die von den Darstellern spielfreudig auf die große Bühne gebracht wurde. Besonders gut gefiel mir Kerstin Ibald als Mrs. Danvers: großartige, passende Stimme und darstellerisch ganz stark. Trotz ihres zerstörerischen, wahnhaften Verhaltens hatte ich in einigen Augenblicken sogar Mitleid mit ihr. Patrick Stanke ist ein toller und glaubwürdiger Maxim de Winter! Sybille Lambrich gefiel mir persönlich leider nicht als (dunkelhaarige) "Ich". Stimmlich super, aber beim ersten Zusammentreffen mit Maxim spielte sie "keck", auf Manderley wieder schüchtern und nach Maxims Zusammenbruch war sie in ihrer Rolle arrogant und direkt unsympatisch. Ist natürlich Geschmackssache und "Kritik" auf hohem Niveau.

Die große Bühne wurde "gut gefüllt": die Massenszenen beim Maskenball, der Havarie und beim Feuerausbruch waren sehr beeindruckend! Als störend fand ich aber, wenn z.B. im Hotelfoyer Tanzpaare "sinnfrei" an den Bühnenrändern tanzten. Genauso konnte ich nicht nachvollziehen, dass die Darsteller oft ebenso "sinnfrei" durchs Wasser liefen.

Begleitet wurde die Vorstellung von Popcorn essenden Zuschauern, das Popcorn wurde vor der Vorstellung extra dafür verkauft... schlimm...

Insgesamt hat mir Rebecca sehr gut gefallen und ist absolut eine Reise wert!

dolcetto (23 Bewertungen, ∅ 4 Sterne)

Schneewittchen und das Sexualleben der sieben Zwerge

16.06.2022 - Die Märchenmusicals der Brüder Grimmfestspiele Hanau sind keine betuliche Märchenstunde für die Kleinen.
Man setzt hier Jahr für Jahr den doppelbödigen, zeitlosen oder sogar aktuellen Kern der Geschichten in den Mittelpunkt der Inszenierung.
Die DROSSELBART Bearbeitung von Peter Lund ist dieses Jahr so spitzfindig, respektlos und humoristisch scharfsinnig ausgefallen, dass sie höchstwahrscheinlich Kinder überfordern wird. Umso größer und ungebremster ist aber der Spaß für ein erwachsenes Publikum.

Die DROSSELBART Geschichte spielt sich nicht direkt auf der Bühne ab, sondern wird von fahrendem Zirkusvolk zur Aufführung gebracht. Ähnlich wie bei CHICAGO oder PIPPIN gibt das immer wieder die Möglichkeit die vierte Wand süffisant zu durchbrechen.
Außerdem nimmt sich Lund die Freiheit heraus verschiedene andere Märchen mit in seine Neuinterpretation einzuarbeiten. (Bei dieser Gelegenheit erfährt man dann auch, was Schneewittchen und eine Reihe kleinwüchsiger Männer den ganzen Tag so getrieben haben.) Das ist frech, ironisch, parodistisch und auch immer wieder zeitgemäß kritisch.
Wolfgang Böhmer hat dazu eine passend beschwingte, eingängige Musik komponiert, die die Leichtigkeit (nicht Seichtheit!) von Inszenierung und Handlung ausgezeichnet transportiert.

Ein souveränes und spielfreudiges Ensemble komplettiert den großartigen Gesamteindruck. Die wunderbare Charlotte Heinke als trockenhumorige alleinerziehende Mutter (Hauptberuf Königin) und Pedro Reichert als nicht ganz so schön geratener Hofkoch Jakob mit perfektem Comedy Timing setzen komödiantische Glanzlichter.

Es war einmal in Hanau!
Immer wieder gerne!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Produktionstechnisch auf höchstem Niveau

08.06.2022 - Im Grunde müsste man es nicht immer wieder erwähnen, aber dennoch ist meine Begeisterung über das produktionstechnische Niveau der VBW wieder groß. In Wien wird (fast) alles herausgeholt, was das Musical, die Musik und die Inszenierung von Laurence Connor hergeben.
Die neue Übersetzung durch Michael Kunze bringt für mich keinen erkennbaren Mehrwert. Ein literarisches Versagen ist es nach wie vor, dass man sich mit dem Vietnam Krieg, seiner Bedeutung und seinen bitteren Folgen mehr oder weniger nicht auseinandersetzt. Er dient als dramatische Staffage und aus! Für Ellen hat man zwar ein neues Lied eingefügt. Es stellt sich aber nur als ein weiteres Lamento heraus, das sich auf den Gefühlszustand der Protagonistin bezieht. Das Stück hätte etwas anderes benötigt.
Die Besetzung kann in Wien auch nahezu komplett überzeugen und begeistern.
Oedo Kuipers überraschte mich positiv und kann im zweiten Akt mit einer kraftvoll dramatischen Darstellung begeistern.
Christian Rey Marbella scheint für die Rolle des Engineer geboren zu sein. Seine leidenschaftliche Spielfreude und große Bühnenpräsenz überzeugen.
Für mich ist James Park als Thuy die Überraschung und der Star des Abends. Gesanglich eindrucksvoll, schauspielerisch enorm intensiv und von charismatischer Bühnenpräsenz glänzt er als Mittelpunkt jeder seiner Szenen.
Als Kim durfte ich die Erstbesetzung Vanessa Heinz erleben. Vorab mein Respekt dafür, dass die sehr junge Künstlerin ein derart herausfordernde Hauptrolle überwiegend souverän singt und gestaltet. Aber der Teufel liegt im Detail und in Kleinigkeiten. Weshalb mich ihre schauspielerische Leistung nicht vollends überzeugen konnte. Einiges wirkt hier doch ziemlich übertrieben, fast grob. Die anfänglich Naivität, die sich in Augen aufreißen und Grinsen erschöpft; später die überdramatischen, nahezu an Wahnsinn grenzenden Gesichtsentgleisungen; die Interaktion mit Tam, bei der man befürchten muss, dass sie das Kind nicht beschützt sondern stranguliert. Es wird einem dadurch schon etwas erschwert, Kim als emotionales Zentrum und als Sympathieträger wahrzunehmen.

Dennoch ist die Wiener MISS SAIGON Aufführung Musical Entertainment auf höchstem Niveau, spektakulär und mit hohem Unterhaltungswert.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Doppelter Boden und fulminantes Ensemble

27.05.2022 - Stephen Sondheims Meisterwerk INTO THE WOODS ist in einer rundum gelungenen Inszenierung in der Wiener Volksoper zu sehen. Die Regie von Olivier Tambosi kann durch ihre unaufgeregt Art von Anfang bis Ende überzeugen. Die subtile Doppelbödigkeit des Musicals wird nie dazu benutzt, um sie mit augenscheinlichen Inszenierungssperenzchen dem Publikum nahe zu bringen. Das Werk kann für sich sprechen und das gesteht ihm das Kreativ-Team auch zu.
Das aufwändige Bühnenbild unterstützt diesen Gedankengang und gefällt und beeindruckt in jeder Szene.
Alleine beim Kostümbild hätte man vielleicht eine etwas klarere Linie finden können. Klassische Märchenoptik wechselt sich mit Streetwear und Vintage Look ab.
Ein Hoch auf das namenhaft Ensemble!
Es wäre unfair jemanden hervor zu heben. Alle sind großartig und kreieren schräge, schrille, leise, laute und immer zutiefst menschliche Charaktere.
In dieser Inszenierung ist INTO THE WOODS ebenso amüsant-kurzweilige wie doppelbödig-nachdenkliche Unterhaltung.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Solide Neuinszenierung

22.05.2022 - Nachdem wir Dank Corona zwei Absagen hatten, konnten wir nun auch endlich das Stück sehen. Bis aus Ms. Akaber, Elphaba und Fiyero größtenteils in Zweit- und Drittbesetzung, aber das war absolut kein Manko. Man könnte sogar sagen, dass uns Linda Riethoff als Galinda deutlich mehr überzeugt hat, als Valjen und Naidjim.

Das Bühnenbild ist deutlich reduziert, wie auch die Kostüme. Es wirkt aber alles stimmig und z.B. die Idee mit den Regenmänteln war durchaus gelungen. Ebenso Glindas neugestaltetes rosa Kleid. Bei manchen Kostümen, wirkte es leider so, als ob gespart werden musste. Nicht so der Eindruck, den man bei einem Stage Musical, die ja nun um ein Vielfaches teurer sind als die Konkurrenz, haben möchte...

Auch die reduzierte Cast fiel leider bei einigen Ensembleszenen schon sehr auf. Vor allem, wenn zusätzliche Nebenrollen dabei waren. Der Gesang war dadurch teilweise etwas sehr Männerstimmen lastig, was nicht schlimm ist, aber etwas schade. Leider waren die Tanznummern, für das Musical schon irgendwie bekannt ist, deshalb leer und aufgrund der teilweise recht starken Asynchronität der Tänzer nicht so mitreißend. Es hat bis zum zweiten Akt gebraucht bis man richtig im Stück ankam.

Dummerweise hat die Technik ebenso lange gebraucht. Scheinbar alles noch auf nahezu ausverkauften Samstagabend eingestellt. Bei uns waren mit Müh und Not vielleicht 400-500 Leute im Saal. Im ersten Akt war es dadurch so brüllend laut an manchen Stellen, dass man absolut kein Wort vom Text verstehen konnte und auch ganze Passagen verschwanden. Generell scheint es Technikprobleme gegeben zu haben; anfangs fehlten ganze Mikrofone. Die schlechte Ausregelung hatte leider dann auch zur Folge, dass nun gerade Solang ich dich hab zum unfreiwilligen Solo Elphaba wurde. Seltsamerweise wurde danach alles heruntergeregelt und plötzlich verstand man jedes Wort.

Die Show ist absolut empfehlenswert, schon alleine weil das Stück endlich wieder in Deutschland gespielt wird. Allerdings ist zu hoffen, dass die Stage bei zukünftigen Stücken und diesen Preisen zu ihren früheren, bombastischen Inszenierungen zurückkehrt. Diese Inszenierung hätte so auch gut aus Linz oder St. Gallen stammen können. Was nicht negativ gemeint ist, sondern rein objektiv nicht das, was ich erwarte, wenn ich mir dann mal die teuren Stage-Karten gönne.

Cordeliade (4 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Gipfeltreffen im Rockolymp

12.05.2022 - In der deutschsprachigen Erstaufführung der Compilation Show MILLION DOLLAR QUARTET stehen keine Geringeren als Elvis Presley, Johnny Cash, Carl Perkins und Jerry Lee Lewis im Zentrum. Das vorhandene musikalische Material, die Legenden und Geschichten, die sich um die Ikonen ranken, hätte also locker für vier derartige Shows gereicht.
Charmanter und bescheidener Weise beschränkt man sich hier aber auf ein kurzes (aber tatsächliches) Aufeinandertreffen der vier noch sehr jungen Künstler in den 50er Jahren im Aufnahmestudio ihres ehemaligen oder jetzigen Agenten. Ob man jetzt nun jedes Wort auf seinen historischen Wahrheitsgehalt hin überprüfen muss, sei mal dahingestellt. Nichtsdestotrotz: So oder so ähnlich könnte es stattgefunden haben. Die Herren geben eine Reihe von Anekdoten, Reibereien und komödiantischen Einlagen zum Besten. Aber vor allen Dingen wird gerockt. Und das richtig gut, handgemacht und ansteckend.
Musik, Drama und Komödie sind gut austariert und ohne Längen inszeniert.
Andy Lee Lang, Reinwald Kranner, Werner Auer und Toni Matosic sind Vollblutkünstler, die die Bühne und ihr Metier beherrschen. Wenn man sich erst einmal daran gewöhnt hat, dass sie alterstechnisch doch sehr weit neben dem Rollenprofil liegen, kann man im Wiener Metropol einen ausgesprochen unterhaltsamen und gelungenen Abend verbringen.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Tonys Vater

01.05.2022 - Mit SATURDAY NIGHT FEVER hat das Staatstheater Darmstadt einen Riesenhit gelandet. Trotz zusätzlicher Vorstellungen ist die Aufführungsserie mehr oder weniger ausverkauft.

Und das mit Recht. Die Inszenierung von Till Kleine-Möller findet eine gute Balance zwischen engagiertem Sozialdrama und und kultig coolem Disco-Spaß.

In der Hauptrolle agiert Alexander Klaws in allen Belangen souverän. Allerdings muss man attestieren, dass er mit knapp vierzig Jahren Tonys Vater sein könnte und dass man das auch sehen kann.
Aus dem Rest des hochmotivierten Ensembles sticht Beatrice Reece mit Powerstimme und charismatischer Bühnenpräsenz hervor.

Kleine-Möller versteht es virtuos die ausgesprochen hohe Leistungsfähigkeit von Bühnentechnik und Beleuchtung permanent am Laufen zu halten.

Das Kostümbild kann sich in den 70er Jahren natürlich voll austoben. Leider werden mitunter die Grenzen der Authentizität überschritten und man nähert sich einer Parodie. Da wäre weniger etwas mehr gewesen.

Die Choreografie ist schmissig, dynamisch und wird präzise umgesetzt.

Gleiches kann man von der Musik sagen, die in passenden Arrangements druckvoll aus dem Orchestergraben kommt.
Übrigens war auch die Tonabmischung in der von mir besuchten Vorstellung einwandfrei.

SATURDAY NIGHT FEVER ist in der Darmstädter Version dramaturgisch gut durchdacht, rasant und aufwändig umgesetzt und ausgesprochen unterhaltsam.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Eine Inszenierung mit durchaus unterhaltsamen Momenten aber auch mit vielen verschenkten Chancen…!

25.04.2022 - Eine Inszenierung wurde zum Kult: Als sich am 23. Januar 1993 der Vorhang zum ersten Mal für „Der kleine Horrorladen“ im Stadttheater Bremerhaven hob, konnte wohl niemand ahnen, dass dieses Musical ein Publikumsmagnet über zwei Spielzeiten sein und dem Theater ständig ausverkaufte Vorstellungen bescheren würde. In der Regie von Manfred Repp tobten damals Dirk Böhling als Seymour, Harriet Kracht als Audrey sowie die Musical-Ladies Angela Lachnit (auch Choreografie), Bettina Meske und Lynne Williams als Gossen-Supremes über die Bühne. Puppenspieler Friedo Stuck erweckte Audrey II zum Leben, der Jazz-Sänger Emo Phillips seine soulige Stimme lieh. Kay Krause (nach wie vor im Ensemble des Hauses) demonstrierte seine Wandelbarkeit in div. Nebenrollen, und der noch junge und unbekannte Christoph Maria Herbst zeigte als Orin, das schon damals eine Menge Comedy in ihm steckte. Insgesamt 6 Mal pilgerte ich nach Bremerhaven, und es war immer wieder ein Fest…!

Mushniks Blumenladen in der heruntergekommenen Skid-Row läuft schlecht – kaum Kundschaft und dazu noch unfähiges Personal. Handlanger Semour sorgt mit seiner Tapsigkeit für eine Schneise der Verwüstung, und Verkäuferin Audrey versucht erfolglos ihre Blessuren zu verdecken, die ihr ihr sadistischer Zahnarzt-Freund Orin Scivello zufügt. Als dann die drei Straßen-Gören Crystal, Chiffon und Ronette penetrant vor dem Laden herumlungern und auch noch die letzten Kunden verscheuchen, sieht Mr. Mushnik sich gezwungen, den Laden zu schließen. Auf Drängen von Audrey zeigt Seymour ihm eine seltsame Pflanze, die er vor einiger Zeit auf dem Blumengroßmarkt einem alten Chinesen abgekauft hat. Dieses Gewächs wirkt so bizarr abartig, dass Mushnik nicht glaubt, dass sie irgendjemanden in den Laden locken könnte. Doch kaum steht die Pflanze, die Seymor aus Verehrung zu seiner Kollegin „Audrey II“ genannt hat, im Schaufenster, klingelt die Ladenglocke unaufhörlich, und Aufträge über Aufträge trudeln ein. Dummerweise benötigt Audrey II zum Wachsen und Gedeihen einen ganz besonderen Dünger: Blut! Seymour fühlt sich darum nicht nur seit Tagen etwas schwindelig sondern auch reichlich blutleer. Doch je mehr die Pflanze wächst, umso größer wird sein Hunger, bis ihr die paar kläglichen Tropfen aus den Fingern ihres Pflegers nicht mehr genügen. Sie will mehr, viel mehr! Seymour, dem einerseits der Erfolg zu Kopf gestiegen ist und andererseits das Leiden seiner angebeteten Audrey durch den brutalen Orin nicht länger ertragen kann, lässt sich durch die Schmeicheleien der Pflanze zu einer Gräueltat animieren. Nachdem Orin aufgrund eines Defekts seiner Lachgasmaske jämmerlich erstickt ist, zerteilt Seymour ihn in mundgerechte Häppchen für sein unersättliches Gewächs. Doch der Appetit von Audrey II wird dadurch nur kurzfristig gestillt: Sie will nicht nur mehr! Sie will alles…!

„Der kleine Horrorladen“ war diesmal in der Schauspiel-Sparte verortet, und so waren alle Rollen mit Schauspielerinnen und Schauspielern besetzt, die durch 4 Tänzer*innen unterstützt wurden. So gab es rein vom Darstellerischen her auch wenig zu bemängeln: Richard Feist gab einen quirligen Seymour mit enormen Bewegungstalent. Marsha Zimmermann legte ihre Audrey deutlich weniger als dummes Blondchen an und verzichtete wohltuend auf das Lispeln. Frank Auersbachs Mr. Mushnik strotze vor rustikalem Charme. Marlene Jubelius, Sabine Barthelmeß und Juschka Spitzer boten als die drei Gossen-Gören eine solide Leistung. Abräumer des Abends waren allerdings Dominik Lindhorst-Apfelthaler, der sowohl als Orin als auch in div. Nebenrollen komödiantische Kabinett-Stückchen kredenzte, sowie Henning Bäcker, der als personifizierte „Audrey II“, mit diabolischem Blick und im blutroten Anzug gewandet, die Befriedigung seiner perversen Gelüste genüsslich ausspielte.

Dumm nur, dass in einem Musical zwangsläufig gesungen wird – gesungen werden muss, da es sonst die Bezeichnung „Musical“ nicht verdiente. Und hier liegt eine der großen Schwachstellen dieser Produktion: Schauspieler*innen sind nicht zwangsläufig gute Sänger*innen, und eine Sprechpassage wird anders aufgebaut als ein Song. So klangen die Gesangseinlagen nicht nur disharmonisch, weil sie wenig aufeinander abgestimmt waren bzw. ich den Eindruck hatte, dass wenig aufeinander gehört wurde, sondern taten mir manchmal sogar in den Ohren weh. Einzig Henning Bäcker konnte hier auch gesanglich überzeugen. Erschwerend kam hinzu, dass die Songtexte im englischen Original vorgetragen wurden – für mich unverständlich, da es eine wunderbare Übersetzung von Michael Kunze gibt.

Zudem wirkte die Regie von Jörg Steinberg auf mich merkwürdig hektisch: Die Schauspieler*innen agierten wie aufgezogen, mussten manchmal in einem ordentlichen Tempo die Szenen spielen, dass dabei zwangsläufig die Emotionen auf der Strecke blieben, und es mir als Zuschauer schwer fiel, mich mit den Figuren zu identifizieren und mit ihnen mitzufühlen. Leider erschloss sich mir auch nicht, warum der Regisseur gemeinsam mit Dramaturg Peter Hilton Fliegel die vorhandene Textfassung überarbeitete und dieses kurzweilige Trash-Musical mit Passagen aus Shakespears „Macbeth“ bzw. Goethes „Faust“ „anreicherte“. Steinberg hebt die Figuren so auf eine elitäre Ebene. Beinah wirkt es, als wollte er es vermieden, dass die Rollen sich entwickeln können. Vieles erscheint oberflächlich, plakativ und beinah zu clean für mich: die adretten (optisch durchaus ansprechenden) 60er Jahre-Kostüme incl. Frisuren, der ordentlich verteilte Müll auf der Vorderbühne, die glänzenden Mülltonnen ohne Patina. Einige Szenen wirken verwirrend uninsziniert, so als hätte der Regisseur seinen Darsteller*innen zugerufen „Improvisiert mal…!“, so z.Bsp. beim Song „Mushnik and Son“, bei dem die beiden Darsteller hinter den Tänzern und somit aus dem Fokus des Publikums verschwinden.

Apropos Tanz: Andrea Danae Kingston hat an diesem Hause schon einige exzellente Choreografien erstellt, (u.a. in der letzten Spielzeit für das Musical Chicago). Hier wirkten ihre Tanzszenen oft recht uninspiriert (…oder durfte sie nicht mehr zeigen?), die die grandiosen Tänzer eher unterforderten. Auch hier hatte ich häufig den Eindruck von „Improvisiert mal…!“. Dabei gab es durchaus zwei, drei ganz und gar wunderbare Beispiel, wo eine Nummer durchchoreografiert war und Musical-Zauber verbreitete, u.a. bei „Somewhere That’s Green“, wenn Audrey vom kleinen Glück im Grünen träumt und parallel zwei Paare (Alicia Navas Otero, Ting-Yu Tsai, Renan Carvalho und Tanaka Lionel Roki) dies im Tanz umsetzen. Und warum der Regisseur eine Rausschmeißer-Nummer wie „Mean Green Mother From Outer Space“ nicht zum fulminanten Dance-Act kürt, sondern das gesamte Ensemble nur über die Bühne spazieren lässt, um überall kleine Audrey II-Ableger zu verteilen, wird wohl sein Geheimnis bleiben. Apropos Audrey II: Hm! Ach, ich mag auch nicht mehr meckern! Nur so viel: In der alten Fassung war Audrey II deutlich eindrucksvoller.

Last but not least: Die Band unter der Leitung von Jan-Hendrik Ehlers war der absolute Hammer und spielte ebenso perfekt die rockigen Songs mit entsprechendem Druck wie die zarten Töne der Balladen. Toll!

Das Publikum fühlte sich durch die Show hör- und sichtbar gut unterhalten und geizte zum Schluss nicht mit reichlichem Applaus. Auch für mich bot diese Inszenierung durchaus unterhaltsame Momente. Doch Kultstatus, an dem ich mich auch noch in 30 Jahren erinnere, wird sie leider für mich nicht erreichen.

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Die tollkühne Hexe in ihrem fliegenden Bett

26.03.2022 - Der Musical-Klassiker CHICAGO fühlt sich mittlerweile auch in freien Inszenierung der Stadt- und Staatstheater des Landes sehr wohl.
In Bonn hat man das Stück in der Inszenierung von Gil Mehmert richtig groß und bunt aufgeblasen. Obwohl ich die reduzierte schwarz-weiß Optik des Broadway Revivals für genial halte, muss ich aber feststellen: Bravo! Auch so funktioniert und begeistert das Musical.

Die namenhafte Besetzung leistet souveräne bis brillante Arbeit.

Die Choreografie von Jonathan Huor bietet ausreichende Fosse-Elemente und zeigt dennoch eine originelle eigene Handschrift.

Ausstattung und Regie überbieten sich an Kreativität. Dabei entstehen denkwürdige Szenen. Sei es, dass Velma im Opener im sündig schwarzen Bett einfliegt, Klatschreporterin Mary Sunshine zum Mond abhebt oder die unschuldige Hunyak auf einem übergroßen Paragraphenzeichen gekreuzigt und von Uncle Sam erdolcht wird. Da wurde nicht nur richtig groß, sondern auch durchdacht ausgestattet und inszeniert.

Alleine bei der Ausgestaltung der Charaktere hätte man noch gerne mit mehr Übertreibung die Satire herauskitzeln können. So dürfte Anton Zetterholm als Billy Flynn noch schmieriger und gieriger sein, Enrico de Pieri als Amos Hart blasser und hilfloser wirken, Dionne Wudu als Mama Morton sich deutlicher von den Cell Block Girls unterscheiden.
Das kann aber die beste Unterhaltung und das große Vergnügen an dieser gelungenen Produktion kaum schmälern.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Auch in Deutsch sehr sehenswert

26.03.2022 - Ich habe von Miss Saigon bisher die Aufführungen in London und die engl. Tourversion in Köln, Cardiff und Zürich gesehen. Also allesamt Neuinszenierungen. Die alte VErsion kenne ich nicht. Nun durfte ich letztes Wochenende die Show zweimal in Wien ansehen. Erstmals in Deutsch.

Bei mir war doch eine gewisse Skepsis im Bezug auf die Übersetzung da. Darin wurde ich, auch wenn nicht so sehr wie befürchtet, bestätigt. Bei einigen Titeln, z.B. Bui Doi, tönte es in meinen Ohren halt schon etwas holprig.

Das wars dann aber auch schon mit den Kritikpunkten. Bühnenbild ja identisch zur Tour. Das ausgezeichnete Orchester der VBW übertrumpfte die Tourversion noch. Zusammen mit der tollen neuen Soundanlage ein Genuss. Ich sage da nur Hubschrauber. Meinte akustisch wirklich, der fliegt durch den Saal.

Der Cast durchs Band sehr gut und so typgerecht wie es halt der mitteleuropäischen Darstellermarkt hergibt, besetzt. Klar, da muss man etwas Akzent in Kauf nehmen. War aber Alles noch im erträglichen Rahmen. Am Samstag hatte ich Vanessa Heinz. Ich kann nur sagen, für eine Newcomerin absolut top. Am Sonntag Anyrand Ferrer. Sicher, stimmlich wars ganz gut, mir fehlten halt etwas die Emotionen und vom Alter her nehme ich es ihr halt nicht ab. Christian Ray Marbella gab auch in Deutsch, trotz manchmal etwas schwerer Verständlichkeit, den fiesen, schleimigen Engineer, Den ich so liebe. Leon de Graaf am Sontag war etwas besser verständlich, dafür war er im Rollenspiel doch etwas hinter Christian zurück. Da merkt man einfach die Routine. Bei Oede Kuipers war ich aufgrund der Berichte im Forum etwas Skeptisch. Hörte ihn ja auch zum ersten Mal. Ich fand in aber ganz gut. Klar, für einen echten GI fehlen halt doch etwas Muskeln. An den restlichen Hauptrollen mit Abla Alaoui, Ginno Emnes und Annemarie Lauretta gibt es nichts auszusetzen. Besonders gefallen hat mir James Park als Thuy.

Alles in Allem wieder ein toller Theaterabend, bezw. -nachmittag nach 2 Jahren Schonkost in diesem Bereich. Am Ende der Vorstellungen wurde auch noch durch einige Ensembledarsteller an den Ausgängen für die Ukrainehilfe der Caritas und Nachbar in Not gesammelt.

nummelin3 (25 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Nicht so toll erwartet

26.03.2022 - Ich kannte Cats eigentlich nur aus einer englischen Tourproduktion 2019 in Zürich. Und Cats gehört sicher nicht zu meinen Top Ten Musical, was die Musik angeht. Daher fand ich es in Zürich nett, mehr aber nicht.
Nun war ich für Miss Saigon eh in Wien und nahm Cats, sozusagen als Beifang, in mein Programm. Und ich bereue es nicht.
Toll das Bühnenbild, das sich bis in den Saal hineinzog. Toll ausgeleuchtet. Das gewohnt umfangreiche, perfekt aufspielende VBW-Orchester. Besonders angetan war ich auch von den Choreographien in den Ensemblenummern.
Die Besetzung lässt keine Wünsche offen. Aufgrund fehlender Vergleichsmöglichkeit möchte ich auch nicht nicht zu sehr ins Detail gehen. Als Grizabella hatte ich Carin Filipcic (man sehe mir die fehlenden Buchstabenergänzungen nach). Wunderbares Spiel und tolle Stimme. Florian Fetterle gab einen tollen Gus. Auch erwähneswert Mungojerrie&Rumpelteazer von Jan-Eike Majert und Anna Carina Buchegger mit tollem Tanz und Akrobatik.
Der fehlende Stern ist eigentlich nur meiner subjektiven Einschätzung, dass ich Cats musikalisch nicht so mag, geschuldet.

nummelin3 (25 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Solide Inszenierung, die oberflächlich bleibt.

26.03.2022 - Solide Inszenierung des Klassikers, die allerdings an vielen Stellen mehr Tempo und Dynamik vertragen hätte können. Der erste Akt mit ca. 1.40 ist dann doch arg lang und hätte mit schnelleren "Umbauten/Szenenwechseln" sowie geschickten Schnitten leicht 10 Minuten weniger ermöglicht.
Leider gelingt es dem Regisseur auch nicht, mehr in die Tiefe zu gehen. So richtig berührt diese Inszenierung nur in den lustigen Momenten.

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Bedrückende Aktualität trifft auf Bombast der 90er

25.03.2022 - Niemand hätte ahnen können das man im Jahr 2022 nach diversen pandemiebedingten Verschiebungen einmal mit Masken im Theater sitzt und eine Show am Rande eines Krieges sieht und sich fast 1:1 vorstellen kann wie es gerade Millionen unweit von Wien geht.

Diese bedrückende Aktualität von Hass, Krieg, Bomben und Schicksalen von Menschen macht demütig.

Nach Showbesuchen der ersten deutschen Aufführungsserie (in der alten Inszenierung) in Stuttgart, Besuchen in London, Köln (engl. Version) konnte ich mir nun endlich auch ein Bild der VBW Produktion machen.

Im Grunde ist es eine detailgetreue Kopie der letzten Tourversion mit einem beeindruckenden Set, gewaltigen Massenszenen (die übrigens im neuen Raimundtheater aus dem Rang viel besser wirkten) und der wunderbaren Musik von Boublil/Schönberg.

Ich hatte bei meinen Showbesuchen das Glück einmal Fist-Cast zu erleben und einmal die Cover von Kim/Chris. Und was soll ich sagen. Vanessa Heinz ist eine tolle Kim und bestimmt die Entdeckung der Produktion. Auch Oedo Kuipers singt fantastisch berührte mich aber wie zuvor in "Mozart" nur bedingt.

Ganz im Gegensatz zum Cover Thijs Snoek. Da steht ein Mann, ein Kerl, der singt um sein Leben/seine Liebe und harmonierte mit einer fantastisch singenden Aynrand Ferrer das es einen in den Sitz drückt. Großartig.

Christan Rey Marbella ist der "Engineer" und kennt die Rolle aus dem FF. Seine Phonetik war am 2. Abend noch besser und sein Spiel ist so pointiert und stark. Auch die Nebenrollen sind stark besetzt und singen sehr gut.

Ich kann es bis heute nicht nachvollziehen, was das Kreativteam geritten hat den wunderbaren Song von Ellen im 2. Akt gegen dieses an Egoismus und völlig harmlose "Möglich" auszutauschen. Nach der 3. Wiederholung in immer weiteren Höhen ging mir der Song noch mehr auf die Nerven als im englischen Original. Ich vermisse das "Ich kam und sah sie...". Es zeigte eine andere Ellen meiner Ansicht nach. Aber so ist es halt.

Alles in allem hat es sich gelohnt die Reise nach Wien nun endlich nachzuholen und die Show auf deutsch zu erleben. Dazu der Bombast der Ausstattung und das geniale Orchester der VBW.

Die neuen Texte sind wirklich beim 1. Hören sehr anders und ich hatte auch in den ersten Minuten große Mühe mich vom Text der deutschen CD aus Stuttgart zu lösen. Mit der Zeit legte sich das und beim 2. Showbesuch fand ich den Text im Grunde richtig gut. Anders aber gut.

Mir persönlich hat die Sicht aus dem 1. Akt insb. in den grandiosen Massenszenen viel besser gefallen als aus dem Parkett. Aber das nur am Rande. Man sitzt ja im Raimund auch im 1. Rang so nah zur Bühne.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Begeisternder Besuch auf der wohl berühmtesten "Müllhalde" der Theatergeschichte

24.03.2022 - Fast 20 Jahre war mein letzter Cats Besuch her und nach pandemiebedingten mehrmaligen Absagen und Verschiebungen hat nun endlich der Besuch im Ronacher geklappt.

Was soll ich sagen: Grandios

Was die Cast aus Newcomern und bekannten Darstellern leistet ist unglaublich. Die Show wurde behutsam etwas aufgefrischt, was aber kaum ins Gewicht fällt. Die Spielfreude des Ensembles und der im Ronacher diesmal ausgezeichnete Ton sorgen für Jubel und Beifall.

Man will fast niemanden besonders hervorheben aber Lucius Wolter als Munkustrap war stark. Diese Stimme und die Präsenz waren ebenso ein Genuss wie Ana Milva Gomes als Grizzabella und Dominic Hees als Tugger. Florian Fetterle als Gus berührte mit seinem pointierten Spiel als alter Kater.

Alles in allem eine tolle Show, eine schöne Erinnerung an alte Zeiten und einfach unterhaltsam.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Überragende Cast

22.03.2022 - Alles in allem hatten wir einen sehr schönen Abend als Familie mit viel Disney Magie und einer überragenden Cast.
Die Eiskönigin ist eine Show für Familien leider trüben die extrem hohen Kosten der Karten den Abend etwas. Auch der Sound in den Ensemble Szenen könnte etwas besser abgemischt sein.
Das Bühnenbild finde ich ist sehr gelungen auch die Effekte zünden sehr gut. Bei Lass jetzt los wusste man gar nicht wo man zuerst hinschauen soll.
Wir hatten das Glück eine hervorragende Cast sehen zu dürfen.
Drei Personen möchte ich gerne herausheben:
Sabrina Weckerlin als Elsa war überragend, vor allem gesanglich eine Wucht.
Willemijn Maandag als Anna hat gesanglich und schauspielerisch alles aus der Rolle raus geholt.
Elindo Avastia war grandios als Olaf mehr geht in dieser Rolle nicht.
Die Eiskönigin ist eine Show für Groß und Klein, wir hatten einen tollen Familienabend!

Musicalfan86 (39 Bewertungen, ∅ 4.5 Sterne)

Gelungene Tour-Version mit starker Cast

08.03.2022 - Nach Showbesuchen in London und Berlin hatte ich nun die Chance mir die Tour-Version von Ghost anzusehen. Und was soll ich sagen - die Inszenierung funktioniert auch mit kleinem Ensemble ganz wunderbar und berührt in den entscheidenden Momenten.

BÜHNENBILD

Das Bühnenbild besteht aus matt-schwarzen Kacheln die durch verschiebbare Panele immer neue Räume entstehen lassen.

Geschickt eingesetzte LED-Kanten in den einzelnen Ebenen schaffen tolle Effekte und Stimmungen. So wird Sam's Kampf mit den Türen visuell und akustisch dargestellt und auch der fallende Regen eindrucksvoll angedeutet. Wenige aber gut eingesetzte Requisiten ergänzen das Set.

INSZENIERUNG

Die Inszenierung ist flüssig und gerät nur zum Ende des ersten Aktes vor dem Finale etwas ins stocken, was auch mit dem begrenzten musikalischen Material zu tun hat. Die Liebesgeschichte wird gut aber weniger kitschig dargestellt als in vergangenen Inszenierungen. Dennoch nimmt man Sam und Molly ihre Liebe ab und leidet mit ihr mit. Carl hat es nun nicht mehr auf ein Notizbuch abgesehen sondern auf das Smartphone von Sam. Das mag zeitgemäß sein, macht aber nur Sinn wenn der Akku hält. Aber gut. In der technischen Welt der Hochfinanz eine behutsame Aktualisierung. Die Hauptcharaktere harmonieren ganz wunderbar auf der Bühne und spielen stark. Insb. auch die Konflikte sind gut herausgearbeitet ohne allzu hektisch zu wirken. Der 2. Akt ist dichter erzählt und es geht ohne Längen zum spannenden wie berührenden Finale.

CAST

Charles Kreische ist für mich die Überraschung des Abends. Eine starke Stimme, eine Präsenz in fast allen Szenen und ein geniales Zusammenspiel mit Carl, Molly und Oda Mae. Gerade der komödiantische Teil in der Bank lässt die Tragik der Szenerie etwas vergessen. Katrin Merkl als Molly singt wunderbar und zeigt ihre Gefühle nach Sam's Tod eindrucksvoll. Carl wird von Kim David Hammann gegeben und mimt den hinterlistigen "Freund" mit einem einnehmenden Wesen und ebenso starker Stimme in den Solo-Szenen der Songs.
Amani Robinson konnte im Laufe des Abends hin an Profil gewinnen. Auch hier ist der 2. Song im 2. Akt der bessere und lässt die Hütte beben.

SONSTIGES

Hervorzuheben ist die ausgezeichnete Aussteuerung der Show. Ich habe selten eine Tour-Show besucht in der ein professionelles Playback (MG-Studios Wien) so genial auf die Stimmen der cast abgestimmt war. Die Textverständlichkeit war ausgezeichnet. Keine Übersteuerung, keine summenden Ohren und dennoch die richtige Balance. Großes Lob an die Einrichtung dieses Sounddesigns.

FAZIT

Nach vielen Jahren hat sich der Besuch der Show mehr als gelohnt. Die eher intime Version besticht durch ein durchdachtes Design (einfach aber effektvoll) und mit einer starken Cast, tollen Stimmen und einer berührenden Story.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Gipfeltreffen der Diven

01.03.2022 - Das Stück von Daniel Große Boymann und Thomas Kahry ist inzwischen zu einem gerne gespielten Musical auf den deutschsprachigen Bühnen geworden.

Die geheimnisumwitterte Freundschaft/Bekanntschaft zwischen Marlene Dietrich und Edith Piaf dürfte sich zwar überwiegend im fiktionalen Bereich bewegen, hat aber nichtsdestotrotz ein großes dramaturgisches Spannungspotenzial, von der hohen Qualität des genutzten Liedgutes ganz zu schweigen.

Jede Inszenierung dieses (fast) Zwei-Personen-Stückes steht und fällt natürlich mit der sicher nicht einfachen Besetzung der Hauptrollen.
Antje Rietz und Tina Podstsawa haben stimmlich nur bedingte Ähnlichkeit mit den Originalen. Was aber sehr schnell belanglos wird. Beide interpretieren die weltberühmten Lieder auf ihre eigene Art mit einer gelungenen Reminiszenz an die zeitlosen Vorbilder.
Schauspielerisch laufen beide zu Höchstform auf. Sehr differenziert und fein, bis aufbrausend und drastisch werden die grundverschiedenen Frauen dargestellt.
Spätestens wenn Antje Rietz (als Dietrich) mit unbeugsamer Haltung und Würde, aber mit tiefer Desillusion und Tränen in den Augen "Sag mir wo die Blumen sind" singt, erreicht das Stück seinen zupackenden emotionalen Höhepunkt.
Das sinnvolle Bühnenbild und die passenden (und im Fall von Marlene Dietrich prächtigen) Kostüme sorgen für ein perfektes Kolorit von Zeit und Ort.

SPATZ UND ENGEL in der Inszenierung von Frank-Lorenz Engel an der Komödie im Marquard Stuttgart ist emotionales, subtiles, intelligentes Theater auf höchstem schauspielerischen Niveau.
Sehenswert und absolut großartig!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Inszenatorisch gescheitert

02.02.2022 - Man könnte eine ganze Dissertation über diese in weiten Teilen gescheiterte Inszenierung schreiben.
Aber machen wir es kurz.
Das Grundübel ist eine Besetzungspolitik, die auf Teufel komm raus gegen den Strich besetzt hat.
Die Hauptcharaktere, die insbesondere durch die grandiose Filmvorlage und ihre genialen Darsteller geprägt wurden, sind kaum wiederzuerkennen, wenig sympathisch und noch weniger glaubwürdig.
Zodwa Selele (singt wie alle großartig) kann nicht als strenge, britische Sopranistin Victoria überzeugen. Noch viel weniger glaubt man ihr den androgynen polnischen Travestie-Darsteller Victor. Ein vollkommen uninspiriertes Kostümbild macht die Sache nur noch schlimmer.
Michael Dahmen ist viel zu jung, um ihren väterlichen Mentor Toddy glaubhaft zu machen.
Auch Henner Momann wirkt als Gangsterboss King Marchan viel zu jungenhaft und unsicher.
Beatrice Reece als Norma ist nicht mehr das intelligent gestaltete Klischeebild einer oberflächlichen Blondine, sondern eine walkürenhafte Dampfwalze, die alles platt macht.
Diese fehlerhafte Ausgestaltung der Protagonisten potenziert sich dann natürlich noch in den unterschiedlichen Paarkonstellationen und mach diese vollkommen unglaubwürdig.
Wie gesagt singen alle Darsteller großartig und spielen engagiert. Das Problem scheint mir in der Besetzungspolitik und der inszenatorischen Herangehensweise zu liegen.
Auch der Versuch mit platten, teilweise vulgären Gags den Humorfaktor des Stückes anzuheben verpufft in teilweise peinlichen Momenten.

Das Kostümbild will scheinbar überhaupt nicht das charmante und pittoreske Ambiente des Paris der 1930er Jahre wiedergeben, sondern vergaloppiert sich wirr in sämtlichen Jahrzehnten.

Die Choreografie ist dezent und unauffällig. Was für das Thema nicht von Vorteil ist.

Auf der Habenseite stehen die Gesangsnummern der Künstler, die zu den losgelösten Höhepunkten des Abends werden, das Philharmonische Staatsorchester Mainz, das die Partitur opulent, swingend und jazzig zum Besten gibt und ein stimmungsvolles, prächtiges Lichtdesign.

Unter dem Strich wäre aber insgesamt sehr viel mehr möglich gewesen.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Wer hörens- und sehenswertes Musiktheater erleben möchte, der MUSS nach Bremerhaven...!

29.01.2022 - Bei der Schachweltmeisterschaft in Merano kämpft der amtierende Weltmeister der Amerikaner Frederick Trumper gegen den Russen Anatoly Sergievsky um die Schachkrone. Begleitet wird Trumper von seiner Managerin und Partnerin Florence Vassy, die im Budapester Aufstand von 1956 ihren Vater verloren und so ein ambivalentes Verhältnis zum russischen Regime hat. Trotzdem kommen sie und Sergievsky sich näher, als sie versucht – nachdem Trumper das Turnier wütend verlassen und somit einen Skandal ausgelöst hat – die Wogen zu glätten. Am nächsten Tag wird das Turnier unter dem strengen Blick des Schiedsrichters fortgesetzt, aus dem Anatoly Sergievsky als Sieger hervorgeht. Trotz strengster Überwachung durch Alexander Molokow, dem Chef der russischen Delegation, kann er die Gunst der Stunde nutzen und in den Westen überlaufen, um dort mit Vassy zu leben. Ein Jahr später muss Sergievsky sich in Bangkok einem neuen sowjetischen Herausforderer stellen. Dabei trifft er zwangsläufig auf bekannte Gesichter. Trumper arbeitet mittlerweile als TV-Kommentator, der ihn während eines Interviews mit provakanten Fragen aus der Reserve lockt. Auch Molokov ist vor Ort und scheut keine Mittel, um Anatoly Sergievsky zu einer Niederlage zu bewegen. Dabei manipuliert er hemmungslos die Mitmenschen, als würde er Schachfiguren über ein Spielfeld schieben. So lockt er Vassy mit dem Versprechen, ihren verschollenen Vater wiederzusehen, und lässt Sergievskys Ehefrau Svetlana nach Bangkok einfliegen, um sie und die gemeinsamen Kinder als Druckmittel einzusetzen. Anatoly Sergievsky trifft seine Entscheidungen: Er gewinnt abermals das Turnier, verlässt aber Vassy, um mit seiner Frau nach Russland zurückzukehren.

Nobody’s Side, Pity The Child, Heaven Help My Heard, Anthem, Someone Else’s Story, I Know Hím So Well und natürlich das vielleicht bekannteste Stück One Night in Bangkok, dazu grandiose Chorpartien wie Merano und Hymn To Chess: An der exzellenten Musik lag es nie, warum dieses Musical eher selten gespielt wurde. Vielmehr lag das „Problem“ eher im etwas sperrigen Buch begründet, in dem manche Handlungsstränge unmotiviert und die Beweggründe der Personen wenig nachvollziehbar schienen. Doch Benny Andersson und Björn Ulvaeus waren sich nie zu schade, auf ihre Werke einen kritischen Blick zu werfen, um sie dann nochmals zu überarbeiten. So machte auch CHESS einige Veränderungen durch: Songs wurden umgestellt, flogen komplett aus der Show, oder wurden neu hinzugefügt. Die Handlung wurde gestrafft, und statt den Schwerpunkt auf die Politik-Parabel mit Ost-West-Konflikt zu belassen, lenkten sie den Fokus mehr auf die (zwischen)menschlichen Komponenten. Alle diese Maßnahmen haben dem Werk durchaus gutgetan, trotzdem bedarf es ein schlüssiges Regie-Konzept, um CHESS aus dem anfänglichen Korsett eines Konzept-Albums zu lösen.

Unter der neuen Intendanz von Lars Tietje gönnt sich das Stadttheater Bremerhaven genau diesen „Luxus“ und geht eine Kooperation mit dem Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin ein, wo diese Inszenierung in der letzten Spielzeit Premiere hatte und leider nach nur wenigen Vorstellungen dem Lockdown zum Opfer fiel. „Never change a winning team!“ wird sich Tietje vielleicht gedacht haben und lockte gemeinsam mit dem Produktions-Team auch zwei der Hauptdarsteller in die Seestadt an der Weser. Musical-Magier Andreas Gergen schafft mit seinem Team ein so stimmiges Konzept, bei dem die einzelnen Teile aus Regie, Choreografie, Bühne, Kostüme und Video-Projektionen zusammen mit den heimischen Kräften nahtlos ineinander übergehen und so ein perfektes Ganzes bilden. Dabei liefert Gergen dem Publikum durchaus die große Show, setzt aber ebenso wichtige Akzente im Schauspiel: Durch kleine Gesten oder nur einem Blick bis zum großen dramatischen Ausbruch wird so das Handeln der Protagonist*innen für die Zuschauer nachvollziehbar gemacht. Dies gelingt natürlich nur, da ihm talentierte Darsteller*innen zur Verfügung stehen.

Femke Soetenga (Florence Vassy) und Marc Clear (Anatoly Sergievsky) wiederholen ihre Parts aus Schwerin und sind ein eingespieltes Team ohne routiniert zu wirken. Soetenga gestaltet ihren Part zwischen Selbstbewusstsein und Selbstzweifel sehr geschmackvoll. Glücklicherweise hat sie viel zu singen, so kamen wir oft in den Genuss, ihrer wunderschönen Stimme lauschen zu dürfen. Marc Clears Sergievsky ist alles andere als der unterkühlte Stratege. Vielmehr porträtiert er Sergievsky als mitfühlenden Charakter mit einer empfindsamen russischen Seele, was er auch gesanglich famos auszudrücken versteht. Tobias Bieri gibt den Frederick Trumper mit überheblicher Arroganz – ein Jungspund, der unter der scheinbar makellosen Oberfläche seine Narben verbirgt: Bei Pity The Child sorgt er mit seiner fulminanten Pop-Stimme für Gänsehaut.

Sowohl optisch wie auch stimmlich scheint Ulrich Burdack der Vorzeige-Molokow zu sein. Er strahlt – trotz scheinbar äußerer Ruhe – eine enorme Gefährlichkeit aus. Zudem verfügt er über einen vollen, flexiblen Bass, den er mal voluminös, mal verführerisch-lockend zum Klingen bringt. Patrizia Häusermann (Svetlana) gelingt das Kunststück, eine Nebenrolle durch Spiel und Gesang aufzuwerten. Sie harmoniert ganz wunderbar mit Soetenga bei I Know Hím So Well. Mit Someone Else’s Story zeigt sie ihr Können als klassisch-geschulte Liedsängerin und kann mit ihrer sensiblen Interpretation berühren. Svetlana ist für mich in diesem Musical die einzig wahre tragische Figur, da ihr eine Wahlmöglichkeit verwehrt bleibt: Alle anderen Protagonist*innen können für sich selbst entscheiden. Sie ist – vom Ehemann im Stich gelassen – einem Regime ausgeliefert, das droht, ihr die Kinder zu nehmen. Häusermann lässt mit nuanciertem Spiel ihre Rolle mit Würde trauern, ohne eine innere Stärke vermissen zu lassen.

Da wir nun schon zum zweiten Mal diesem musikalischen Schachturnier beiwohnten, hatten wir das Glück, zwei unterschiedliche Sänger in der Rolle des Schiedsrichters sehen zu dürfen. Während MacKenzie Gallinger (19.11.) eher der ruhende Pol im Spiel war, der beständig die Fäden in der Hand behielt, gestaltete Benjamin-Edouard Savoie (23.01.) den Part deutlich exaltierter und amüsierte mit beinah „monk“schen Allüren.

CHESS braucht einen voluminösen Chor! CHESS bekommt ihn: Unter der versierten Leitung von Chordirektor Mario Orlando El Fakih Hernandez bringen die Damen und Herren die Hymnen überwältigend zu Gehör und gefallen ebenso in mancher kleinen Nebenrolle. Unterstützung erhalten die Solisten zusätzlich durch ein variables Pop-Trio, das sie in ihren Solis stimmstark begleitet. Das Philharmonische Orchester unter der Leitung von Davide Perniceni bzw. Tonio Shiga musiziert absolut auf dem Punkt und meistert gekonnt den Spagat zwischen Pop, Rock und Symphonie. Apropos Spagat: Das ich ein Fan der Ballettcompagnie des Stadttheaters Bremerhavens bin, habe ich schon mehrfach betont, und auch in diesem Fall wurde ich nicht enttäuscht: Ob als kecke Trachtengruppe, als lebensgroße Schachfiguren oder als Bangkoks Liebesdiener*innen – die Tänzer*innen beherrschen ihre Kunst zwischen Sinnlichkeit, Ästhetik und Athletik perfekt.

Wer großartiges Musik-Theater abseits der großen Metropolen sehen möchte, der MUSS sich auf den Weg nach Bremerhaven machen!

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Kurzweilig, witzig, unterhaltsam.

20.01.2022 - Ein spielfreudiger Cast, nette Musik, ein clever genutztes Bühnenbild und eine schwungvolle Inszenierung sorgen für einen kurzweiligen und witzigen Abend.

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

So geht Musical

20.01.2022 - Eine berührende Inszenierung mit einer starken Besetzung. Das Landestheater Linz landet mit "Wie im Himmel" einen erneuten Volltreffer.
Chapeau vor dieser Produktion und den berührenden Leistungen der Darsteller.

RobMartin (3 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Muss man gesehen haben

20.01.2022 - Entweder liebt man es, oder man kann nichts damit anfangen. Dem Regisseur Paul Stebbings gelingt der delikate Tanz auf dem Seil, zwischen britischem Slapstick Humor und berührendem Drama.
Wo im ersten Akt noch eine Pointe die nächste jagt, überrascht der zweite plötzlich mit Ehrlichkeit und den wichtigen Fragen des Lebens.
Die rockig/poppige Musik von Christian Auer liefer einen frischen Score und einige Ohrwürmer. Wenngleich es zuweilen seltsam ist, dass Tile des Stückes auf Deutsch und andere auf Englisch sind. Aber dies ist vielleicht der Symbiose der American Drama Group Europe mit dem Deutschen Theater zu verdanken.

Es gibt dramaturgische Schwächen, doch die brilliante Cast täuscht darüber mit unglaublicher Spielfreude und körperlicher Hingabe hinweg. Die Namensliste der Mitwirkenden ist mit nur 5 Schauspielern sehr übersichtlich, und daher steht und fällt das Stück mit diesen Leuten.
In diesem Fall war es ein absoluter Volltreffer. Navina Heyne gibt eine tolle Elizabeth und kann stimmlich all ihre Facetten zeigen. Gareth Davies weiß mit seinem grandiosen Comedy Timing und Gespür für das Komische zu überzeugen. Thomas Borchert zeigt was für ein Schauspieler in ihm steckt, und gibt eine eindrucksvolle Interpretation des Monsters. Nach all seinen dramatischen Rollen ist es eine erfrischende Abwechslung ihn in einem ganz neuen Rollenfach zu sehen.
Und zuletzt Peter Lewys Preston als titelgebenden Helden der Geschichte. Dieser Mann spielt in seiner eigenen Liga. Man glaubt ihm jedes Wort in jedem Augenblick. Sei es in perfekt getimten Comedy Momenten, oder aber den dramatischen Szenen, die einen die Verzweiflung mitfühlen lassen. Er lässt einen regelrecht mitfühlen. Ein grandioser Schauspieler und ebenso begnadeter Sänger.

Dieses Stück und vor allem seine Cast sind etwas Besonderes.
Ein Must See.

RobMartin (3 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Überragende Cast

16.01.2022 - Wir hatten das Glück das Stück am 15.01. trotz hoher Inzidenzen mit ausverkauftem Haus zu sehen. Pandemiebedingt fielen gleich drei Nebenrollendarsteller aus, die allerdings brilliant aufgeteilt bzw. vom Haustenor aus dem Off eingesungen wurden, während der Regieassistent selber spielte. Hätte man uns das nicht vorher gesagt, wäre es keinem aufgefallen, so gut eingespielt war die gesamte Cast.

Bieri, Soetenga und Clear brillierten als Protagnisten mit absolut genialer Chemie. Burdarck und Gallinger waren erstaunlich gut in ihren Szenen; das hatten wir absolut nicht erwartet. Ebenso überzeugte Hutek mit wunderschöner, warmer Stimme. Sogar sein Akzent wurde mit beiläufigem Kommentar, dass sein Charakter Überläufer sei, schlau erklärt. Auch die weiblichen Mitglieder des Popchors waren unerwartet gut und harmonierten wunderbar mit den Stimmen der Protagonisten. Einzig Häusermann passte nicht recht hinein in den Klang.

Abgesehen von den Soli, überraschte uns auch der Opernchor. Nachdem wir schon einige Bremerhavener Musicals gesehen haben, hatten wir uns schon darauf eingestellt, dass die Chorpassagen wieder unverständlich und statisch werden würden. Das Gegenteil war der Fall. Selbst im schnellen Sprechgesang war nahezu der gesamte Text deutlich. Auch die Stimmen der Sänger:innen waren wunderbar mobil und nicht, wie etwa bei Dracula, die ganze Zeit etwas zu langsam und unpassend. Wirklich erstaunlich.

Das minimalistische Bühnenbild sorgte dafür, dass man sich sehr viel mehr auf die Beziehungen zwischen den Protagonisten konzentrierte als das Drumherum. Auch die Tänzer wirkten eher wie eine Extension des Bühnenbilds als eigene Elemente. Wirklich toll gelöst! Das Orchester rundete mit seinem homogene Klang den Abend ab.

Es ist wirklich zu hoffen, dass die anderen Termine auch noch stattfinden können. Dass man Chess live, vor allem im Nordwesten, und in dieser Qualität mit großen Namen wie Clear oder Soetenga sehen kann, ist ja doch eher sehr selten. Es lohnt sich tatsächlich und das Theater beweist, dass man auch zu humanen Preisen tolle Produktionen ableisten kann.

Cordeliade (4 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Berührende Neuauflage mit guten neuen Ansätzen

08.01.2022 - 15 Jahre nach WICKED in Stuttgart ergab es sich eher spontan WICKED in Hamburg zu sehen und ich habe es nicht bereut.

Dank mittiger Plätze im hinteren Parkett ein genialer Blick auf das neue und beeindruckende Bühnenbild. Was da entsteht überzeugt voll und ganz. Wirklich vermisst habe ich nichts.

Auch die zunächst belächelten Kostüme waren für mich völlig in Ordnung passen Sie doch in diese Welt die ein wenig an Metropolis und Co. erinnert.

Zur Cast kann man nur sage: WOW. Die 3 Hauptdarsteller (Lois van de Ven als Elphaba) und ansonsten die Hauptcast waren einfach stark. Was für Stimmen. Welch gute Phonetik und Textverständlichkeit. Klasse.

Auch die neuen Arrangements und Orchestrierung ist toll und würde die gern noch mal hören.

Die Geschichte ist in Teilen etwas ruhiger und dadurch verständlicher erzählt und riss das Publikum in der zu 2/3 gefüllten Flora zu Begeisterungsstürmen hin. Weiter so!

RAIMUND (5 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Es geht also doch!

08.01.2022 - Meine Begeisterung für die Musical Produktionen des ETF hat in den letzten Jahren deutlich gelitten. Es war weniger die Qualität der Inszenierung, sondern vielmehr die Auswahl der Stücke, die das grundsätzliche Problem darstellte. Die technischen und finanziellen Möglichkeiten in diesem kleinen (aber feinen) Haus haben ihre Grenzen. Kammerspielartige Miniaturversionen von SATURDAY NIGHT FEVER, SWEENEY TODD oder JEKKYL & HYDE haben mich enttäuscht.
Insofern waren meine Erwartungen an YOUNG FRANKENSTEIN gering.

Trotzdem wurde ich von dem Ergebnis nun ausgesprochen positiv überrascht.
Die Ausstattung hat sich selbst übertroffen. Das Bühnenbild ist wandelbar, detailliert, stimmungsvoll und lässt sogar noch ausreichend Platz für eine temperamentvolle Choreografie.
Eine große Anzahl passender Kostüme und ein atmosphärisches Lichtdesign vervollständigen den stimmigen optischen Eindruck.
Die Regie nimmt leichte Veränderungen vor (so ist z.B. die ursprüngliche Eröffnungsnummer gestrichen), schlägt ein hohes Tempo an und hält das Stück permanent und ohne Längen am Laufen.

Die Besetzung ist eine Offenbarung und rundum in allen Belangen großartig. Große Spielfreude, wunderbare Stimmen und treffsicheres Comedy Timing sorgen für beste Unterhaltung. (Vorausgesetzt natürlich, dass man für den mitunter etwas brachialen Mel Brooks Humor zugänglich ist.)
Einziger Wermutstropfen ist die musikalische Umsetzung. Brooks schmissiger, jazziger Broadway- und Bigbandsound der Komposition lässt sich von fünf Musikern nur mit Abstrichen widergeben.
Der kurzweilige Spass und die Freude am albernen Entertainment überwiegen.
Ein Hoch auf den großartigen Cast!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Passend zur Jahreszeit

28.12.2021 - DIE WEIHNACHSTSFEIER ist eine handfeste Komödie mit jeder Menge Compilation-Musik. Durch den kaum vorhandenen Handlungsfaden würde ich es weniger als Musical bezeichnen.

Zwei befeindete Mitarbeiterinnen einer Spedition zicken und zoffen bei der gemeinsamen Vorbereitung der betrieblichen Weihnachtsfeier. Das war es auch schon.
Buch, Text und Inszenierung von Ingmar Otto geraten dabei schon einmal ins Stottern.
Die Rettung naht dann in Form der beiden großartigen Darstellerinnen Maike Katrin Merkel und Maja Sikora.
Mit jeder Menge Stimmpower und Spielfreude rocken sie das einaktige Zweipersonen-Stück. Der Spaß und das Tempo sind immer am größten, wenn gesungen wird. Dabei hat das Repertoire einen irrwitzigen Spannbogen und reicht von klassischen Weihnachtsliedern über Rammstein bis Rolf Zuckowski.

Unterm Strich ist DIE WEIHNACHSTSFEIER ein recht kurzweiliger Spaß, den man gesehen haben kann, aber nicht muß.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Tolle Unterhaltung

17.12.2021 - Die Vorstellung hat wirklich Spaß gemacht. Hätte nicht gedacht, dass mir diese stereotyp Parade so gut gefällt. Das klingt erst mal negativ, die Show rattert immerhin ohne Pause über die nicht ausgearbeiteten Charaktere drüber. Das ist in dem Fall auch gut so und unterhält bestens.

Für mich das visuelle Highlight, die funkelnde Höhle. Ansonsten finde ich das Bühnenbild eher enttäuschend und das Lichdesign verdeckt die grundsätzliche Einfachheit.
Die Flugteppich Szene fand ich in der Disneyland Anaheim Version visuell deutlich eindrucksvoller, auch wenn diese in Stuttgart schön anzusehen ist.

Maximilian Mann ist als Genie großartig besetzt. Der Genie rettet vor allen Dingen die Show, da durch in klar ist, das Stück ist einfach da zur Unterhaltung. Nichts anderes. Und die Unterhaltung wird in Stuttgart durchweg sehr gut und sehenswert geliefert.

Tolle Unterhaltung

17.12.2021 - Die Vorstellung hat wirklich Spaß gemacht. Hätte nicht gedacht, dass mir diese stereotyp Parade so gut gefällt. Das klingt erst mal negativ, die Show rattert immerhin ohne Pause über die nicht ausgearbeiteten Charaktere drüber. Das ist in dem Fall auch gut so und unterhält bestens.

Für mich das visuelle Highlight, die funkelnde Höhle. Ansonsten finde ich das Bühnenbild eher enttäuschend und das Lichdesign verdeckt die grundsätzliche Einfachheit.
Die Flugteppich Szene fand ich in der Disneyland Anaheim Version visuell deutlich eindrucksvoller, auch wenn diese in Stuttgart schön anzusehen ist.

Maximilian Mann ist als Genie großartig besetzt. Der Genie rettet vor allen Dingen die Show, da durch in klar ist, das Stück ist einfach da zur Unterhaltung. Nichts anderes. Und die Unterhaltung wird in Stuttgart durchweg sehr gut und sehenswert geliefert.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Ku’damm 56-

07.12.2021 - Ich habe am letzten Sonntag die Vorstellung von Ku’damm 56 gesehen.Ich war mehr als entsetzt,man ist von Stage-Entertainment eine andere Qualität gewohnt.Es hätte dem Stück gut getan,sich eine Geschichte heraus zusuchen.Das Bühnenbild kam mir eher so als wäre es die Deko einer Probebühne,die Regie hat sich verzettelt und man merkt das die Show nicht sauber gearbeitet ist,und eher mit der heissen Nadel.Während die Eiskönigin eine Kulissenschlacht ist,und nur 2,5 h Spieldauer hat,zieht sich Ku’damm 56 wie Kaugummmi.Die Darsteller singen gut,aber das Gesamte kommt über eine 4- bei mir nicht hinaus,allein schon das man ehnlich hohe Preise für Ku’damm 56 bezahlt wie bei allen anderen Stage-Produktionen.

Theatergänger007 (6 Bewertungen, ∅ 2.7 Sterne)

Absolut solide und tolle Cast

04.12.2021 - Es ist Tanz der Vampire ist solide auf der Bühne. Das Timing gerade im komödiantischen Bereich ist auf den Punkt.
Die Cast ist grundlegend sehr gut besetzt. Allen voran Alfred, Sarah, Abronsius und Magda. Sie trugen den Abend. Alfred war am besuchten Abend Michiel Janssens.
Einzig der Graf stach nicht heraus. Komödiantische Präsenz, stimmlich ging er in der Cast unter. Für das Stück empfinde ich es als Problem, da es sich um die doch Zentrale Figur handelt. Beim „Gebet“ hörte man ihn nicht raus. „Totale Finsternis“ war belanglos.
Der Sound war gut. Bei zwei Stücken klang es ein wenig „vom Band“, ansonsten war genug Klang im Saal. Wenn man ältere Produktionen kennt, ist man dennoch wehmütig wenn man hört, was da heute wenig aus den Graben kommt. Von klanglicher Opulenz keine Spur, was die Musik so sehr bräuchte.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Vertane Chance

29.11.2021 - Wenn es eine Auszeichnung dafür gäbe, möglichst viele verschiedene Stücke gleichzeitig auf die Bühne zu bringen – „Ku’damm 56“ hätte sie definitiv verdient. Leider ist dies die einzige Auszeichnung, die diese Versatzstück-Sammlung von zig zeitlich stattfindenden, unterschiedlichen Ideen, von denen kein Element so recht zueinander passen mag, verdient hat.

Ein konfuses, überfrachtetes Buch, eine banale Sammlung von nichtssagenden Liedern (als kohärenten „Score“ kann man diese Komposition leider nicht bezeichnen), die mehrfach an der Grenze zur Peinlichkeit entlangschrammenden, schlecht gereimten Liedtexte, blasse Choreografien ohne durchgehende Handschrift, ein merkwürdig-abstrakt-modernes Bühnenbild gepaart mit farblosen 50er-Jahre-Kostümen – dazu eine unfokussierte Regie, die den ganzen Abend über nicht weiß, was sie mit den vielen vielen einzelnen Elementen (und den durch die Bank guten Darsteller*innen) anfangen soll, geschweige denn es auch nur ansatzweise schafft, alles zu einem stringenten großen Ganzen zusammenzufügen… Was dort auf der Bühne des altehrwürdigen Theaters des Westens stattfindet, würde im englischen wohl am ehesten als „hot mess“ bezeichnet werden.

Doch der Reihe nach: Anette Hess, hochdekorierte Film- und Fernsehen-Autorin (und nach eigener Aussage bis dato kein Fan des Genres Musical) hat ihr eigenes Buch der Serien-Vorlage für die Musicalfassung adaptiert. Leider gelingt es ihr dabei nicht, die vielen Handlungsstränge zu sortieren und an den richtigen Stellen zu bündeln. Des Resultat ist ein überfrachtetes Buch, das zu viele Themen in zu wenig Zeit unterzubringen versucht – und dadurch leider keiner der diversen Parallel-Geschichten den nötigen Raum lässt, ihre Wirkung richtig zu entfalten.

Darunter leidet nicht nur der Gesamteindruck des Stückes, sondern vor allem die beiden Hauptfiguren. Den anderen Frauenfiguren wird soviel Raum zugesprochen, dass über weite Teile des Abends Monikas Geschichte (die ja eigentlich die zentrale Story der Show ist) fast in den Hintergrund tritt, was nicht zuletzt daran liegt, dass fast alle anderen Frauenfiguren auf der Bühne spannender sind als die weibliche Hauptrolle, die sich – von der Regie weitgehend allein gelassen – von Szene zu Szene tolpatscht und dabei hauptsächlich damit beschäftigt ist, die obligatorische dicke Brille (wie oft wird dieses Klischee-Requisit eigentlich noch bemüht, um die Aussenseiterin zu kennzeichnen?!) geradezurücken oder im wahrsten Sinne des Wortes über die Bühne zu stolpern.

Leider ist dies nicht die einzige Figur, bei der sich die „Personenregie“ darauf beschränkt, über ein oder zwei Äusserlichkeiten den kompletten Charakter zu definieren. Am auffälligsten ist das bei Mutter Caterina Schöllack, die 90% ihrer Zeit auf der Bühne mit versteinerter Miene in immer gleicher matronenhafter Pose und in die Hüfte gestemmter Hand verbringen muss, egal ob sie singt, spielt, steht, läuft etc. Einzig in der (ziemlich unangenehmen) Szene, in der Darstellerin Katja Uhlig einen kompletten Song lang masturbierend auf der Bühne sitzen muss, während über ihr ihre Töchter ein Lied singen, wird diese ansonsten in Stein gemeisselte Gestik aufgelöst – und zum Ende des Stückes hin, wenn sie ihren Sinneswandel dadurch illustrieren muss, dass sie (Überraschung!) ihren ansonsten strengen Dutt öffnet und ihr Haar schüttelt.

Am auffälligsten ist die schwache bzw. nicht vorhandene Figurenzeichnung im Stück jedoch bei der Rolle des Freddy, den David Jakobs mit Charme und gewohnt toller Stimme und Ausstrahlung zum Leben zu erwecken versucht. Problem bei dieser Figur ist leider, dass die Rolle erst sehr spät im Laufe des Stückes von der Autorin als solche etabliert wird. Bis dahin ist David Jakobs allerdings schon mehrere Male auf der Bühne aufgetaucht und hat diverse Songs gesungen – ohne dass man als Zuschauer wüsste, wer er ist. Diverse Kommentare in der Pause zu David Jakobs Rolle als „Conférencier der Show“ sprechen da Bände… wenn weite Teile des Publikums nach der Hälfte des Stückes immer noch nicht wissen, wer die männliche Hauptfigur ist, gibt es definitiv ein Problem mit der Figurenzeichnung im Buch.

Dabei helfen auch nicht die diversen Logik-Fehler in der Handlung. So singt Freddy zwar das Opening „Monika“, einen sehr ausführlichen Song in dem die weibliche Hauptfigur beschrieben wird – kennenlernen tut er diese im Stück aber erst diverse Szenen später.

Überhaupt machen viele der Songs im Kontext der Handlung wenig Sinn. Als Beispiel sei hier die – offensichtlich als Radio-kompatibler Hitsong komponierte – Nummer „Berlin, Berlin“ genannt, die zwar als eingängiger Popsong und Hymne auf die Stadt durchaus funktioniert, im Rahmen der Handlung allerdings keine wirklich Funktion hat, ausser dass David Jakobs zum wiederholten Mal zwischen zwei Szenen auf die Bühne kommt, einen Song singt und danach wieder verschwindet.

Ansonsten besteht die Musik aus einer zusammengewürfelten Ansammlung an Songs, die weder eine eigenständige Handschrift noch eine durchgängige musikalische Sprache für das Stück erkennen lassen. Versuchen sich die Komponisten im ersten Akt zumindest ab und zu noch halbherzig daran, einige Nummern im 50er-Jahre-Pastiche-Stil zu schreiben, werfen sie dies spätestens nach der Pause mehr oder weniger komplett über Bord und bewegen sich auf vertrautem 90er-Pop/Rock-Terrain. Dabei sind zwar durchaus einige interessante Songs entstanden, die auch von der sehr guten Band unter der musikalischen Leitung von Caspar Hachfeld überzeugend umgesetzt werden – die meisten davon verfehlen jedoch im Kontext der Show ihre Wirkung als Teil eines kohärenten Musical-Scores, der die Handlung voranbringen oder die Figuren charakterisieren würde.

So unausgegoren wie die Musiksprache ist auch die visuelle Seite der Show. Triste 50er-Jahre Kostüme ohne charakterspezifische Details treffen auf ein abstrakt-modernes Bühnenbild, das zwar durchaus optisch einiges zu bieten hat (vor allem im Zusammenspiel mit dem ansprechenden Lichtdesign), mit seinen Baugerüst-artigen Bühnenaufbauten und den bröckelnden Backsteinwänden im Hintergrund allerdings – neben den offensichtlichen Anleihen bei „Hamilton“ – eher aussieht, als würde das Ensemble gleich „Seasons Of Love“ anstimmen und doch lieber „Rent“ aufführen (was wahrscheinlich eine gute Idee wäre).

Es spricht ja nichts dagegen, einen Stoff modern und abstrahiert für die Bühne zu adaptieren. Ob allerdings gerade DIESER Stoff dafür geeignet ist, bleibt zu bezweifeln. Die Serie lebte ja sehr von der detaillierten Zeichnung des Berlins der 50er-Jahre in all seiner Nachkriegs-Spießigkeit. Wenn man diese jedoch optisch komplett eliminiert und die muffige Enge und Plüschigkeit der diversen Spielorte durch abstrakte Baugerüste ersetzt, die diese Atmosphäre in keiner Sekunde des Abends auch nur ansatzweise erschaffen (oder klar erkennbare Spielorte definieren), bleibt auch optisch nicht viel übrig, gegen das Monika rebellieren kann.

Der konfuse Gesamteindruck ist umso ärgerlicher, als dass es immer wieder kurze Momente gibt, in denen für Sekunden aufblitzt, was dieser Abend eigentlich hätte sein können – nämlich ein durchaus spannendes Musical.

Leider ist weder den Autor*innen noch der Regie gelungen, diesen Eindruck für mehr als einige wenige Momente zu erreichen. Der größte Teil des Abends ist leider eine ziemlich überflüssige Musical-Adaption, deren überfrachtetes Buch, banale Songs und das Fehlen einer durchgängigen Handschrift, die den Abend zusammenhalten würde, eher langweilen und verärgern als gut unterhalten.

Dies ist umso ärgerlicher, weil auf der Bühne ein durch die Bank gutes und talentiertes Ensemble steht und man eigentlich alle Möglichkeiten gehabt hätte, einen guten Theaterabend zu erschaffen.

So verlässt man das altehrwürdige Theater des Westens leider (mal wieder) mit einem schalen Nachgeschmack und in der Hoffnung, dass dort bald endlich wieder ein gutes Stück aufgeführt wird, das diesem wunderbaren Haus gerecht wird.

„Ku’damm 56“ ist es nicht.

[titeldershow] (erste Bewertung)

Wirklich tolle Produktion

28.11.2021 - Nachdem wir das Stück nun auch am Samstag gesehen haben kann man nur festhalten, dass sich die Fahrt nach Solingen mehr als gelohnt hat. Das war wirklich ganz hervoragende klassische Musicalunterhaltung mit einem Stück, dass hierzulande viel zu selten gespielt wird. Und das obwohl es sich für die Stadttheater ja geradezu aufdrängt bei der Besetzung der Rollen. Sei es drum, hier haben alle wirklich was verpasst, die nicht nach Solingen gefahren sind. ;)

Musik, Darsteller, Regie, Choreografie, Bühnenbild, das wirkte alles rund und stimming und auch hohem Niveau. Vielen Dank an alle Beteiligten.

MyMusical (26 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Charmante Produktion, die gute Laune macht.

25.11.2021 - Gil Mehmert hat das doch eher altmodische Musical schwungvoll inszeniert und sorgt für einen unterhaltsamen Abend mit einer durchweg überzeugenden Besetzung. Die hohe Qualität der Folkwang-Studenten wird wieder einmal mehr als deutlich. Wer "She Loves Me" noch nicht kennt, sollte sich dieses doch eher selten gespielte Stück unbedingt anschauen. Man geht gut gelaunt nach Hause.

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Bunt jedoch streckenweise sehr langatmig

20.11.2021 - Die Lobeshymnen der Presse und im Netz zur neuen Grand Show kann ich nur bedingt nachvollziehen.

Sicher hat man nach Corona "geklotzt" und die Spielfreude des Ensembles war grandios. Die Vorzeichen standen gut.

Das aber reicht nicht um 1800 Menschen zu begeistern. Erstmals gab es an dem Freitagabend des Besuchs keine Standing Ovations am Ende. Das habe ich bisher im Palast noch nie erlebt. Der Funke mag nicht wirklich übergesprungen sein.

Die Bühne hält viele Überraschungen bereit ist aber recht leer. Erst zum 2. Teil wird für 15min Wasser als Element genutzt und das ist sehr schade. Es spritzen ein paar bunte Fontänen und das Ensemble macht sich die Knöchel kurz nass, aber da hatte ich persönlich mehr erwartet.

Effektvoll stattdessen der Wasserfall links und rechts aus den Treppen der fast mehr begeisterte. Genial bei dieser Show das Licht. Der Lichtring wird gekonnt gekippt, und versenkt und schafft es unglaubliche Szenenbilder zu erschaffen. Das war eines der Highlights für mich.

Für eine 2,5h Show (mit 25min Pause) sind leider 2 artistische Darbietungen wenig. Diese sind zwar Top aber einfach nicht genug.

Wie in der offiziellen Bewertung bereits erwähnt wurde trägt die Company die Hauptlast der Show. Diese tragen ihre Nummern in gewohnter Qualität vor aber alles schon x-mal gesehen. Da werden Kostüme und Roben zur Schau gestellt wie auf einer Modenschau in Paris. Genial ist das Ballett des Hauses dann wenn einzelne Solisten z.B. die Nummer auf der gekippten Scheibe darbieten.
Auch das Hand-Schattenspiel (eine Aufnahme) die abgespielt und mit 4 weiteren Händen ergänzt wird weiß zu berühren.

Die Musik ist wieder einmal das schwächste an der Show. Nicht eine Nummer ist wirklich eingängig oder einer Revue gebührend. Zudem wird immer mehr englisch und mit starkem Akzent gesungen oder gesprochen. Sehr bedauerlich.

Ganz übel der nicht enden wollende Opener des 2. Teils. Eine für sich sicher künstlerisch einwandfreie Darbietung eines Ensembles vor Spiegeln auf Klappstühlen die in gefühlt 10min immer und immer wieder die selben Moves zelebrieren und sich entblättern. Dazu brüllen Sie 30 mal oder mehr irgend etwas hebräisches in den Saal und einer fällt vom Stuhl. - Eine Qual und kein Opener einer Grand Show nach der Pause.

Ebenso hat eine Grand Show ja keinen roten Faden in der Storyline sondern der Palast spricht von einem roten Band. Selbst dieses "verbindende Band" ist nur schwer zu verstehen und man erahnt nur was das ganze soll.

Erschreckend am Buch das Cameron der Fotograf was weniger auf der Bühne ist als die Zeit. Und die ist bei manchen Nummern einfach zäh. Die dem Protagonisten verloren gegangene Muse stellt sich in einer echt unterirdischen Nummer als "Puffmutter" in einem Boudoir voller Lust und Sünde dar. Wenn das die Muse sein soll - herzlichen Glückwunsch. Das war weder erotisch noch passend. Kein Applaus bei dieser Nummer.

Alles in allem eine bedingt unterhaltsame und langatmige Show mit wenigen artistischen Highlight.

Da wo VIVID noch etwas Humor und Spass bot, ist dieser nun ganz abhanden gekommen. Schade eigentlich.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Auferstehung?!

17.11.2021 - Der Friedrichstadt Palast mit seinen herausragenden Revuen muss sicher nicht auferstehen. Dennoch ist die neue Show ARISE nach der Zäsur des Lockdowns und den problematischen Bedingungen, die sich einer Großinszenierung zu Zeiten einer globalen Pandemie in den Weg stellen, von besonderer Bedeutung.

Das Besondere an ARISE ist, dass alles wie immer ist.
Auch diese neue Show ist riesiges Revue-, Show-, Ausstattungsspektakel auf Entertainment-Weltniveau.
Das Kernstück des Palastes, das große Corps de Ballet und seine Solisten sind in Topform. Die Artistik hat internationales Spitzenniveau. Der Ausstattung sieht man ihren Millionen-Etat an. Kostüme (Stefano Canulli) und Choreografie sind im Vergleich mit VIVID (zu meiner persönlichen Freude) wieder deutlich erwachsener geworden und orientieren sich an französischen Revue Produktionen. Gesangssolisten wie Frank Winkels, Tertia Botha und Kediesha Mc Pherson sind souverän.
ARISE hat eine stimmige Dramaturgie, die sich bis zum Finale steigert.
Der nur angedeutete Handlungsfaden und die schablonenhaften Charaktere sind durch das Genre bedingt und nicht als Manko zu beurteilen.

ARISE ist Revue at its best und eines der theatralischen Highlights von Berlin.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Afrika in Hamburg

01.11.2021 - Nach 4 Jahren nach meinen 1.Besuch in König der Löwen / The Lion King in London hatte ich am Sonntag den 24.10. im Rahmen meines 1.Hamburg Tripps auch mit Disney's König der Löwen im Stage Theater im Hafen zum 2. Mal , dieses mal in Deutsch , sozusagen als Vergleich mir anzuschauen. 1. Muss ich zu der hier höchstmöglichen Bewertung von 5 Sternen ein inoffiziellen Stern dazugeben für die Location und die Shuttle - Fähre da beginnt die Magie schon vor dem eigentlichen Theater Besuch. Auch das Musical selber hat für mich an sich absolut nichts an Fazination vom 1. Mal verloren. Die Cast war grandios und vom schon hier und auch auch auf anderen Bewertungsseiten monierte schlechte Deutsch des intanationalen Cast, kann ich absolut nicht zustimmen, für mich war die Cast sehr gut zu verstehen und zumindestens an dem Abend konnte ich die Kritiken zur Phonetik nicht nachvollziehen.

Nun mal zu ein paar Darstellern meine persönliche Meinung.

1.Rafiki : Bongiwe Malunga: Absolut grandiose Darstellerin von Rafiki die der Rolle schauspielerisch wie auch mit ihrer grandiosen Stimme echt ausgefüllt und gelebt hatte. Ihr : Ewiger Kreis, Rafiki's Totenklage und Er lebt in dir , waren einfach Weltklasse. Und noch dazu hat sie einen Humor da hat es mich sehr oft vom Sitz gehauen vor lachen.

2. Zazu: Joachim Benoit: Er ist wohl das " Löwenurgestein" und der berühmteste deutschsprachige Zazu überhaupt und beim spielen von Zazu hat man es echt gemerkt , es war nicht nur gespielt Joachim ist einfach Zazu und für mich auch der Darsteller auf den ich mich am meisten gefreud hatte , spielen zu sehen. Einfach nur grandios.

Mufasa: OJ Lynch: Ein echt toller Sänger und Schauspieler mit einer sehr warmen und angenehmen tiefen Stimme. Er hat die wärme und Fürsorge des Mufasas einfach auf den Punkt gebracht.

Simba ( Klein und Groß): William : Für seine jungen Jahre sehr guter Schauspieler , seine Trauer um Mufasa war sehr überzeugend und "Ich will jetzt gleich König sein und den Kinder - Part von Hakuna Matata"sehr gut und mit viel Energie gesungen.

Hope Maine ( Simba im jungen Erwachsenen Alter): Hat seine Rolle on Point gebracht ob es der ruhelose " Löwe" war oder als seine Erinnerung an den Tod seines Vaters wie gelähmt hatte wurde sehr glaubhaft gespielt und man hat richtig mitgefühlt.Und der Song Endlose Nacht war echt mit Gefühl gesungen wurden.

Super waren auch: Noemi und Andrea Sanchez als Nala ( Klein & Groß), Isata Kamara als Königin Sarabi, Victor Barreto als Scar ( Cover).

Und natürlich zusammen mit Rafiki und Zazu die Show Highlits des Abends:
Die Hyänen Shenzi, Banzai und Ed, gespielt von : Sophia Wezer, Simon Gwala und Alex Brito.Einfach immer wieder mega lustig die Hyänen.

Und last but not least die 2 Publikumslieblinge Timon und Pumba: Sean Gerard ( Cover Timon) & S'Thembiso Keith Mashiane.

Zu meinen Highlight Songs gehören:
Der Ewige Kreis
Sie leben hier / Er lebt in dir
Seid bereit
Ich will jetzt gleich König sein
Putz weg
Schattenland
Hakuna Matata
Endlose Nacht und
Kann es wirklich Liebe sein

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Wunderbare Inszenierung

24.10.2021 - Gerade zurück aus Solingen und den 5 Sternen würde ich mich hier anschließen wollen. Das war ganz wunderbare Musicalunterhaltung in einer sehr gelungenen Inszenierung.

MyMusical (26 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Sensationell gut...

24.10.2021 - Ein perfides Stück Musiktheater, clever geschrieben, mit einfachen Mitteln großartig inszeniert und mit Michael Heller und Kevin Köhler überzeugend besetzt.
Ein Must See!

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Eine absolut bewegende Lebensgeschichte einer Musiklegende

24.10.2021 - Am gestrigen Samstag 23.10. hatte ich endlich die Gelegenheit mir Tina Das Tina Turner Musical auf meinen zugebenermaßen 1. Hamburg Tripp anzuschauen. Absolut großartiges Musical mit der bewegenden Geschichte einer der Ausnahmekünstlerinnen überhaupt. Ich persönlich fande die Mischung aus deutscher Übersetzung und im original gelassenen oder die Kombi aus beiden der Tina Songs sehr gut. Die Cast war echt spitzen klasse vor allem wenn man bedenkt dasss es gerade mal die 2. Woche für sie war. Besonders hervorheben möchte ich Aisata Blackman als Anna Mae / Tina Turner, die die Rolle in allen ihren Facetten grandios gespielt hat um nicht zusagen sie hat die Rolle gelebt.

Zu meinen Highlight Songs gehören: Schau nur nach vorn ( Don't turn around): Bei den Song wusste ich bisher nicht mal dass es überhaupt ein Song von Tina war, ich kannte nur ( offensichtlich ) die ( Cover- ) Version von Ace of Base muss ich ehrlich zugeben
Proud Mary ( auch wenn die Szene echt krass war am Ende)
Ich werd weiter tanzen ( Privat Dancer)
What's Love got to do with it
Wir wollen keine neuen Helden
Und natürlich der Tina Turner Song überhaupt:( Simply ) The Best

Von mir gibt es eine klare Weiterempfehlung. Und ich bin mir sicher es wird nicht das letzte Mal gewesen sein, dass ich mir Tina anschauen werde, ich komme definitiv wieder.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Eine Meisterleistung von Regie und Darstellern

21.10.2021 - DIE DREIGROSCHENOPER ist sicher eines der wichtigsten Stücke deutscher Weltliteratur, die man auf den Theaterbühnen der Welt sehen kann.
Dementsprechend häufig wird das Schauspiel mit Musik inszeniert und interpretiert.
Eine rundum gelungene Aufführung dieses Meilensteins des Musiktheaters ist in den Kammerspielen des Theaters in der Josefstadt zu sehen.

Regisseur Torsten Fischer lässt das Stück in einem zeitlosen, eleganten, antiseptisch anmutendem Ambiente beginnen. Mit voranschreitender Handlung zerfällt dieser Eindruck mehr und mehr. Zunehmend treten Hässlichkeit, Verfall und Unmoral unter der nur hauchdünnen Oberfläche zu Tage.
Dem Kreativteam gelingen dabei immer wieder visionäre (Theater-) Bilder, die sich nachhaltig in das Bewusstsein einbrennen. Grandios ist das stolze Schaulaufen zu Beginn auf den schiefen Ebenen. Unter die Haut geht das Märtyrium von Macheath. Intensiv wirkt der zeitlupenartige Vorstoß des gesamten Ensembles in den Zuschauerraum. Man könnte noch eine ganze Reihe von brillanten Inszenierungseinfällen nennen.

Die Künstler auf der Bühne sind durch die Bank Brecht/Weill-Interpreten von Rang und würden es auf jeden Fall verdienen einzeln gewürdigt zu werden.
Stellvertretend sei Claudius von Stolzmann genannt. Sein Macheath ist ebenso schauspielerisch fein austarierte Glanzleistung wie brachialer, schonungsloser Vollkörpereinsatz. Eine ehrfurchtgebietende Leistung!

Mein Kompliment und mein Dank an alle Beteiligten dieser Aufführung für einen herausragenden Theaterabend.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Ein Klassiker

08.10.2021 - Auch wenn schon vor Jahren angekündigt wurde, dass die Vampire jetzt angeblich "für immer" aus Deutschland verschwinden, kommen sie doch hartnäckig immer wieder und beißen sich durch. Und das ist auch gut so, denn auch ohne große Neuerungen zündet die Show auch im Jahr 2021 immer noch. Ein Klassiker eben. Nicht mehr ganz frisch, aber immer wieder gut.

Sandrine (21 Bewertungen, ∅ 4.1 Sterne)

Beitrag vom 07.10.2021 gesperrt

Samira (4 Bewertungen, ∅ 3.5 Sterne)

Tolle Aufführung des Klassikers

03.10.2021 - Cats hatte ich zum letzen Mal in London gesehen. Noch im New London Theater, jetzt Gillian Lynne Theater.
Mit dem zeitlichen Abstand und vielleicht einer gewissen Reife, ist mir nun bewusst, wieso Cats ein großer Erfolg war bzw. immer noch ist.

Gerade die tolle Choreografie macht das Stück am Ende aus und ich bin froh es wieder gesehen zu haben.

In Wien hat mich besonders beeindruckt, wie Grizabella in den Heavyside Layer aufstieg und mit dem Firmament verschmolz. Das war neben den großen Tanzszenen mein persönliches Highlight.

Es ist auch toll, dass so ein großes Orchester aufspielt. Gerade in den großen Tanzszenen kann die Produktion damit punkten. Nur wieder hatte ich mein persönliches Problem mit der Abmischung des Tons. Ich werde in Wien damit offensichtlich nicht glücklich.

Einige Rollen waren zudem nicht mit verständlichen Darstellern besetzt und gerade die „Katze“, die einen Teil von Memory mit sang, fand ich stimmlich gewöhnungsbedürftig. Das war Schade, da für mich eigentlich der Gänsehautmoment im Stück.

Grizabella wurde an dem Abend von Wietske van Tongeren gespielt. Sie gefiel mir sehr gut in der Rolle.

Für mich eine absolute Empfehlung, den Klassiker in Wien zu anzusehen. Dem Stück täte es jedoch besser gleich in Englisch gesungen zu werden. Der Deutsche Text war für mein Empfinden teilweise recht sperrig.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Großartiges Orchestermusical mit Tiefgang auch in Pforzheim

03.10.2021 - Knapp 19 Jahre nach der Erstaufführung in Hamburg wurde nun Titanic in Pforzheim endlich zu Wasser gelassen. Was für ein grandioser Abend nach der langen Corona-Pause. Aber im Einzelnen.

REGIE

Das Regieteam um Janne Geest und Chris Murray (der auch gleichzeitig Thomas Andrews spielt) hat sich einen interessanten Regiekniff einfallen lassen. Die Show beginnt in einem Museum mit in denen neben dem geborgenen Lüster der Titanic auch diverse Gegenstände und Schmuck ausgestellt werden, der bei der Bergung in den 1980er Jahren gefunden wurde. Die Besucher verlassen das Museum. Plötzlich spielt das Piano wie von Geisterhand „Herbstwind“ und in bester Phantom-Manier steht da plötzlich Thomas Andrews als „Geist“ in der Ausstellung und kämpft mit der Vergangenheit. Er zückt sein Notizbuch und die Szenerie erwacht zum Leben. Nach und nach stell er (nicht Alice Beane) die einzelnen Protagonisten vor. Auch wenn der Ansatz nicht unbekannt ist (siehe Disneys AIDA …) war er dennoch effektvoll. Andrews ist ab da fast ständig auf der Bühne auf der Brücke oder begleitet die Szenerie mit Mimik und Kommentaren. Bei Titanic geht es ja auch immer ein wenig um die Frage wer hat eigentlich schuld. Die Inszenierung gibt hier eine eindeutige Antwort, welche aber an der Stelle nicht verraten wird. Da einige Nummern doch deutlich langsamer interpretiert werden als bsp. auf den Aufnahmen 1997/2002 hat die Show eine Länge von 3h incl. Pause. Dafür kommen aber die wunderbaren Texte von Wolfgang Adenberg noch besser zur Geltung, die hier ohne Änderungen zum Vortrag kommen. Toll.

BÜHNE / KOSTÜM

Karel Spanhak hat ein spannendes Set und teils ausladende ja zeitgemäße Kostüme geschaffen die sich je nach Passagierklasse natürlich abgestuft präsentieren. Dazu nutzt er alle technischen Möglichkeiten die die Bühne des Stadttheaters bietet. Eingerahmt in riesige Stahlwände kommt die klassische Gangway der White Star Line genauso zum Einsatz wie die opulente Treppe zum großen Saal. Daneben werden die Hubpodien genutzt. Neben dem Kesselraum wird darin auch die verzweifelte Flucht der 3. Klasse Passagiere illustriert. Zum Ende des ersten Aktes dann auf 3 Ebenen bei „Kein Mond“. Die Untergangsszene wird mittels Strobo-Licht und einer teils stark geneigten Bühne illustriert und stellt sicher für die Darsteller eine Herausforderung dar. Dazu kommt ein gutes Licht insb. auch was die Lichtstimmungen betrifft. Es genügen wenig Requisiten um den Eindruck zu vermitteln.

MUSIK

Die Musik zu Titanic zählt seit 1997 zu den eindrucksvollsten Orchesterpartituren für mich persönlich. Titanic ist ja fast durchkomponiert bzw. hat in den wenigen Sprechszenen ein Underscoring, welches Stimmungen vermittelt. Die Badische Philharmonie spielt grandios auf, wenngleich einige Nummern viel langsamer vorgetragen werden als man das kennt. Das trägt natürlich in den großen Chorszenen auch sehr zur Textverständlichkeit bei. Diese war diesmal in Pforzheim zudem wirklich ohne Beanstandungen. Ansonsten bietet die Partitur viel Schmelz und spielt mit den Musikstilen der Zeit. Fetzig wie immer der Ragtime im 1. Akt und die großen Ensembleszenen in denen Orchester und Chor eine unglaubliche Wucht entfalten.

CAST

Neben Chris Murray als starken Thomas Andrews begeistern unter anderem Philipp Werner als Heizer und Benjamin Savoie als Funker und berühren mit Ihren Soli. Insgesamt wurde ja größtenteils auf das Hausensemble, Chor und Extrachor des Hauses zurückgegriffen und das stört bei dieser eher operettenhaften Partitur nicht. Die Chöre haben eine unglaubliche Wucht, wenngleich hier noch etwas an der Synchronität gearbeitet werden muss. Aber auch das Frauenensemble um die 3 Kates berührt ebenso wie Mrs. Beane (deren Rolle weniger präsent ist als noch in der DSE) und Ida und Isidor Strauss.

FAZIT

Titanic in Pforzheim ist ein großes Musical mit der wunderschönen Musik von Maury Yeston, einer starken Cast und Chor (teilweise um die 50 Menschen auf der Bühne) und einem Bilderbogen der staunen lässt. Pforzheim war nicht immer für ein homogenes Klangbild bekannt. Hier aber kann Entwarnung gegeben werden. Auch wenn man die Geschichte insb. das Ende ja von Angang an kennt, ist es spannend zu erleben wie die Träume und Hoffnungen der vielen tausend Menschen in wenigen Stunden zerplatzen. Die Spielfreude war deutlich zu erkennen und der frenetische und lange Premierenapplaus kam nicht von ungefähr.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Humor ist, wenn man trotzdem lacht

02.10.2021 - Das Stück, das dereinst im Hamburger Schmidt Theater aus der Taufe gehoben wurde, hat seinen Weg nach Karlsruhe ins Kammertheater gefunden.
Seine Wurzeln kann, will und soll es wahrscheinlich auch in dieser Neuinszenierung von Nik Breidenbach nicht verleugnen. Will sagen: der Humor ist deftig, zotig, handfest. So wie man es eben aus den Schmidt-Häusern kennt.
Das kann man mögen, aber für mich ist sowas doch eher schwer zugänglich.

In dem Zwei-Personen-Stück geben Charlotte Heinke und Benjamin Sommerfeld Vollgas, singen, spielen, tanzen, toben, blödeln nonstop und sind dabei souverän und grundsympathisch.

Der zu hörende Musikmix besteht zu wesentlichen Teilen aus Artefakten der deutschen Schlagerhölle. Auch das kann man wiederum mögen....

OH ALPENGLÜHN hat eine Handlung. Zumindest am Anfang. Später verliert sie sich immer mehr und ist am Ende überhaupt nicht mehr vorhanden.

Die Regie ist gnadenlos, macht Tempo und lässt den beiden Künstlern kaum eine Atempause.

Ausstattung und Lichtdesign sind schön, detailliert und passend.

Das Publikum hat seinen Spaß und reagiert lautstark mit Gelächter, Applaus und Gejohle.

Wie gesagt: Man kann es mögen!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Spannend, aber nur ok

24.09.2021 - spannend, die Show so anders zu erleben. größtenteils finde ich es auch gelungen, obwohl mir stets die Überzeugungskraft des Originals fehlt. Jund und frisch, aber irgendwie doch recht belanglos

das größte Manko für mich: die Besetzung, die, vor allem in den Hauptrollen, nicht den Anforderungen der Songs standhalten kann.

Die Reduzierung auf Bandgröße tut dem Stück natürlich auch nicht allzu gut...

Wicked-Freak (30 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

PERFEKT!

24.09.2021 - ich habe nichts zu meckern. Diese Inszenierung ist einfach umwerfend.
Die Darsteller brillieren.

Mir gefiel es deutlich besser, als in Stuttgart und sogar am Broadway!

Wicked-Freak (30 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Wirklich ein Geniestreich

20.09.2021 - Ich bin noch immer sprachlos! Inszenierung top, Orchester top, Kostüme/Bühne top und Darsteller*innen durch die Bank erste Sahne. Selten habe ich mein Lieblingsmusical so großartig erlebt wie in Bonn. Gil Mehmert ist nicht Regisseur, er ist ein Zauberer.

Samira (4 Bewertungen, ∅ 3.5 Sterne)

Überraschend gute Neuinszenierung

20.09.2021 - Die Neuinszenierung hat mich positiv überrascht. Tolle Idee, schöne Personenführung, großartiger Look. Einen Stern Abzug in meiner Wertung gibt es für die Fehlbesetzung des Fiyero. Ansonsten haben mir die Darsteller*innen ausnahmslos gut gefallen. Vajen van den Bosch dürfte als Elphaba aber gern noch etwas mehr Stimme zeigen. Ich würd's noch mal ansehen.

Samira (4 Bewertungen, ∅ 3.5 Sterne)

Was war das?

20.09.2021 - Ich habe selten so eine schlechte und billige Inszenierung gesehen. Kaum einer der Darsteller*innen wirklich überzeugend, die ganze Show viel zu dunkel, billig wirkende Kostüme und Perücken. Texthänger, Versprecher. Weder gesanglich noch schauspielerisch wirkliche Glanzleistungen dabei. Aber das größte Problem ist die Inszenierung insgesamt. Vielleicht hätte man eine Person für die Regie engagieren sollen, die sich auskennt. Ich werde künftig einen Bogen um ein Stück machen, das von Lilo Wanders inszeniert wurde.

Samira (4 Bewertungen, ∅ 3.5 Sterne)

gut, wenn man das Musical noch nicht kennt

17.09.2021 - Das Musical ist einfach der große Wurf! Witzig, unterhaltsam, geniale Musik, die mitreißt und ein durchaus einfühlsamer Plot.

Für mich ging das Konzept in Hildesheim nicht ganz auf. Die Sprechszenen wirkten etwas hölzern, einige Darsteller nicht vollends glaubwürdig. Auch gesanglich kam man hier oftmals an die Grenze der eigenen Stimme.

Die Regie war mir nicht konsequent genug und einige Szenen wirkten etwas langatmig. Die geschriebenen Gags klappen, aber mehr kommt dann leider auch nicht.

Soundabmischung auf dem Rang (1. Reihe - PK 1) leider nicht optimal - oft die Band deutlich zu laut im Mix. Schade, denn die Band spielt gut und schmissig.

Meine Kurzbewertung, da ich die "offizielle" unpassend finde:

Inszenierung 2/5
Musik 4/5
Besetzung 2/5
Ausstattung 2/5

Wicked-Freak (30 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Die Inszenierung hat Schwächen

13.09.2021 - MY FAIR LADY ist quasi ein Selbstläufer auf jedem Spielplan, füllt das Theater und unterhält gut. In der rührigen Volksoper Wien ist das nicht anders.

Dennoch steckt auch hier ein kleiner Teufel im Detail, oder vorzugsweise in Regie und Darstellung.

Johanna Arrouas ist eine temperamentvolle Darstellerin mit überzeugenden gesanglichen Fähigkeiten.
Leider wird ihre klassische gebildete Singstimme nicht sinnvoll eingesetzt, wenn sie schon bei "Wouldn't it be loverly" mit einem glockenklaren Operetten-Timbre auftrumpft.
Die gesanglichen Fähigkeiten von Eliza sollten sich im Idealfall analog zu ihrer sprachlichen Entwicklung verändern.
Der Wandel von der Gossenpflanze zur Lady ist leider nicht vollends überzeugend gelungen. Insbesondere mangelt es am komödiantischen Timing. Das Setzen der Pointen funktioniert mehr als nur einmal recht schlecht.
Es will schon einiges heißen, wenn Regie und Darstellung die unkaputtbare Pointe der Ascot-Szene komplett an die Wand fahren.

Auch Axel Herrigs Ausgestaltung des Dr. Higgins hinterlässt Fragezeichen.
Ein Großteil des Humors entsteht normalerweise aus dem spröden, kühlen, von britischem Understatement geprägten Charakter. Herrig (bzw. die Regie) lassen den Wiener Higgins aber von Anfang an ziemlich aufgekratzt, agil bis zappelig über die Bühne wuseln.
Das passt nicht immer zu Text und Dialog und verspielt so leider auch einiges an Amüsement.

Aufgrund dessen wirkt das Gesamtergebnis trotz wunderbarer Ausstattung und großartiger musikalischer Umsetzung leider nur mittelmäßig.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

endlich wieder Musical - Wicked

12.09.2021 - Wicked erzählt eine tolle Geschichte mit sehr schöner Musik. Noch mehr Spass macht es wenn man den Zauber von OZ kennt, dies ist aber kein muss. Kann es jedem empfehlen reinzugehen,

steff79 (12 Bewertungen, ∅ 4.4 Sterne)

rundum gelungen

11.09.2021 - Ich mag das first Stage sehr und hatte einen rundum gelungen Abend dort.
Unterhaltsames Musical mit tollem spielfreudigen Cast, toller Kulisse und vielen Ideen. Würde sofort wieder reingehen.

steff79 (12 Bewertungen, ∅ 4.4 Sterne)

Wicked-2.0?

06.09.2021 - Ich habe gestern die Premiere gesehen,der Zuschauerraum erinnerte zu nächst an die vielen bekannte Wicked-Produktion.Aber schon mit dem ersten Ton des "Orchesters" fehlte mir die durchschlagende Kraft,den die Wicked Musik nun mal hat.Wicked soll in eine Zauberwelt entführen,entführt aber eher in eine Neonligt-Hightech-Welt mit Handys und Fachbildschirmen.Ich selbst nahm Elphaba nicht als grüne Hexe war,sondern Sie war eher türkisfarbig geschminkt.Mancher Darsteller war undeutich zu verstehen und von den Choreografien von Stage bin ich eine höhrere Perfektion und Genauigkeit gewöhnt.Es ist insgesamt mutig und verdient Resprekt zu versuchen,die Show Wicked,die in der Welt in der bekannten Form erfolgreich läuft,für Deutschland moderner zu machen.Mich hat das Stück in der Form nicht gefesslt,es hatte ein paar schöne Effekte.Aber man merkte immer wieder das doch sehr kleine Orchster.Ich muss ehrlich sein,drei Stunden mit FFP 2 Maske in einem Saal zu sitzen,schränkt auch die Zusehensfreude ein.Aber nach 18 Monaten Coronaunterbrechnung ist jede Premiere ein kleines Stück zur Rückkehr zur Normalität.

Theatergänger007 (6 Bewertungen, ∅ 2.7 Sterne)

Keine Emotionen

16.08.2021 - Da es eher ein Schnelldurchlauf ist, blieb die Story und gerade der Bezug zu den Figuren vollends auf der Strecke. Einzig Lucy war mehr heraus gearbeitet. Der emotionale Höhepunkt war so, das man die Mädchen der Nacht an ihren Tod angeknüpft hat.
„Komm schafft die Männer ran“ war so auch ein Highlight. Stark gestört durch eine laut kichernde Mittvierzigerin, die anscheinend noch nicht aus der Pubertät heraus war. Sobald man Lucys Brüste zu Beginn sah, ging das Gekicher los.

Wenn man beim Positiven bleibt, war das Orchester und Ensemble toll. Dadurch, dass die Lautsprecher nur jeweils rechts und links nach vorn ausgerichtet sind, sollte man mittig sitzen. Ansonsten hört man das Ganze nur auf einem Ohr. Auf dem Anderen hatte ich noch in der Nacht phantom Grillenzirpen.

Jekyllhyde (bewusst so geschrieben) war leider das Problem. Man wusste nie wer gerade singt. Falls Nuancen da waren, lagen diese im minimalen Bereich.
Das gilt auch für Lisa und Lucy, wenn sie über Jekyllhyde sangen. Man wusste nie um wen es geht.
Die Welt, die völlig irr ist, wurde auch eher beim Sonntagsspaziergang besungen. Gut Singen reicht für die Rolle nicht.

Merzig lohnt sich, wenn man die Songs mag, das Ensemble und Orchester ist wirklich gut, aber das Stück an sich ist in Fragmenten auf der Bühne.
Von Dramatik kaum eine Spur. Für mich zeichnete sich dies am meisten bei „Mörder, Mörder“ ab. Hier wurden die Opfer nicht namentlich adressiert sondern nur umgebracht. Das diabolische ging verloren und wirkte, als würde Jekyllhyde willkürlich morden.

Jetzt wurde mein Text länger als gewollt. Komme zum Schluss, man hätte das Stück Lucy nennen müssen und hat sich zu sehr auf den schlüpfrige Effekte konzentriert.

Irgendwie bin ich es auch noch nicht gewohnt direkt ins Gesicht gesungen zu bekommen. Das Ensemble bzw. auch Jekyllhyde stand direkt singend vor meiner Nase.

Keine Emotionen

16.08.2021 - Da es eher ein Schnelldurchlauf ist, blieb die Story und gerade der Bezug zu den Figuren vollends auf der Strecke. Einzig Lucy war mehr heraus gearbeitet. Der emotionale Höhepunkt war so, das man die Mädchen der Nacht an ihren Tod angeknüpft hat.
„Komm schafft die Männer ran“ war so auch ein Highlight. Stark gestört durch eine laut kichernde Mittvierzigerin, die anscheinend noch nicht aus der Pubertät heraus war. Sobald man Lucys Brüste zu Beginn sah, ging das Gekicher los.

Wenn man beim Positiven bleibt, war das Orchester und Ensemble toll. Dadurch, dass die Lautsprecher nur jeweils rechts und links nach vorn ausgerichtet sind, sollte man mittig sitzen. Ansonsten hört man das Ganze nur auf einem Ohr. Auf dem Anderen hatte ich noch in der Nacht phantom Grillenzirpen.

Jekyllhyde (bewusst so geschrieben) war leider das Problem. Man wusste nie wer gerade singt. Falls Nuancen da waren, lagen diese im minimalen Bereich.
Das gilt auch für Lisa und Lucy, wenn sie über Jekyllhyde sangen. Man wusste nie um wen es geht.
Die Welt, die völlig irr ist, wurde auch eher beim Sonntagsspaziergang besungen. Gut Singen reicht für die Rolle nicht.

Merzig lohnt sich, wenn man die Songs mag, das Ensemble und Orchester ist wirklich gut, aber das Stück an sich ist in Fragmenten auf der Bühne.
Von Dramatik kaum eine Spur. Für mich zeichnete sich dies am meisten bei „Mörder, Mörder“ ab. Hier wurden die Opfer nicht namentlich adressiert sondern nur umgebracht. Das diabolische ging verloren und wirkte, als würde Jekyllhyde willkürlich morden.

Jetzt wurde mein Text länger als gewollt. Komme zum Schluss, man hätte das Stück Lucy nennen müssen und hat sich zu sehr auf den schlüpfrige Effekte konzentriert.

Irgendwie bin ich es auch noch nicht gewohnt direkt ins Gesicht gesungen zu bekommen. Das Ensemble bzw. auch Jekyllhyde stand direkt singend vor meiner Nase.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Was war das?

11.08.2021 - In Coronazeiten fühlt es sich ja fast befremdlich an,
wenn man ein Theater oder in diesem Fall eine Freiluftarena besucht. Was MusikTheaterSaar hier augenscheinlich in die Infrastruktur gelegt haben ist sehr gelungen und beachtlich. Aber Theater ist eben nur dann auch gut, wenn es packt, wenn es zum Lachen oder zum Weinen bringt. Da helfen auch nicht die schönsten Carteringanlagen. Leider. Es ist schon eine Frechheit, dass ein Zwei-Stunden-Epos wie Jekyll und Hyde in nur zwei Wochen einstudiert wurde (damit sogar beworben wird so nach dem Motto: Guckt mal wie schnell wir waren. Toll oder?) Nein leider gar nicht toll. Wer zum Schluss die Schuld an dieser Farce hat, bleibt ungewiss. Der Produzent ist sichtlich erleichtert und gibt seinen Gefühlen freien Lauf und kann nicht oft genug betonen wie schnell alles hier hochgezogen wurde unter der Regie von Andreas Gergen. Es ist peinlich wie bedeutungsschwanger er seine Darstellerinnen und Darsteller von einer Peinlichkeit zur nächsten inszeniert. Ich will überhaupt kein Darstellerbashing betreiben, denn alle sind froh überhaupt einen Job zu haben aber dennoch will ich zwei Personen nicht unerwähnt lässen:
Fabio Diso, Schwiegermuttertyp, glatt, viel zu dünne Stimme und so gar kein Sänger, den man sich in Charakterrollen wie es Jekyll nun mal ist vorstellen kann. Leider ist das die Tatsache. Er überzeugt in keiner Szene und fällt von einer schauspielerischen Peinlichkeit in die Nächste. Er ist der Figur in keinster Form gewachsen. Und schlimmer noch: So wie es aussieht kann er machen was er will, wahrscheinlich der fehlenden Probenzeit geschuldet, da der Regisseur nur darauf bedacht sein musste in 14 Tagen alles fertig zu haben. Ebenfalls Mili Jovanovic. Sie kann mit schöner Stimme überzeugen. Sie rettet sich von Szene zu Szene und ich spürte förmlich, wie sie versucht hat irgend etwas der Figur zu geben. Etwas Tiefgang. Tatsächlich: In Ansätzen gelungen. Dafür der eine Stern. Nochmals: DarstellerInnen können wenig ausrichten. Job ist Job. Und das Leben muss bezahlt werden. Man fragt sich: Andreas Gergen, auf deutschen Bühnen ein oft angefragter Regisseur, hat ein Engagement angenommen, in dem er in so kurzer atemberaubender Zeit nicht mal in kleinsten Ansätzen erzählen kann, was Jekyll & Hyde ausmacht: Es ist eine Vater-Sohn-Geschichte und keine Love-Story. Es geht um Macht, erwachsen werden und „sich-beweisen-müssen.“ Er schafft es leider nie mit seinem Choreographen Till Nau künslerisch zu überzeugen. Da kann auch leider nicht das recht interessante Bühnenbild darüber hinwegtäuschen. Für mich ein klares „NO-GO“ wie ein Rezensent über mir schon schrieb. Wenn ich mir den beachtlichen Karrierelebenslauf von Gergen anschaue als Verantwortlicher im Theater, würde ich mittlerweile sagen: Quantität vor Qualität. Er kann absolut keine Figuren kreieren. Ich habe so viele Produktionen gesehen von ihm. Jetzt gebe ich es auf. Es ist und bleibt flach. Leider habe ich das auch schon in anderen Produktionen von ihm genauso wahrgenommen (Sunset Boulevard oder Rebecca Tecklenburg). Schnell-schnell, statt durchdacht und mit Verstand. Meistens rettet dann eine tolle Choreographie die Regie. Leider hat hier Till Nau nichts von seinem Potenzial zeigen können (wie z. B. in Schwerin bei Titanic). Es geht scheinbar nur noch ums Geldverdienen. Herr Gergen fehlt die Demut vor dem Beruf. Sorry für meine Ehrlichkeit. MuZ kann ja Teile entfernen wenn zu „ehrlich“. Er hätte wissen müssen, dass es in so kurzer Zeit nicht möglich ist. Er macht alles und nimmt alles an. Und dazu noch in der Symbiose mit dem Intendanten Arnold des Merziger Theaterzeltes, der das scheinbar so verlangt hat, auf Grund von Kostensenkungen.
Ein klares NEIN hätte genügt, denn so etwas in so kurzer Zeit zu inszenieren ist NIEMALS möglich. Outing: Mein Vater war bis zu seinem Tod Opernregisseur, daher habe ich ein wenig Einblick in den Backstagebereich.
Was dieser wirklich „einfachen“ und flachen Inszenierung die Kirsche auf die Torte setzt, ist die Orchestrierung und Dirigat von Marc Seitz. Auch da wieder: Sparen am falschen Platz. Wo sind die Fachleute? Wenn man etwas tun soll, dann bitte mit einer gewissen Qualität. Das „Orchester“ klingt wie drei Keyboards. Keine Dynamik im Dirigat. Es klingt wie eine schlechte Karaokeversion. Ich möchte allen Machern hier nicht zu Nahe treten und ich bin überzeugt, dass unter den richtigen Umständen auch etwas gutes dabei herauskommt aber so ist dieses Frank Wildhorn-Musical nicht mehr als eine Amateurproduktion im Deckmantel eines bekannten saarländischen Sommerfestivals mit hübschen Profisängern. Das reicht leider nicht. Fazit: Produktionsteam und Ensemble überzeugen leider - und mit gutem Willen - nur in kleinsten Ansätzen. Schade! Vertane Chance!

vonkrolockfan (2 Bewertungen, ∅ 3 Sterne)

Ein Sommernachtstraum

08.08.2021 - Die Schossfestspiele Ettlingen zeigen in diesem Jahr die Deutschland Premiere der Rodgers und Hammerstein Compilation Show A GRAND NIGHT FOR SINGING.

Die zauberhafte Geschichte ist ganz dicht an William Shakespeares "A Midsummer Nights Dream" angelehnt.
Im mystischen Umfeld eines Wasserschlosses treffen in einer magischen Nacht eine Reihe von flamboyanten, extravaganten Persönlichkeiten aufeinander. Das Beziehungskarussell beginnt sich im Takt der zeitlosen Kompositionen des Autoren-Komponisten Duos zu drehen.

Dabei stimmt nahezu alles. Begonnen bei der wunderbaren, vielseitigen, in allen Belangen großartigen Besetzung, über die Ausstattung mit malerischen Kostümen und einer faszinierenden, stimmungsvollen videotechnisch unterstützten Ausleuchtung des Schlossinnenhofes, bis zum perfekten Tondesign, das den glasklaren Klang von Stimmen und Instrumenten zum Genuß macht.
Man arbeitet in Ettlingen, wie eigentlich immer, mit einem relativ kleinen Klangkörper. Trotzdem -oder gerade deswegen- sind die intelligenten, stimmungsvollen Arrangements der Klassiker ein überraschender Glücksfall.

Einziger kleiner Wermutstropfen -wenn man so will- ist der literarische Spannungsbogen, der zum Ende hin durchaus etwas stringenter und dramatischer hätte ausfallen können.

Trotzdem ist A GRAND NIGHT FOR SINGING ein federleichtes, amüsantes und intelligentes Vergnügen.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Interessante Variante

07.08.2021 - Ich mag Jekyll & Hyde sehr und habe auch diverse Produktionen gesehen. Von den großen Ensuite-Produktionen bis hin zu Aufführungen von kleineren Theatern. So habe ich mich auch gefreut, dass das Stück letztes Jahr nach Merzig kommen sollte. Aufgrund der Pandemie kam es gestern endlich zur Premiere.

Merzig fällt durch zwei Punkte auf. Man setzt teilweise auf Stücke, die man so im deutschsprachigen Raum nicht kennt. So wurden die Addams Family und 9to5 als deutschsprachige Erstaufführungen auf die Bühne gebracht. Außerdem sind die Besetzungen oft herausragend. Beide Punkte wurden zwar in jüngster Zeit etwas vernachlässigt, aber das tut dem Ganzen keinen Abbruch.

In diesem Jahr kam man durch die Pandemie auf eine (wie ich finde) clevere Idee. Man hat die Zuschauertribüne aus dem Zelt gebracht und so eine neue Open-Air-Bühne geschaffen. Gerade die Bühne wirkt zunächst sehr provisorisch, aber als Gesamtbild während der Vorstellung passt das ganz wunderbar. Bei schlechtem Wetter verschiebt man die Bühne übrigens ins Zelt und spielt das Stück (halbszenisch) dort weiter.

Zum Stück! Schon beim Prolog war ich sehr erstaunt. Man spielt hier nicht die Stücke ab, wie man sie aus den hierzulande bekannten Produktionen kennt. Ich glaube, die Produktion orientiert sich an der ursprünglichen Version (?). Zu Beginn steigt beim instumentalen Teil eine Damenstimme ein. Das wirkt ganz hervorragend und war bei mir ein Gänsehautmoment. Sehr stimmungsvoll! Leider wurde dann der Text "In jedem von uns..." nicht von Jekyll, sondern von der ganzen Cast vorgetragen. Hatte etwas von gemeinsamen Lesen in der Grundschule und ich fand es einfach lächerlich bzw. fast schon zum fremdschämen. Damit war der Gänsehautmoment schnell wieder dahin.

Und weiter ging es auch für Kenner des Stückes mit viel Abwechslung. Songs wurden gestrichen, andere kamen hinzu und die Reihenfolge weicht teilweise auch erheblich vom Bekannten ab. Die Übersetzung ist auch nicht die bekannte Arbeit von Susanne Dengler. Die Arrangements sind auch teilweise stark verändert. Leider in meinen Augen aber nicht immer im positiven Sinne. Hier hätte man behutsamer vorgehen müssen, wenn z.B. als "Gefährliches Spiel" ein Tango wird oder das Duett von Lucy und Lisa mir zum ersten Mal gar nicht mehr gefiel. Schade.

Das Bühnenbild ist sehr spartanisch und besteht aus einer großen LED-Wand und zwei Balkonen davor. Wirkt auf den Bildern gar nicht einladend, aber auf der Bühne während der Show hat es mir doch sehr gut gefallen. Auch die Projektionen waren oftmals gut bis sehr gut gewählt, mit Ausrutschern. Wieso man gleich bei zwei Liedern das Meer zeigt und Henry und Lisa plötzlich die See unter sich haben, erschließt sich mir nicht. Völlig unpassend.

Das Highlight des Stückes war für mich (völlig überraschend in mehrfacher Hinsicht) "schafft die Männer ran". Lucy entblättert sich zu Beginn des Stückes und steht urplötzlich in durchsichtigem Body da. Bitte was?! Das war erst der Beginn, denn der Rest der Truppe kleidete sich mehr als originell und was dann auf der Bühne abging, war schon... sehr deutlich. Nennen wir es so. Das sorgte beim Publikum sichtlich für Verwunderung und nach und nach zu vielen kleinen Lachern. Ich fand gerade diese Szene sehr überraschend, aber sehr passend und vor allem durch Miriam Neumaier das Highlight der Show.

Mit Miriam Neumaier stand eine Lucy auf der Bühne, die eigentlich nur Cover sein sollte. Vasiliki Roussi, die immer noch als Lucy hier geführt wird, hat sich offenbar verletzt und kann auch in den nächsten Wochen nicht auftreten. Was mich im Vorfeld traurig stimmte (sie ist wirklich hervorragend), stellt aber in Merzig selten einen Kritikpunkt dar, da man eben die Darsteller oft sehr gut wählt. Kommen wir doch damit zur Cast:

Fabio Diso als Jekyll/Hyde. Hier haben wir leider schon den "Schwachpunkt" der Show in Form der Hauptrolle. Den Jekyll spielt er noch ganz gut, wenn auch oftmals zu leise und etwas schwach auf der Brust. Wenn er sich jedoch in Hyde verwandelt, so merkt man leider keinen Unterschied. Kein anderes Aussehen (der ganz simple "Haartrick" der bekannten Produktionen fehlt), keine andere Stimmlage (Hyde singt doch meist deutlich tiefer und aggressiver), allenfalls die Gestik ist etwas verändert. Ich habe das Gefühl, dass Fabian Diso die Stimmlage nicht tiefer legen kann. ´Dazu singt er auch als Hyde weiterhin eher leise und schwach. Somit fand ich ihn leider sehr, sehr enttäuschend und als Hyde offen gesagt schon ein No-Go.

Milica Jovanovic ist ja der vielleicht bekannteste Name und sie war auch schon in Dortmund in dieser Rolle zu sehen. Sie spielt die Rolle routiniert und es gibt kaum etwas an ihr auszusetzen.

Miriam Neumaier als Ersatz für Vasiliki Roussi war eine positive Überraschung. Ihre Stimme ist sehr gut, wunderbar facettenreich je nach Situation. Das Schauspiel fast noch besser. Wenn das nur die Coverbesetzung ist, Hut ab.

Der Rest der Truppe passte auch sehr gut, wie immer. Hier gibt es wirklich nichts zu beanstanden.

Wer das Stück wie ich mag und einmal eine andere Variante als die bisher bekannte sehen möchte (nicht nur in der Inszenierung), dem kann ich einen Besuch nur empfehlen. Wir hatten auch dieses Jahr wieder einen wundervollen Abend. Vor allem das Gesamtpaket mit der tollen Umgebung um die Zelte passt dort einfach.

Bei Fragen und Austausch stehe ich auch gerne per PM zur Verfügung, da ich das neue Forum aktuell nicht nutze. :)

sus70 (16 Bewertungen, ∅ 2.8 Sterne)

Sieben auf einen Streich

15.07.2021 - Letztes Jahr noch pandemiebedingt verschoben, erlebt DAS TAPFERE SCHNEIDERLEIN nun seine Erstaufführung.
Respekt für die Organisatoren und künstlerischen Leiter der Brüder Grimm Festspiele Hanau, die es Jahr für Jahr schaffen -sollte nicht gerade eine weltweite Seuche dazwischen kommen- eine Musical-Uraufführung auf beachtlichem Niveau zu stemmen.
Märchenmusical klingt sicher für viele etwas altbacken und kindgerecht. Dennoch versteht man es in Hanau, die Stoffe aus dem großen Grimm-Kosmos behutsam zu entstauben, mit aktuellen Sichtweisen oder Themen zu ergänzen und trotzdem ihnen ihren märchenhaften Charme zu lassen.
DAS TAPFERE SCHNEIDERLEIN hat einen frechen Comedy-Ansatz, überhöht und überzeichnet seine Protagonisten immer wieder gerne und erlaubt sich auch satirische Einblicke in die Befindlichkeiten dieses Landes. Da gibt es dann auch schon einmal lautstarkes Gelächter und Szeneapplaus, wenn die Absurdität des grassierenden Genderwahnsinns knackig auf den Punkt gebracht wird.
Die Inszenierung versteht es bestens, die große Bühne mit zwei Spielebenen und drei Drehelementen zu nutzen.
Die Optik ist bonbonbunt. Das passt zum respektlosen aber auch märchenhaften Konzept.
Die Choreografie von Bart DeClercq wirkt leider etwas statisch und erinnert oftmals eher an gut koordinierte Platzwechsel statt an Tanz.
Die Komposition von Marian Lux nimmt sich ausreichend Zeit um Charaktere und Emotionen zu beschreiben, hat in den Ensemble-Nummern aber auch gelungenes Musical-Entertainment zu bieten.

Der schöne und kurzweilige Abend im Schlosspark Hanau wird vom Publikum mit Standing Ovations honoriert.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Grandios

12.07.2021 - Wir waren gestern Abend in der Vorstellung. Wir haben das Stück mit dieser Vorstellung zum 3. Mal und in der 3 Inszenierung gesehen. Super umgesetzt, Darsteller alle super. HR. Borchert ist Dracula in berfektion. Grandios. Und endlich wieder live. Danke dafür. Bis auf die Texte hier müsste ich mich umgewohnen, die neuen sind etwas eingängiger. Wir haben den Abend sehr genossen und die Lichtstimmung hat ihr übrigens dazu beigetragen. Kostüme waren auch sehr toll. Keine Wünsche offen geblieben.

cstub (2 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Oh Gott! - Was für ein Spass

10.07.2021 - Nach fast 1,5 Jahren wieder eine Live Musicalaufführung zu erleben war ein unbeschreiblich schöner Augenblick. Nach Tagen des Regens und Wetterkapriolen wurde es zum Premierenabend in Schwäbisch Hall noch sonnig und es blieb trocken.

Ich mag Sister Act seit der ersten Aufführung in London und kenne die Shows aus Paris, Stuttgart, Oberhausen, Wien und München in der Originalinszenierung. Ich war gespannt wie das Open Air und mit wenig Bühnenbild funktioniert.

Die steilen Stufen vor St. Michael sind ja seit jeher die Bühne der Festspiele und das ist schon eine Herausforderung. Vor allem bei einem Ensemblestück wie Sister Act mit seinen schnellen Szenenwechseln, fetzigen Tanzszenen und Verfolgungsjagden.

Philipp Moschitz hat mit seinem Team die Show großartig auf die Bühne gebracht. Viele witzige Regieeinfälle, neue Ansätze, eine 12 köpfige Band und eine starke Cast tun ihr übriges.

SOUND

In Schwäbisch Hall genießt man perfektes Sounddesign was einen vergessen ließ draußen zu sein. Der Klang war so klar, die Textverständlichkeit so hoch und die Band perfekt abgemischt. Ein großes Lob.

DARSTELLER

Sister Act sehe ich als Ensemblestück mit einer starken Leading Lady und das ist Kristina Love von der ersten Minute an. Ihre Spielfreude, ihre Soulstimme und die Komik sind 1a. Ich durfte Sie schon in TINA erleben und fand ihre Phonetik hier in Schwäbisch Hall noch um ein vielfaches besser.

Kerstin Marie Mäkelburg ist eine grandiose Mutter Oberin. Mit ihrer ernsthaften Strenge und gleichzeitig liebenswerten Art begeistert sie auch mit starker Stimme und harmoniert sehr gut mit den jeweiligen Spielpartnern. Auch
Michaela Hanser als greise Mary Lazarus und Franziska Schuster als Mary Robert stechen aus dem hervorragenden Frauenensemble heraus. Witzig dabei: Die Nonnen haben nun teilweise neue Namen, was für allerlei Erheiterung beim "Abendmahl" sorgt. Ebenso kommt in der Inszenierung der Lokalkolorit nicht zu kurz in einer Szene in der die Ganoven TJ und Joey die Sehenswürdigkeiten der Stadt aufrufen. Darüberhinaus begeistert die weitere Cast mit toller Stimme, Spielfreude und unglaublicher Komik.

Entdeckung des Abends für mich war
Vic Anthony als Polizist Eddie. Seine tolle Stimme, seine Komik und das nicht ganz so trottelige Spiel (im Vergleich zur Originalversion) hat mir ausnehmend gut gefallen.

ANPASSUNGEN

Sister Act in Schwäbisch Hall wird ohne Pause gespielt was ich genial fand. Die Show beginnt um 20:30 Uhr und war kurz vor 23 Uhr zu Ende. Daher wurde Eddies Song um eine Strophe gekürzt, es gibt keinen Pablo (Ganoven) und der Song "Schütz die Show" und "Lass die Liebe rein" sind nicht mehr Bestandteil. Das tut dem Spass aber keinen Abbruch, wenngleich ich nach wie vor die Bar-Szene für entbehrlicher gehalten hätte (zu Gunsten von "Schütz die Show").

BÜHNE

Die Stufen vor St. Michael sind seitlich von LED Säulen gesäumt die schon bei Dämmerung eine Wirkung erzielen. Nach und nach werden dann die Leuchtletter OH GOTT! im Oberen Teil installiert und farbig illuminiert. Dazu kommt mit zunehmender Dunkelheit noch Glitzerfächer und eine farbig angestrahlte Fassade der Kirche. Sehr stimmig.

FAZIT:

Mit Sister Act hat man in Schwäbisch Hall einen richtig witzigen und fetzigen Sommerspass auf der Bühne. Eine pfiffige Inszenierung eines jungen Regisseurs mit genialen Einfällen, einer tollen Cast und einer hervorragend spielenden Band unter Heiko Lippmann.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Macht Spaß

27.06.2021 - Von Gaines Hall wunderbar auf der übergroßen Freilichtbühne in Szene gesetzt.und das ist nicht ganz einfach. Er verzichtet darauf Fosse zu kopieren und verläßt sich auf seine eigene Tanzsprache.. Das gelingt in den Ensemblenummern ganz prächtig. Seine Hauptdarstellerinnen kommen sehr sympathisch rüber. Große Tänzerinnen sind sie leider beide nicht, was besonders in der Schlussnummer auffällt. Aber Gaines Hall gelingt es, dies weitgehend zu kaschieren. Ein höchst vergnüglicher Abend. Auch Dank dem herrlich zynischen Bradley, dem aalglatten Franzen und der köstlichenLsrsen (wer hat eigentlich diesen schrecklichen grauen Kittel verbrochen?).

JürgenE (46 Bewertungen, ∅ 3.9 Sterne)

Was für eine Frau?!

03.01.2021 - Mein grundlegendes Problem mit diesem Stück ist seine Protagonistin. Ihr ausgesprochen anstrengender und enervierender Charakter ist eine Zumutung und Geduldsprobe. Diese Frau steht mit einem Bein im Kindergarten und mit dem anderen in der geschlossenen Psychiatrie.
Bis heute ist mir schleierhaft, dass ein Könner seines Faches, wie Neil Simon, der für das Buch verantwortlich zeichnet, die Geschichte nicht etwas spritziger, eleganter und kurzweiliger verfasst hat. Möglicherweise hat man sich ja der Vorlage von Federico Fellini zu stark verpflichtet gefühlt.

Die cool jazzige Komposition von Cy Coleman ist auf jeden Fall ein großer Pluspunkt und beinhaltet ein Reihe von Evergreens.

Auch die Volksoper Wien hat eigentlich alles richtig gemacht und an nichts gespart. Das Stück ist gut ausgestattet, knackig im Fossey Style choreografiert, aufwändig orchestriert und namenhaft besetzt. Caroline Frank, Axel Herrig, Peter Lesiak und Drew Sarich bieten makellose Leistungen.
Lisa Habermann in der Titelrolle ist enorm gefordert. Insbesondere im ersten Akt ist sie permanent präsent und muss rollenbedingt unter Strom stehen und leider oft genug einfach nur dumm Herumhampeln. Das macht sie mit bewundernswert viel Energie und Hingabe.
Trotzdem wirkt vieles auf mich -natürlich rollenbedingt- einfach nur sehr anstrengend.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Wunderbar

29.11.2020 - Es war wunderbar, nur hieß das Ganze: Singing Vampires, nicht Swinging Vampires :) Vorbei das auch toll wäre!

SatineEve (erste Bewertung)

Klassiker in aufwändiger Inszenierung

20.11.2020 - Großes Ensemble, großes Orchester, aufwändige Bühnentechnik, teure Kostüme!
Die Volksoper hat an nichts gespart um den vielgespielten Klassiker CABARET unter der Regie von Gil Mehmert auf die Bühne zu bringen.
Nicht zuletzt wegen diesem enormen Aufwand, muss man eingestehen, dass man sich vorzüglich unterhält.
Dazu trägt auch die nahezu schnörkellos klassische Inszenierung von Routinier Mehmert bei. Er hält sich mit ungewöhnlichen Ansätzen und eigenständigen Interpretationen weitgehend zurück. Auffällig ist allenfalls die vollkommen geschlechtslose Nosferatu ähnliche Optik des Conferenciers. In der gesanglich und tänzerisch makellosen Interpretation durch Ruth Brauer-Kvam bleibt dieses Ding (Mensch oder Charakter kann man es eigentlich nicht mehr nennen) ziemlich unscharf und nebulös.
Bettina Mönch zieht alle Register ihres enormen Könnens. Ihre Sally ist ebenso das billige Flittchen wie die tragische Heroin. Sie hat die stärksten emotionalen Momente des Abends.
Ganz dicht gefolgt von der -wie eigentlich immer- herausragend guten Dagmar Hellberg. Sie lotet die Rolle des Fräulein Schneider bis ins Detail aus -Respekt für ihre Berliner Schnauze) und adelt sie mit ihrer großen Stimme.

Wobei es natürlich viel zu kurz gegriffen wäre, wenn man ein Werk wie CABARET auf seinen Unterhaltungswert reduzieren würde.
Leider fehlen der Regie mitunter die passenden Bilder, um den Irrsinn und die Brutalität des aufziehenden und schon sehr präsenten Nationalsozialismus zu zeigen.
Insbesondere ist die Schlußszene, die aus viel Hin- und Herrennen und in die Länge gezogenen Monologen besteht, nicht besonders eindrucksvoll.

Unterm Strich überwiegt aber das Positive.
Absolut empfehlenswert!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Typisch Schmidt!

07.11.2020 - Großes Kompliment an die Kreativen der Schmidt Theater.
Noch während die großen Musicalhäuser und auch die meisten Stadt- und Staatstheater bewegungslos im Corona-Schock verharrten, ging man auf der Hamburger Reeperbahn schon mit pandemiekompatiblen Formaten an den Start. SCHMIDTS RITZ ist eines davon.

Als Musical kann man das Stück eigentlich nicht bezeichnen.
Es stellt eine etwas gewollt trashige und schräge Sensationsschau der 1920er Jahre dar. Comedy- und Gesangseinlagen werden mit Zauberei und Jonglage verbunden.
Zusammen mit den Vollblutt-Zirkusgäulen Carolin Spieß, Götz Fuhrmann und Elena Zvirbulis ergibt das vergnügliche und kurzweilige 90 Minuten.
Allein Veit Schäfermeier muss sich mit einem Charakter abmühen, dessen (scheinbar) einzige Komik darin besteht schwul zu sein. Das zündet leider nicht wirklich und kommt im Jahr 2020 auch etwas altbacken daher.
Die wenigen Lieder von Lingnau/Wohlgemuth sind hübsch, verflüchtigen sich aber sofort nach dem Hören wieder.

Großartig gelungen ist die Aus- und Umgestaltung des Schmidt Theaters. Selbst die Servicemitarbeiter sind passend in die plüschig glamouröse Variete-Atmosphäre integriert.
Das Hygiene-Konzept (auf und vor der Bühne) ist gut durchdacht.

SCHMIDTS RITZ ist ein gelungener und unterhaltsamer Theaterabend. Der Humor ist (eben typisch Schmidt) mitunter etwas derb. Mit großer Spielfreude agieren die Darsteller gesanglich und schauspielerisch stark.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Wunderbares Konzerterlebnis in Corona-Zeiten

27.10.2020 - Endlich wieder eine Bühne! Endlich wieder Musicalmusik! Balsam für die Seele war der sehr gelungene "The Piano Man"- Abend von und mit Thomas Borchert. Mit viel Herzblut hat er wunderschöne Musicalmelodien und Popsongs gesungen, nicht zu vergessen seine schönen Eigenkompositionen. Thomas Borchert und der Flügel sind eine Einheit, es ist ein Genuss. Die Location war sehr passend, ein intimes, persönliches Ambiente - man hat sich sehr wohlgefühlt und in diesen Corona-Zeiten auch sehr sicher. Das Publikum hat sich super an die Hygienevorschriften gehalten. Meine persönlichen Highlights des Abends waren die Eröffnung mit der unstillbaren Gier, der Piano Man, Dies ist die Stunde, 36 Häuser und sein wunderschöner Song The Best Of Goodbyes. Ich hoffe sehr, dass solch ein herrlicher Musical-Abend bald wiederholt werden kann!

sandy-girl (2 Bewertungen, ∅ 4.5 Sterne)

Kalauer, tolle Stimmen und viel Schmäh

27.10.2020 - Wesentlich mehr gibt es über ROCK MY SOUL auch nicht zu sagen.

Der Handlungsfaden der Geschichte ist hauchdünn: Multikulti-Gesangsgruppe wird gecastet, hat Erfolg, trennt sich, feiert Revival, Ende.

Das große Plus der Show sind die stimmstarken Darsteller. Andy Lee Lang, Vincent Bueno, Conny Mooswalder, Tertia Botha und Reinwald Kranner geben Vollgas und rocken in schrill schräger Kostümierung das Metropol.

Alle erweisen sich auch als ausgezeichnete Schauspieler und Komödianten. Die Kalauerdichte ist sehr hoch. Trotzdem wird es niemals peinlich oder unangenehm.

ROCK MY SOUL wird als "70er-Jahre-Musical" beworben. Das Stück spielt aber in den sehr frühen 70er Jahren, daher erscheint die Optik und Musikauswahl (Compilation plus ein paar unauffällige Neukompositionen) eher die späten 60er zu reflektieren.

ROCK MY SOUL ist eine weitgehend unterhaltsame Musical Comedy, die von den großartigen Darstellern veredelt wird.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Gelungene coronakonforme Inszenierung!

09.10.2020 - In diesen Zeiten ist jede Musicalinszenierung Gold wert. Umso schöner, wenn die Inszenierung dann noch so wunderbar umgesetzt ist, dass man trotz Abstand auf der Bühne und pausenloser, gekürzter Fassung einen wunderbaren Abend verbringen kann. 1,50 Stunde beste Sondheim-Unterhaltung mit einer kleinen Länge und zwischenzeitlich etwas unpräzisen Timing in den Comedy-Momenten. Trotzdem sehenswert und eine Wohltat nach so einer langen Theaterpause.

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

...packendes und kreatives Musiktheater auch unter Corona-Bedingungen!

29.09.2020 - Roxie Hart ist ihre Ehe mit dem soliden aber unscheinbaren Amos überdrüssig und stürzt sich in Affären. Als ihr Liebhaber Fred Casely sie abservieren will, greift sie zum Colt und schießt ihn über den Haufen. Denn: Eine Roxie Hart verlässt man(n) nicht so einfach. Eine Roxie Hart ist ein Mädchen mit Ambitionen. Sie will die große Show auf einer noch größeren Bühne, so wie ihr Idol Velma Kelly, die sie prompt im Frauenknast kennenlernt. Velma wartet auf ihren Prozess: Sie hat ihren Ehemann im Bett mit ihrer Schwester erwischt und in einem Anfall von geistiger Unzurechnungsfähigkeit (ihre Verteidigungsstrategie vor Gericht) beide kurzerhand getötet. Nun wartet sie im Gefängnis unter der eisernen Führung von Mama Morton auf ihre Verhandlung. Die Presse ist begeistert von den mörderischen Mädels: Besonders Klatschkolumnistin Mary Sunshine bringt immer neue haarsträubende Enthüllungen, die ihr von Staranwalt Billy Flynn charmant-skrupellos in die Feder diktiert werden. Geschickt manipuliert er die Presse und prägt so die öffentliche Meinung. Das Ergebnis: Velma und Roxie werden freigesprochen und starten gemeinsam eine fulminante Karriere auf der Vaudeville-Bühne.

Musical in Zeiten von Corona: Geht das überhaupt? Blechernd klingt das Orchester aus den Boxen. Roxie liegt in ihrem Bett, wartet auf ihren Liebhaber und träumt von ihren Idol Velma Kelly, die plötzlich aus dem Schrank hüpft und gemeinsam mit drei Tänzern zu „All That Jazz“ Roxie und ihren Lover umtanzt. Statt großer Shownummer sah dies für mich eher nach Kammerspiel aus. Statt mit einem grandiosen „BÄHM!“ begann die Show mit einem verhaltenen „Pling!“. Ich stellte mir ängstlich die Frage „Geht das nun so weiter?“.

Nein! Es ging nicht so weiter! Erst der Mord an Fred Casely ermöglicht es Roxie, der Enge ihrer kleinen, unbedeutenden Welt zu entfliehen. Und so öffnet sich die Bühne wie die Büchse der Pandora und präsentiert das Spiel um Mord, Korruption und Manipulation: Spätestens beim „Cell Block Tango“ hatte ich sie, meine große Show!

Musical in Zeiten von Corona: Geht das überhaupt? Ja, es geht, und dazu auch noch ganz großartig! Selten griffen die Künste von Regie, Choreografie, Bühne und Kostüm so ineinander wie in dieser Inszenierung. Regisseur Felix Seiler machte aus der Not eine Tugend und zauberte aus den vorgegebenen 90 Minuten Spielzeit ohne Pause eine straffe Inszenierung, in der ein Highlight vom nächsten Highlight abgelöst wird. Fein differenziert zeigte sich seine Personenführung und überraschte mit ungewöhnlichen und witzigen Ideen. Großes Lob: Trotz Kürzung bzw. Straffung der Handlung hatte ich nicht das Gefühl, dass mir wesentliche Inhalte gefehlt hätten. Andrea Danae Kingston bot eine kreative und anspruchsvolle Choreografie und sorgt so – trotz Abstandsregelung – für abwechslungsreiche Bewegungsabläufe. Seiler und Kingston scheinen ein eingespieltes Team zu sein: Häufig war nicht nachvollziehbar, wo die Regie aufhörte und die Choreografie begann. Das Bühnenbild von Hartmut Schörghofer schafft stimmige Spielebenen und unterstützt die vorgegebene Distanz zwischen den Darstellern ohne an Atmosphäre einzubüßen. Die ansprechenden Kostüme von Julia Schnittger glänzen im 20er-Jahre-Look mit einem Touch Modernität.

Vier von den sechs Hauptrollen sind mit Musical-Profis besetzt: Valentina Inzko Fink gibt das naive Blondchen Roxie Hart mit einer gehörigen Prise Durchtriebenheit. Die Velma Kelly von Jasmin Eberl trieft vor ordinärem Selbstbewusstsein, lässt durchaus hinter der taffen Fassade Verletzlichkeit durchschimmern. Beide Ladies punkten mit grandiosen Stimmen, tänzerischem Können und einer Menge Sex-Appeal. Frank Winkels als Billy Flynn ist ein absoluter WoMenizer (

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Endlich!

25.09.2020 - Endlich wieder Theater und endlich wieder K.Mehrling.
Es war so toll nach der langen Durststrecke endlich wieder eine Liveshow zu erleben. Katharine Mehrling wie immer großartig mit ihrer Hommage an Judy Garland, deren Lieder sie toll interpretiert ohne sie zu kopieren.
Die Band war ein Genuß und sehr gefallen hat mir die Interaktion zwischen Musikern und Sängerin über alle Plexiglasgrenzen hinweg.
Es gab ungewohnt viel Platz im Tipi und ein sehr gutes Hygienekonzept.
Einziger Wermuthstropfen, der Applaus klingt etwas dünn wegen der geringen Anzahl von Zuschauern (auch wenn der Abend sehr gut besucht war). Das wurde dann mit Standing Ovations wett gemacht.

Charlotte (56 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Hervorragend gelöst

24.09.2020 - Für diese schwere Zeit eine Meisterleistung....Corona verbannt das Orchester ins off, die Akteure auf Abstand und das ganze Stück auf 90 Minuten. Was hinter der Maske dann herauskam war eine Meisterleistung, Chapeau für alle Beteiligten hinter, neben und auf der Bühne.

Katibossi123 (erste Bewertung)

Konsequent mit Brüchen

18.09.2020 - Das Ein-Personen-Musical TELL ME ON A SUNDAY scheint das perfekte Musical für die momentan eingeschränkten Möglichkeiten eines Theaters zu sein.
Das Stück steht allerdings schon mehrere Spielzeiten auf dem Spielplan des Pfalztheaters Kaiserslautern.

Das vierzig Jahre alte Musical wurde konsequent in die Gegenwart versetzt.
Smartphones und selbst Alltagsmasken wurden integriert.

Leider lassen Buch, Text und Inszenierung die Protagonistin nicht wirklich glaubhaft oder sympathisch werden.
Das rotzige Girlie (die Kostüme sind einfach unterirdisch und kontraproduktiv) hüpft von einer Beziehung zur nächsten, scheitert letztendlich und findet erwartungsgemäß zu sich selbst.
Die vielseitige Adrienn Cunka lotet die Facetten und Veränderungen gekonnt aus, kommt aber selten gegen das wenig stimmige Gesamtkonzept an. Mitunter sind die Gefühlsaufwallungen viel zu groß und zu dramatisch, mitunter ist die Figur einfach zu flippig, rotzig, burschikos. Wenig sinnvoll ist es, dass immer wieder in eine klassische Stimmführung gewechselt wird. Ein richtiger Zugang zum Charakter fehlt.

Eine fünfköpfige Band bearbeitet mit Hingabe und Mühe den Popscore.

Vielleicht nicht der perfekte Theaterabend, aber nach der langen Pause ein schöner Einstand.
Dank an das Pfalztheater, alle Künstler und freundlichen Mitarbeiter!
Schön, dass ihr wieder spielt!

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Ein toller Abend mit viel Schlager und einer tollen Story voll Witz und Charm

04.08.2020 - Am 25.07. War ich zur vorletzten Vorstellung von " Tausendmal berührt" auf der Küchwaldbühne. Die Location war wirklich sehr schön und man hatte einen ausgezeichneten Blick auf die Bühne trotz letzter Reihe war die Sicht sehr gut.

Das Musical selbst war sehr gut und passend für einen lauschigen Sommerabend mit viel Witz und Charm , mit tollen bekannten Schlagertitel in einen modernen Arrangement.

Zu den Highlights gehörten:

Fiesta Mexicana
I will Survive
Du hast den Farbfilm vergessen mein Michael
Ein Stern

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Eine Gala mit den größten Hits der Musical Legende

19.06.2020 - Am 17.02.2019 schaute ich mir die Tour 2018/2019 von " Der großen Andrew Lloyd Webber Gala" in der Stadthalle Chemnitz an. Natürlich war mir klar dass es kein Musical in dem Sinne sein würde sondern " Eine "Best of Show" und nichts anderes war die Show auch. Mir hAtte es Mega mässig gefallen, es war für jeden Geschmack etwas dabei, tolle Songs und auch super Tanzeinlagen. Auch wenn die Sänger und Sängerinnen jetzt keine Weltstars der Musical - Szene oder von einzelnen Musicals bekannt wahren wahren die Gesangsleistungen auf einen Top Niveau. Auf jeden Fall hat der Abend bei mir den Wunsch erweckt, neben Starlight Express ( was echt super war) noch weitere Andrew Lloyd Webber Musicals in Zukunft anzuschauen ( mal sehen wann es klappt)

Zu meinen Highlights gehören:

" I don't know how to love him " , "Gethsemane " und Jesus Christ Superstar" aus Jesus Christ Superstar

Memory aus Cats

"Think of me", "Music of the Night " und " The Phantom of the Opera " aus Phantom of the Opera

Don't cry for me Argentina aus Evita

Und natürlich : " Pumping Iron, Light at the End of the Tunnel und Starlight Express" aus Starlight Express

Und ich hatte auch in der Show einen Moment wo ich mir dachte , ich sollte mich mal mehr und besser mit einem Musical - Komponisten beschäftigen, da ich zum Beispiel nicht wusste dass der 90 - ziger Jahre Welthit No matter what von Boyzone eigentlich auch von Webber geschrieben wurde also hatte ich da etwas neues dazu gelernt 😊.

Auf jeden Fall war es ein sehr schöner und lehrreicher Abend der mir absolut sehr gefallen hatte.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Es grün't so grün , wenn Spaniens Blüten blüh'n

17.06.2020 - Am 1. November 2019 hatte ich mir zum 2. Mal My Fair Lady im Opernhaus Chemnitz angeschaut und ich war mehr als begeistert.

Super Bühnenbild und sehr talentierte Darsteller die allesamt bis auf Sylvia Schramm - Heilfort ,eine Legende bei den Theatern Chemnitz,als Mrs. Pearce, neu waren. Sylvia Schramm - Heilfort hatte wieder einmal bewiesen dass sie zurecht ein Arrangement im Opernhaus hat, sie spielte , wie ihre anderen Rollen vorher auch ( z.B. Ms. Sherman in Fame Das Musical , oder eben Eliza ) mit sehr starken Ausdruck und viel Liebe zum Detail und Gefühl einfach eine grandiose Darstellerin die Alles spielen kann.

Aber auch die neuen Darsteller/-innen waren einfach grandios in ihren Rollen.

Allen voran natürlich die zu den Zeitpunkt neue Eliza -Franziska Krötenheerdt: hat den Charakter Glaubwürdigkeit und sehr viel Gefühl , Witz und Humor verleiht einfach alles was man von einer Eliza erwartet und ihre Stimme war echt Ausdrucksstark und sehr gut und zur Rolle passend. Sie schaffte es Songs wie " Wart's nur ab Henry Higgins, wart's nur ab, Es grün't so grün , wenn Spaniens Blüten blüh'n , Währe das nicht wunderscheen oder Ich hätt getanzt heut Nacht " genau die richtige Stimmung und Gefühle gegeben. Auch einfach grandios.

Zu den Highlights gehören für mich , natürlich: Ach währe das nicht Wunderscheen,Ich hätt getanzt heut Nacht, Wart's nur ab Henry Higgins, wart's nur ab , Es grün't so grün wenn Spaniens Blüten blüh'n, aber auch Mit nen kleen Stückchen Glück und Bring mich pünktlich zum Altar.

My Fair Lady gehört zurecht zu den Musical Klassikern die gute Laune verbreiten, Spaß machen beim zuschauen und die Charaktere sind absolut liebenswert und mit viel Herzblut konzipiert. Somit verlässt man die Vorstellung mit guter Laune und sehr vielen Ohrwürmer in den Gehörgänge die auch lange danach anhalten. Ich kann das Musical nur empfehlen.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Kein Disney aber trotzdem schön mal etwas anderes.

17.06.2020 - Dafür das es kein Disney Musical ist war das Musical Die Schöne und das Biest" sehr schön und man hat auch bestimmte Charaktere sofort wieder erkannt vom Film ( Gustav war eindeutig Gaston vom feinsten😁😄). Belle ,oder da es ja eine komplett deutschsprachige Inszenierung war, Bella war einfach nur Zauberhaft und genauso geduldig wie ihr Disney Pendant. Und das Biest war sehr schön wütend frustriert und voll Schmerz. Mein Highlight wahren aber Bella's Schwestern Ilse und Grete einfach grandios überzeichnet und sehr schön zickig 😂😅. Kurz um mir hatte der Musical - Abend sehr gut gefallen.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Eine Show die dem Original mit viel Liebe zum Detail würdigt

17.06.2020 - Anfang 2019 hatte ich die Gelegenheit genutzt und mir die Thriller Live - Tour in der Stadthalle Chemnitz anzuschauen und es war eine sehr ausgefeilte und in allen Punkten perfekte Show. Natürlich ist es kein Musical sondern eine "Tribute - Show" aber eine die das " Prädikat : Geniestreich" mehr als verdient. Das Publikum wird dank der Sänger und Tänzer in die Karriere von Michael Jackson wirklich perfekt eingeführt und es wurde sich auch die Zeit genommen die Geschichte dieses einzigartigen Ausnahme- Künstlers zu erzählen. Eine Weltklasse Show mit Weltklasse Sängern und einer Sängerin und Tänzern. Da hatte man das Gefühl man währe in einen der legendären Konzerte des einzig wahren " King of Pop"

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Die Flashdance Tour in Chemnitz

16.06.2020 - Ende Januar diesen Jahres gastierte die Flashdance - Tour in meiner Heimat Chemnitz für 2 Tage in der Stadthalle , da ich leider die Spielzeit in unserem Opernhaus verpasst hatte , war ich umso gespannter auf die Inszenierung und wurde nicht enttäuscht. Die Story fande ich schon im Film sehr gut, eben der klassische "American - Dream, die Cast war sensationell sowohl stimmlich als auch tänzerisch absolut beeindruckend und dafür dass der Großteil des BühnenBilds hauptsächlich Projektionen war sah es total echt aus. Es war ein wunderschöner und absoluter gelungener Musicalabend und hoffentlich kommt mal wieder eine Produktion von Flashdance nach Chemnitz, da werde ich mir das Musical sehr gerne noch ein 2. Mal anschauen.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Das Kultmusical überhaupt

15.06.2020 - Auch ich hatte die Chance genutzt um mir Starlight Express anzusehen und war absolut begeistert bei meinem Besuch in November 2017, absolut grandiose Leistung was die sehr gute und talentierte Cast auf den Bühnen Abend für Abend und an den Wochenenden auch in den Matinee - Shows leisten. Es mag vielleicht sein dass die Story im Vergleich zu anderen Musical's etwas mini mal ist aber durch die Effekte und der Musik von Sir Andrew Lloyd Webber mit "Ohrwurmgarantie ist es ein großer Spaß für Jung und Alt . Ich freue mich schon auf meinen 2. Besuch im Starlight Express , da ich die Version zum 30.jährigen Jubiläum noch nicht gesehen habe , was ich nach den super ErlebnisJahr 2017 gerne nochmal nachholen möchte und sage bis bald wieder in Bochum beim Kultmusical im wunderschönen Starlight Theater.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Ein Hauch von Afrika

15.06.2020 - Bei meinen 1. London- Besuch 2017 schaute ich mir neben Wicked auch noch The Lion King im Lyceum Theater an da der Film König der Löwen zu meinen Lieblingsfilmen als Kind galt.

So hatte der Besuch in The Lion King Musical einen sehr hohen Nostalgie - Wert und ich wurde nicht enttäuscht schon alleine die große Eingangsszene mit The Circle of Life , mit den Einzug der Tiere war absolut atemberaubend. Die komplette Cast war einfach sensationell und hatten ihre Rollen regelrecht gelebt natürlich darf auch nicht die großartige Musik von Sir Elton John , Tim Rice in Zusammenarbeit mit Lebo M vergessen werden. Zu meinen persönlichen Highlights zählen aus den Film natürlich : The Circle of Life, Be Prepared , I just can't wait to be King und natürlich Hakuna Matatta, aber auch für die Bühnen Version geschriebene Songs wie Shadowland und Endless Night. The Lion King ist ein Erlebnis was man sich eigentlich nicht entgehen lassen sollte, meiner Meinung nach.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Einfach magisches Erlebnis

15.06.2020 - Ich hatte das Glück Wicked schon 2 Mal zu sehen ( 2017 und 2019) und ich war jedesmal wieder geflasht von der Leistung der Cast , dem Bühnenbild, der Effekte und generell den ganzen Ambiente im Apollo Victoria. Desweiteren bietet Wicked auch tolle und großartigen Musik von Stephen Schwartz,

mit Highlights wie: The Wizard and I, Dancing Through Life, Popular, No good Deed und natürlich das Mega mäßige und immer wieder hammermäßige Defying Gravity.

Wicked ist absolut wärmstens zu empfehlen für jeden Musical Fan der / die sich für einen London - und West End Trip entscheidet.

Musicalangel87 (13 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Grandios und bewegend

15.06.2020 - Sterbehilfe, ein aktuelles Thema.
Durch „ Wenn Rosenblätter fallen“ wird das schwierige Problem der aktiven und passiven Sterbehilfe in unser Bewusstsein gebracht.
Diese Stück eignet sich auch hervorragend als Diskussionsgrundlage für die Oberstufen.
Die beeindruckende schauspielerischen und gesangliche Leistungen der drei Akteure fesseln, begeistern und werten das Musical zu einem „ muss ich gesehen haben Stück“ auf.

Sternenkämpfer (erste Bewertung)

...einer meiner schönsten Musical-Momente, den ich bisher erleben durfte!

24.05.2020 - Es gab…

…kein schwebendes Kindermädchen, keinen herabstürzenden Kronleuchter, keinen fliegenden Teppich,…

…keine Modernisierung, kein Regie-Schnickschnack, keine spektakuläre Bühnentechnik,…

…und trotzdem saß ich rundum glücklich im Zuschauerraum, habe gelacht und geweint und fühlte meine Seele gestreichelt.

Das Ohnsorg Theater brachte in der Regie von Frank Thannhäuser diesen Musical-Klassiker zum Glänzen…

…in einem wandlungsfähigen und liebevoll-detailreichen Bühnenbild incl. traumhafter Kostüme,…

…mit der plattdeutschen Sprache, die sich harmonisch in die Dialoge und um die Songtexte schmiegte,

…und dank eines wunderbaren und perfekt aufeinander eingespielten Ensembles (angeführt von der einzigartigen Sandra Keck in der Titel-Rolle, komplettiert mit den Talenten von Till Huster, Christian Richard Bauer, Christin Deuker, Markus Gillich, Tanja Bahmani, Beate Kiupel u.v.m. ), das uns DAS zeigte, was in mancher großen Produktion leider allzu oft hinter der Perfektion verschwindet – ganz viel HERZ! 💖

Wir haben das Theater mit einem wohligen Gefühl im Bauch und mit einem Lied auf den Lippen verlassen – beglückt, beseelt und überreichlich beschenkt!

Vielen, herzlichen Dank!

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

...nach wie vor ein Highlight!

24.05.2020 - Orkantief „Sabine“ fegte über Deutschland, somit auch über das Zelt-Theater im Hamburger Hafen und brachte die Lampenkonstruktion an der Decke des Foyers zum Schwingen. Wir saßen dort voller Vorfreude und erwarteten den Beginn der Vorstellung. 10 Jahre waren seit unserem letzten Besuch vergangen: 10 Jahre, in denen so viel passiert ist…! Das Leben hat sich verändert, vielmehr mein/ unser Leben hat sich verändert. Hier im Hamburger Theater im Hafen war auf einer beruhigenden Art alles beim Alten, und doch wieder aufregend neu…!

Die Schamanin Rafiki lässt ihren Ruf ertönen, die Sonne geht über der Steppe auf und die ersten Tiere erscheinen auf der Weite der Bühne. Mein Mann und ich sitzen gebannt nebeneinander, halten uns an den Händen, und Tränen rinnen über unsere Wangen. Für uns war und ist dies die emotionalste Eröffnungsszene, die wir je live auf einer Bühne erleben durften. Regisseurin Julie Taymor hat mit dieser Bühnenfassung des Disney-Filmklassikers eine Großtat vollbracht. Bei bisher keinem anderen Musical habe ich so deutlich die Handschrift einer einzelnen Künstlerin gespürt. Mutig hat sie den Film aus seinem Korsett befreit und der Geschichte für die Bühne eine neue Identität verpasst. Mit klassischen Bühnentricks und -effekten, mit dem Spiel von Perspektiven, dem Einsatz von Masken und der Kunst des Puppenspiels erschuf sie die Welt der Savanne zu neuem Leben,…

…und das weltweite Publikum staunt und strömt nun schon seit Jahrzehnten in die Vorstellungen: Seit über 18 Jahren begeistert der König der Löwen in Hamburg seine Zuschauer, und so stehen dort seit über 18 Jahren Abend für Abend talentierte Künstler*innen auf der Bühne und buhlen um die Gunst der Menschen im Auditorium.

Rafiki war bei Thulisile Thusi in besten Händen: Stimmgewaltig eröffnete sie die Show und stattete die Rolle mit Wärme, Weisheit und einem Hauch Verrücktheit aus. Mhlekazi Mosiea war zwar ein eher schmächtiger Mufasa, zeigte im Zusammenspiel mit seinem Bühnensohn aber sehr viel Herzlichkeit und berührte mit einem gefühlvoll gesungenem „Sie leben hier“. Die Puppe des Haushofmeisters Zazu wurde durch Joachim Benoit kunstvoll zu Leben erweckt, der diesen hyperaktiven Vogel geschickt mit sehr viel Situationskomik bedachte. Der Scar von Stefan Voigt war durchaus gemein und böse, wurde von ihm eher beiläufig gespielt. Gemeinsam mit seinen drei dusseligen Untergebenen, den Hyänen Shenzi, Banzai und Ed – dargestellt von Germaine Wilson, Simon Phezani Gwala und Sean Gerard, kam aber auch der Humor nicht zu kurz. Um die Sympathien der Zuschauer mussten sich Tobias Korinth als Timon und S’Thembiso Keith Mashiane als Pumba keine Sorgen machen: Beide Rollen sind per se dankbare Publikumslieblinge, das von den Darstellern auch gekonnt genutzt wurde. Gugu Zulu war eine aparte Nala und interpretierte mit warmer Stimme „Schattenland“. Simba wurde von Hope Main als ein vitaler, kraftstrotzender Jungspund porträtiert, der mit einem rührenden „Endlose Nacht“ auch Tiefe zeigte und gemeinsam mit Gugu Zulu ein entzückendes Leading-Paar bot. Für die meisten Darsteller*innen in diesem internationalen Cast ist Deutsch nicht die Muttersprache, und trotzdem überzeugten sie mit einer sehr deutlichen Aussprache. Viele Künstler der sprechenden Zunft sollten sich daran ein Beispiel nehmen, da vernuschelte Sätze gerade sehr hipp zu sein scheinen. Meinen größten Respekt haben bei solchen Produktionen immer die Kinder-Darsteller: Johnny als junger Simba und Loa als junge Nala waren absolut bezaubernd und meisterten ihre jeweiligen Parts mit einer immensen Spielfreude.

Zusammen mit großartigen Tänzern und Sängern, deren scheinbar unerschöpfliche Dynamik auf uns übersprang, boten die Künstler eine perfekte Show, die trotz aller Perfektion nicht routiniert wirkte sondern eine energetische Frische ausstrahlte – eine Leistung, die nach über 18 Jahren Open End an einem Standort nicht unbedingt selbstverständlich ist und somit meine Hochachtung verdient.

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

...packende Inszenierung!

24.05.2020 - Bombastisch wie eine Welle rollt die Musik vom Philharmonischen Orchester unter dem dynamischen Dirigat von Davide Perniceni aus dem Graben Richtung Publikum. Der Chor eröffnet mit einem dramatischen Sopran-Solo, und schon sind wir mitten im Intrigenspiel rund um den jungen Seemann Edmond Dantès, das im Original vom Romancier Alexandre Dumas erdacht wurde.

Eine schändlichen Intrige von Fernand Mondego, Gérard von Villefort und dem Baron Danglars, die alle selbstsüchtig aus persönlichen Beweggründen (Begierde, politisches Kalkül, Geldgier) agieren, trennt Edmond Dantè von seiner Angebeteten Mercédès. Er wird unschuldig zu lebenslanger Haft im Kerker Château d’If verurteilt. Mit der Hilfe seines Mitgefangenen, dem alten Abbé Faria gelingt ihm nach 14 Jahren die Flucht. Der sterbende Abbé verrät ihm das Versteck eines sagenhaften Schatzes auf der Insel Monte Christo. Ein Piratenschiff unter der Führung der Kapitänin Luisa Vampa bringt ihn dorthin. Mit einer neuen Identität als wohlhabender Graf von Monte Christo kehrt Dantè in seine Heimat zurück, um zu erkennen, dass seine große Liebe Mercédès mit seinem Widersacher Fernand Mondego unglücklich verheiratet ist. Deren gemeinsamer Sohn Albert steht kurz vor der Verlobung mit der reizenden Valentine. Die Freundschaft mit ihm nutzt der Graf von Monte Christo um sich seinen Widersachern zu nähern. Sein Spiel aus Rache und Richten beginnt…!

Komponist Frank Wildhorn hat sich im Laufe der Jahrzehnte einen Namen mit der Vertonung klassischer Stoffe (Jekyll & Hyde, The Scarlet Pimpernel, Cyrano de Bergerac, Carmen, Bonnie & Clyde) gemacht. Sein kompositorischer Stil passt auch hervorragend zu diesen Sujets und bietet eine Mischung aus symphonischen Klang und üppigen Chorsätzen, filmischen Underscore und emotionalen Balladen. Dabei liefert er immer wieder eine effektvolle Musik, die der Handlung durchaus dient, aber leider auch innerhalb seiner Werke austauschbar erscheint. Trotz aller Gefälligkeit gibt es kaum Melodien, die länger im Ohr bleiben. Auch in Bremerhaven ist er kein Unbekannter: In der Saison 2016/17 zeigte das Stadttheater eine moderne Inszenierung von „Dracula“ mit Anna Preckeler als Mina, Maximilian Mann als Jonathan Harker und Christian Alexander Müller in der Titelrolle.

Regisseur Felix Seiler bietet mit Bühnenbildner Hartmut Schörghofer dem Publikum eine sensationelle Inszenierung. Seiler lotet mit seinem Ensemble die Beziehungen der Protagonisten zueinander aus und kreierte so eine dichte Inszenierung mit einer überzeugenden Personenführung. Er erlaubte sich den Spaß und versteckte kleine „Easter Eggs“ aus Film (Titanic) und Musical (The Phantom oft he Opera) in die Handlung (Zumindest war ich der Meinung, diese dort entdeckt zu haben!).

Vikrant Subramanian überzeugte in der Titelrolle mit klassischem Bariton, den er musical-like zurücknahm, um so mit flexibler Stimme zu glänzen. Auch darstellerisch hat er sich in den letzten Jahren zu einem „Leading Man“ des Hauses gemausert. Sein Widersacher Fernand Mondego wurde von Marco Vassalli beinah unangenehm schmierig verkörpert: In seinem dunkel-gefärbten Bariton schwang immer ein gehöriges Maß an Gefährlichkeit mit. Anna Preckeler glänzte als Gast (nach Dracula) wieder in einem Wildhorn-Musical, sei es als junge leidenschaftliche Frau oder als ältere verzweifelte Mutter, und bot auch gesanglich große Momente. Die größte Überraschung präsentierte allerdings Victoria Kunze in der Doppelrolle Luisa Vampa/ Valentine: Während sie die Piratenkapitänin rollendeckend robust-vulgär mit einem Hang zur Komik anlegte, gestaltete sie die Rolle der Valentine sehr zart mit lyrischem Sopran und emotionalem Spiel.

Seiler versteht es nicht nur seine Protagonisten sondern auch den Opernchor geschickt zu führen. Selten habe ich den Chor so spielfreudig und variabel erlebt. Mein besonderes Lob gilt hierbei den Damen, die nicht nur als Piratinnen und Ladies der feinen Gesellschaft gefielen: Auch als „Mädchen der Nacht“ waren sie ungewohnt kokett-frivol! Das Ballett des Hauses zeigte in der Choreografie von Andrea Danae Kingston sein Können und war weit mehr als „nur“ schmückendes Beiwerk, während Jean-Loup Fourure für die Einstudierung der rasanten Fechtchoreografie verantwortlich war.

Ein weiterer „Hauptdarsteller“ war das Bühnenbild von Hartmut Schörghofer: Er schafft auf der variablen Drehbühne immer wieder neue Spielebenen, arbeitet mit dem Wechsel der Perspektiven, bei denen auch Licht und Schatten eine besondere Bedeutung spielten, und nutzt alle Möglichkeiten der Bühnentechnik. Auf der rechten Bühnenseite wurden mit Hilfe von Vorhängen, Versatzstücken und dem geschickten Einsatz von Projektionen die unterschiedlichen Handlungsorte dargestellt. Die linke Bühnenseite sowie die spiralförmig ansteigende Drehbühne erschienen dagegen wie aus Stein: Auf der Drehbühne führten lange Kreidestriche in verschiedene Richtungen und wirkten wie Verbindungen innerhalb eines Beziehungsgefüges bzw. einer Figurenkonstellation. Die linke Wand war dafür übersät mit vielen kleinen Strichen, die die Tage/ Monate/ Jahre symbolisieren sollten, die Edmond Dantè in Château d’If verbrachte.

Es war erstaunlich und eine Freude zu erleben, wie sich aus allen Einzelteilen dieser Inszenierung ein großes, fulminantes Ganzes formte. Das Stadttheater Bremerhaven hat (wieder) nachdrücklich bewiesen, dass durchaus auch ein kleines Haus in der Lage ist, seinem Publikum exzellente Musical-Unterhaltung zu bieten.

Henry Higgins (12 Bewertungen, ∅ 4.3 Sterne)

Großes Kino! Großartiges Theater!

22.03.2020 - Das Pfalztheater Kaiserslautern ist ein mittelgroßes Stadttheater am Rande des Pfälzerwaldes. Das sollte man schon miteinbeziehen, wenn man eine Produktion dieses Hauses beurteilt.
Aktuell zeigt man auch Andrew Lloyd Webbers SUNSET BOULEVARD.
Auch wenn sich die Inszenierung die eine oder andere "Freiheit" herausnimmt, konnte sie mich in ihrer Gesamtkonzeption überzeugen und begeistern.

SUNSET BOULEVARD steht und fällt natürlich immer auch mit seiner Norma Desmond. In Kaiserslautern musste das natürlich Astrid Vosberg sein. Zum Glück! Ihre starke Bühnenpräsenz, ihr ausdrucksstarker Gesang und ihr intensives Schauspiel suchen ihresgleichen. Dennis Weißert, Adrienn Cunka und Daniel Böhm als Joe, Betty und Max sind ebenfalls trefflich gut und überzeugend besetzt.

Die Ausstattung in Kombination mit einem wunderbar atmosphärischen Lichtdesign ist ebenfalls rundum gut gelungen.
Authentisch perfekt und glamourös verschwenderisch ist das Kostümbild für Ensemble, Chor und Statisterie. Verbunden mit einer ausgesprochen energetischen Choreografie bieten diese Menschenmassen auf der Bühne außerordentlich eindrucksvolle Bilder und Szenen.
Das groß besetzte Orchester ist schlichtweg ein Traum für diese dramatische Partitur. Andrew Lloyd Webbers Komposition erstrahlt mitreißend in all ihren vielseitigen Klangfarben.

Tilmann Gerschs Regie verfremdet das Stück niemals. Der klar strukturierte Handlungsablauf entfernt sich niemals von der Originalinszenierung oder der Filmvorlage. Allerdings kann man auch eine Individualität und Handschrift des Regisseurs erkennen. So wird z.B. in einigen Sequenzen -mehr ist es wirklich nicht- ein an Pantomime erinnernder Bewegungsablauf choreografiert. So sehen Joes Eröffnungsauftritt oder die Autoverfolgungsjagd etwas anders aus, als man sie kennt oder erwartet. Darüber kann man jetzt trefflich diskutieren, was es zu bedeuten hat oder ob es das Stück verbessert. Jedoch kann Kürze dieser Sequenzen keinen negativen Gesamteindruck der Produktion rechtfertigen.
Wesentlich auffälliger ist die erkennbare Veränderung des Max von Mayerling Charakters. Zwar großartig von Daniel Böhm gesungen, wird er von der Inszenierung doch eher in die Rolle des komischen, leicht trotteligen Faktotums gerückt. Die ganz eigene und düstere Dramatik dieser Rolle leidet leider darunter. Wobei man allerdings auch anmerken muss, dass SUNSET BOULEVARD von seiner Grundkonzeption schon durchaus auch komödiantische Elemente hat. "The Lady´s Paying" oder "Eternal Youth is Worth a Little Suffering" sollen amüsieren. Gersch hat das nun in seiner Regie noch weiter ausgebaut. Das finde ich persönlich unglücklich und nicht nötig. Aber da Max nicht das Stück trägt, kann auch hier nicht der gute Gesamteindruck zerstört werden, der im ausverkauften Haus vom begeisterten Publikum lange und lautstark beklatscht wird.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Tolle Songs und Humor

10.03.2020 - Für mich war absolut neu, dass man so tolle große Songs auch mal mit Humor kombinieren kann. Angelika Milster wie immer mit Wahnsinnsstimme (auch als Schauspielerin super!)und Navina Heyne als echte Überraschung. Sie ist total perfekt in dieser Rolle, vor allem als Stimmduo mit Manfred Stecher. Auch alle anderen - z.B. Patrik Fichte und der singende Butler (!) sind mega. Ich werde im April nochmal zu meinem Geburtstag mit Freunden gehen, so gut hats mir gefallen. Jemand vom Theater sagte, dass das Musical auch demnächst in England gespielt wird. Wäre logisch.

Delphine72 (erste Bewertung)

Echt nicht gut!

05.03.2020 -

Fiyero (47 Bewertungen, ∅ 3.3 Sterne)

Billige Neuproduktion, Vorsicht!

04.03.2020 - Dieses Musical von Weber (nicht Webber!) ist auf dem Niveau einer Mallorca Hotelshow, oder ich schließe mich an, einer Schulaufführung. Die Kostüme sind lieblos, die Darsteller schlecht oder gar nicht geschminkt, die Frisuren furchtbar, Gesang z.T. ganz gut, z.T. aber laienhaft, die Kulisse, soweit vorhanden, aus einfachsten Mitteln (im Wesentlichen 2 Stellwände, ein Schminktisch und 2 Leuchter bis zur ersten Pause. Es hat nichts mit dem bekannten Phantom der Oper von A.L.Webber zu tun, dessen Melodien jeder kennt. Es ist komplett neu komponiert, mit Liedtexten "wie das Phantom-tom-Tom", und "Halali Halali". Das "große Orchester" sitzt mit auf der Bühne, man sieht nur den Dirigenten und einige Streicher, irgendwo muss auch die Heim-Orgel stehen, so klingt es jedenfalls.Viele sind bei der Aufführung in Hamburg im Februar wie wir in der Pause gegangen, völlig entsetzt, so viel Geld für eine Billigproduktion ausgegeben zu haben. Muss man das ahnen, dass es Nachmacher gibt, die mit offenbar wenig Geld eine Produktion auf die Beine stellen und durch die Lande ziehen, immer an einem neuen Ort, wo keiner die Kritiken gelesen hat? Was für eine Enttäuschung!

Scrollan (erste Bewertung)

Beitrag vom 02.03.2020 gesperrt

Sunsetfreak (erste Bewertung)

Kasperltheater

02.03.2020 - Was hatte ich mich auf diesen Abend gefreut. Ich liebe das Stück und freue mich immer, wenn ich es in einer neuen Inszenierung erleben darf. Mir war auch bewusst, dass es sich mit Kaiserslautern um kein sehr großes Stadttheater handelt und ich keineswegs eine Aufführung wie in Niedernhausen erleben darf. Was dann passierte, damit hätte ich niemals gerechnet.

Kasperltheater dürfte die Aufführung ganz gut beschreiben. Es setzt die Ouvertüre ein, welche ich liebe. Kraftvoll, ein Gänsehautmoment, welcher mich immer für einen kurzen Moment an die großartige Originalinszenierung denken lässt. Doch schon nach wenigen Sekunden schaut Kasperl um die Ecke und grinst. Was war das denn bitte? Dann hüpft er auf die Bühne, tanzt und springt umher, zieht Grimassen und albert herum.

WHAT THE F...????? Wie kann man auch nur ansatzweise auf die Idee kommen, diese großartige Partitur mit solch einer völlig albernen und völlig unpassenden Hampelei zu ruinieren? Doch das sollte erst der Anfang sein. Ständig kamen überschwängliche Gesten, völlig fehl am Platz und zum fremdschämen. Sei es der gehbehinderte Butler, welcher beim Cocktail-Mixen überschwängliche Bewegungen machte (und das Publikum lachte noch dazu) oder immer wieder die riiiesigen Gesten von Joe und Betty. Bei der Verfolgungsjagd standen Joe mit einem Lenkrad und die beiden Herren mit einem Lenkrad nebeneinander, in Tippenschritten schwankten sie nach rechts und links, während einer der Verfolger ab und zu seinen Schlagstock nach vorn stupste. Ich hätte heulen können, auch dieses Instrumentalstück war somit eine weitere Lachnummer.

Einziger Lichtblick dieser Lachnummer: Die drei Hauptdarsteller waren gesanglich alle gut bis sehr gut. Und sie konnten ja nichts dafür, was sie da auf der Bühne an Peinlichkeiten vorführen mussten. Allen voran war Dennis Weißert ganz hervorragend, tolle Stimme, wunderbarer Einsatz. Adrienn Cunka hat mir auch sehr gut gefallen. Tolle Stimme, sie erinnerte mich sehr an eine "bekannte" Darstellerin, ich komme leider nicht auf den Namen. Uns unsere Norma, Astrid Vosberg, hat mich auch ganz gut gefallen. Sie hat die Rolle recht ruppig angelegt, passte zu ihr.

Liebes Pfalztheater: Gab es bei dieser Inszenierung tatsächlich einen Regisseur? Wenn ja, war er auch anwesend? Wenn ja, wieso hat man ihn nicht sofort entlassen als man sah, was er da anrichtete? Setzen, 6!

sus70 (16 Bewertungen, ∅ 2.8 Sterne)

Es hätte was daraus werden können

01.03.2020 - Wahrscheinlich würde es unter den Punkt Regietheater fallen, was man da auf der Bühne sah. Es machte nur den Eindruck, als wäre größtenteils kein Regisseur anwesend gewesen.

Somit gehe ich hier wenig bis gar nicht auf die Darsteller ein. Das sie es können, blitzte immer in kleinen Momenten auf, wie in den allerletzten Minuten des ersten Aktes.

Sunset Boulevard hat nun mal ein recht ruhiges, stimmungsvolles Intro. Joe Gillis lugt hinter dem Theatermull hervor. Hüpft grotesk über die Bühne. Zappelt ein wenig umher. Und während man überlegt was das soll, dämmert einem, es soll wahrscheinlich an übertriebene Gestik aus der Stummfilmzeit erinnern. Passt das ganze zusammen. Nein, wird auch nie stringent durchgezogen (dem Himmel sei gedankt). Das gezappelt taucht jedoch ab und an wieder auf. Gerade wenn Joe alleine auf der Bühne erzählt oder im ersten Abgang (hier auch mega unpassendes gehampelt) mit Betty Schaefer.
Max, der in langsamen Tippelschritten lief, mixte zweimal wie ein Hampelmann Cocktails. Wieso nur? Zudem es weder in die Stimmung der Erzählung, noch zur Figur des Max passte.

Beste Szene im Kontext Regie. Joe singt gerade wie leer es im Haus ist und das nie jemand vorbei schaut. In diesem Moment, nein, genau in dieser Sekunde laufen zwei Bühnenarbeiter auf die Bühne und schieben das Gold überzogene Ikea Kramfors Sofa samt Joe ein Stück in die Mitte.

Beim Song Sunset Boulevard hat man so viel Ballet auf die Bühne gepackt, ich hatte ganz vergessen, das da noch jemand singt. Fiel mir dann wieder auf, als man Joe trug, über die Schultern abrollen lies und er logischerweise da nicht mehr richtig singen konnte. Tolle Idee für ein Musical wo es ein wenig auf das Singen ankommt.

Ist es ein Spoiler der jetzt kommt? Bei der Silvester Szene lies man Norma und Max die Klimax Szene auf dem Hubpodium durchspielen. Also alles was sich Norma antut sah man. Während unten das das Ensemble wirklich großartig inklusive Ballett agierte, schaute man dann doch nur nach oben. Dennoch, als dann Joe auf Norma traf, war es emotional. Da merkte man, dass man gute Darsteller auf der Bühne hat.

Beim Orchester hatte ich das Gefühl das die Bläser einfach vor sich hin tuteten. Als hätte eine Blaskapelle das Stück für sich entdeckt und führt es auf dem Dorffest auf. Gerade bei Lets have Lunch waren sehr viele laute schiefe Töne drin. Insgesamt war der Ton nicht rund und teilweise kam der Gesang der Darsteller mangels guter Abmischung nicht im Saal an.

Mit den Darstellern, der Lösung des Bühnenbildes und den Kostümen hat man in Kaiserslautern das Material, eine gute Sunset Boulevard Inszenierung auf die Bühne zu stellen. Ich persönlich war durch die Dinge, die da gerade am Anfang auf der Bühne passierten so abgelenkt, das ich nie in das Stück irgendwie eintauchen konnte oder mitgenommen wurde. Gerade den nicht zum Ensemble gehörenden Dennis Weißert mag ich hier auch hervor heben. Ein sehr guter Joe Gillis. Wäre da nicht das Gezappel.

TazMA (36 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Durchwachsen

27.02.2020 - Das Stück ist keine leicht Kost, wenn man die Stimmen in der Pause so hört, und damit haben sie auch recht.

Schön inszeniert, mit tollen Einfällen und dem Kniff das ganze in Dresden spielen zulassen. Schöne Bilder mit Vorhängen, Filmen und teils wenig Kulissen.

Die neue Übersetzung gefällt auch.

Allerdings hat man bei der Besetzung ein bisschen zu sehr den Jugendwahn der heutigen Zeit nachgehechelt.
Die Damen sind fast durch die Bank viel zu jung besetzt.
Als Phillis spielt und singt Franziska Becker gewohnt bissig, aber lässt leider das Gefühl an vielen Stellen vermissen.
Sally dargestellt von der großartigen Frederike Haas, bleibt total hinter ihrem Können, und sieht mit der Perücke aus wie ein Abklatsch von Bernadette Peters von der Broadway Inszenierung. Ihr "Ich verlier den Verstand" wirkt leider sehr kühl.

Gefühl ist das große Manko dieser Aufführung. Manchmal zu sehr gewollt, dann wieder gar nicht.
Viele verpasste Chancen.

Die Männer bleiben daneben sehr blass.

Das Highlight der Show ist Spieglein Spieglein ( Mirror Mirror ) im ersten Teil mit viel Schwung und einer Stefanie Dietrich in Hochform mit abschließendem Spagat. Wirklich toll und ein absoluter Showstopper.

Der Loveland Block zum Schluss ist auch hier leider wieder ein Fremdkörper, der einfach nur genutzt wird um ein bisschen zu zeigen, was die Bühne und das Ballett kann. Aber es fehlt der Anschluss an das Stück.

Bravo für den Mut solch ein Stück zu zeigen!
Sondheim Liebhaber werden es mögen, Andere bedingt, wie viele ältere Herrschaften am Abend, die etwas verwirrt nach der Show an der Garderobe nicht wußten, was das jetzt eigentlich war.

KristinP (78 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Es werden Wunder wahr ...

26.02.2020 - Fast 23 Jahre nach dem Trickfilm hat es die Story nun als Musical auf die riesige Bühne des Londoner Dominiontheater geschafft. Zurecht!

Ich war in der glücklichen Lage die 1. und 3. Preview des Stückes im ausverkauften Theater mit Scott Schwartz zu erleben und bin noch heute über die Maßen beeindruckt.

DIE BÜHNE

Die Bühne ist stufenartig auf 4 Ebenen leicht ansteigend und hat als zentrales Element eine Mittelbühne die sich heben und senken kann. Darin integriert ein Hubpodium bzw. Öffnung (Brunnen...). Diese zentrale Mittelfläche ähnelt dem Ausriss einer Landkarte und dort findet das hauptsächliche Geschehen statt.

Die Rückwand der riesigen Bühne wird von einer LED Wand bestimmt, die aber anders als z.B. bei Anastasia nicht im Fokus steht. Oft nur angedeutet sind Illustrationen zu sehen die Orte andeuten.

Das Ensemble schleppt während der knapp 3h Aufführung mehrmals Steinquader hin und her, um Säulenhallen zu bauen bzw. die Arbeit der hebräischen Sklaven zu illustrieren.

Scott Schwartz setzt in seinem Regiekonzept ähnlich wie bei seiner "Glöckner-Inszenierung" auf Menschen als Kulisse und nutzt so das Ensemble von Anfang an als Bühne und Bühnenelement.

So etwa die Reise des Weidenkörbchens mit dem kleinen Moses über den Nil, die Illustration von den ärmlichen Unterkünften der Hebräer oder die Säulenhalle im Palast. Selbst der brennende Dornbusch wird durch Menschen dargestellt. Sehr eindrucksvoll.

DIE REGIE

Dazu kommen eine reihe ganz bewegender Regieeinfälle die das Bild unterstützen. So etwa bei den 10 Plagen als die Erstgeborenen sterben. Eben noch tragen die Ägypterinnen ihre Babys auf dem Arm sind diese in einem Atemzug ein einfaches weißes Tuch das über die von den Hebräern behauenen Ziegelsteine gelegt wird. Am Ende ein nicht enden wollendes Meer an weißen Gräbern.

Die optische Umsetzung der Show wird umrahmt von einem stimmigen Lichtkonzept und Mappingelementen.

Das gesamte Bühnenportal ist bis weit in den Rang mit Fadengardinen versehen, die wellenartig zugeschnitten sind und in mehreren Schichten übereinander hängen. Schon beim Betreten des Saales unglaublich beeindruckend.

Im Verlauf des Stücks wird auf diese Vorhänge einiges projiziert. Besonders eindrucksvoll gelingt dies bei der Befreiung des Volkes Gottes vom Roten Meer. Überall ziehen sich diese Vorhänge zu und werden mit Wasserprojektionen illuminiert. Dann öffnet sich eine Flucht und das Ensemble kann über die Bühnenkante in den Saal in die Freiheit ziehen.

Die nachfolgenden Ägypter stehen zwischen den Wasserwänden und müssen erleben, wie das Rote Meer sich schließt. Am Ende kippt die zentrale Spielfläche nach oben und die Soldaten rutschen in den Orchestergraben.

KOSTÜME & LICHT

Neben der Ausstattung und vielen Effekten (die aber nie im Vordergrund stehen) sind die Kostüme von Ann Hould-Ward (Disneys Die Schöne und das Biest) eine Augenweide.

Dazu ein stimmiges Licht und ein genialer Sound.

MUSIK

Dieser Sound bringt zudem eine der besten Kompositionen zu Gehör die ich seit längerem gehört habe. Klar enthält das Musical die wichtigsten Songs aus dem Film. Dazu gehört die Eröffnungsnummer "Erlöse uns" wie das fröhliche "Du kannst es nur vom Himmel sehen" und das oscarprämierte "Es werden Wunder wahr"... "When you belive".

Daneben hat Stephen Schwartz aber zahlreiche neue Songs geschrieben die sich sehr gut einfügen und durch verbindende Elemente einen Bogen zur Partitur des Films spannen. Hervorzuheben hier ein Solo von Moses "Fußspuren im Sand" oder zwei schöne Duette zwischen Moses und Ramses bzw. Moses und seiner Frau.

Eine Art instrumentales Underscoring ist sogar schon im Foyer zu hören, sodass man richtig eingestimmt wird.

CHOREOGRAPHIE

Fesselnde Tanzszenen mit akrobatisch anmutenden Tanzschritten runden den Abend ab. Dazu eine geniale Cast die man nur bewundern kann. Selbst in den ersten Previews wurde hier eine Qualität geboten, da wirkte nichts aufgesagt oder steif. Das war bemerkenswert.

FAZIT

Am Ende schon nach Show 1 und 3 ein Fazit: unbedingt hingehen und erleben. Die Show ist ein Hit!

Die ursprünglich auf 32 Wochen geplante Spielzeit wurde nun schon um weitere 7 Wochen verlängert.

Zudem bleibt zu wünschen, dass man diese Show bald auch in dieser Inszenierung in Deutschland erleben kann.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Sehr schön!

25.02.2020 - Es war ein gelungener Abend mit Judith Caspari in der Hauptrolle. Sie machte es wunderbar. Meine Familie und ich waren begeistert.

engel83 (3 Bewertungen, ∅ 4.7 Sterne)

Freuen uns auf München

25.02.2020 - Gerade Misha Kovar in Schwäbisch Gmünd gesehen, wurden die Tickets schon für München bestellt. Ich und meine Familie freuen uns schon sehr auf diesen Abend.

engel83 (3 Bewertungen, ∅ 4.7 Sterne)

Und sie tat es wieder

25.02.2020 - Eingesprungen anstatt der erkrankten Tina Haas bei der Premiere ***** Ich vergebe 5 Stars

Wahnsinn was Misha Kovar hier geleistet hat. Ich kenne die Inszenierungen von Füssen und Fulda, da ich das Musical dort jeweils gesehen habe. Füssen war schon der Ober-Hammer von Misha Kovar.
Wenn es noch auf deutschen Bühnen so eine Qualität gibt, dann ist es Frau Kovar. Sie brilliert als Johanna mit einer packenden Echtheit und einer klasse Stimme & Belt. Emotionen, Gänsehaut pur. Gerold, Dennis Henschel verkörperte den Gerold perfekt. Stimmlich grandios. Die Liebesszene mit dem Titel Wehrlos kauft man den beiden zu 100% ab. Marioza wurde von Michaela Schober super umgesetzt. Eine tolle Verkörperung mit super Stimme. Als Aeskolapius stand Kevin Karte auf der Bühne. Er hat es super gemacht, jedoch gefällt er mir besser als Rabanus :)

Es war ein gelungenes Wochenende in Schwäbisch Gmünd. Hut ab, was hier auf die Bühne gezaubert worden ist. Danke für diesen Abend

engel83 (3 Bewertungen, ∅ 4.7 Sterne)

Große Show und unerwartete, hinreißende Protagonisten

25.02.2020 - Ich dachte wirklich, mit der Inszenierung im Tipi am Kanzleramt in Berlin hätte ich das ultimative "Cabaret" gesehen.
Doch die Version im Hamburger Hansa Theater ist sozusagen "die Alternative zum Ultimativen":
Liegt der Reiz in Berlin auch darin, die Show sozusagen am "Originalschauplatz" erleben zu dürfen, verdichtet das alt-ehrwürdige Varieté-Theater in Hamburg die Atmosphäre dadurch, dass man sich faktisch in einem Saal befindet, der mit seinen Tischlämpchen und Kellner-Ruf-Buttons wirklich der besagte Kit-Kat-Club im Berlin der Zwanziger Jahre sein könnte.
Die Szenen, die im Auditorium des Clubs spielen, werden somit auch wirklich dort ausgetragen, so unter anderem das Kennenlernem zwischen Cliff Bradshaw und Sally Bowles.
Man ist praktisch immer mitten im Geschehen, noch mehr sogar als im Tipi.
Es gibt einen leicht anderen Fokus als in Berlin, eine teilweise andere Anordnung der Songplazierung und dadurch folglich auch andere Höhepunkte.
Eröffnet wird das Ganze nach der Ouvertüre mit einer schlauen Stummfilmeinspielung, die Cliffs Zugreise in die Hauptstadt und das damit verbundene erste Zusammentreffen mit Ernst Ludwig zeigt.
Und dann betritt ER die Szene:
Chansonier Tim Fischer, der praktisch geboren wurde, um diese Rolle zu spielen.
Immer mystisch-undurchschaubarer Herr der Lage führt er als Mephisto und Zeremonienmeister durch das Geschehen.
Wie erwartet Weltklasse und ganz in der Tradition von Joel Grey.
Ihm zur Seite stehen 6 hervorragende Tänzer*innen, die jedem einzelnen Kit-Kat-Girl/Boy ein charakteristisches Eigenleben einhauchen.
Mitreißend choreografiert strahlen dann auch die Szenen im Club als wunderbare Showstopper, jede für sich einzigartig.
Die eigentlichen Stars der Show sind aber nicht ausschließlich Fischer und die Tänzer*innen, sondern, wie in der Urversion weitab vom Minelli-Glamour, das alte Liebespaar:
Die legendäre Ilona Schulz ("Linie 1") spielt Fräulein Schneider rührend leise-zurückhaltend und sieht dabei aus wie die Oma von Tweetie-Bird aus den Cartoons.
Ihr zur Seite steht Peter Franke als jüdischer Obsthändler Herr Schulz, der tatsächlich (ob es am Namen liegen mag...?) spielt, wie ein niedlicher Peter Frankenfeld.
Beide können sogar richtig gut singen, was für diese Rollen außergewöhnlich ist.
Und so werden ihre Szenen und Duette zu wahren Kleinoden, die ständige, aufrichtige Rührung hervorrufen.
Aus dem Publikum ist nicht nur einmal ein verzücktes "Ooooch..." zu hören.
Man lacht und leidet mit den beiden.
So sehr, dass dabei das meist als zentrale Figuren inszenierte Paar eher in den Hintergrund gerät:
Cliff Bradshaw sieht verdammt gut aus und ist auch sympathisch, damit endet aber praktisch schon die Tiefe der Rolle in dieser Inszenierung.
Sally Bowles ist mit Schauspielerin Anneke Schwabe sehr gut besetzt, sie charakterisiert die verlorene Frau, die ständig am Rande des Vulkans tanzt, höchst eindrücklich. Gesanglich lässt sie, obwohl hörbar keine ausgebildete Sängerin, keine Wünsche offen und bedient alle großen Hits der Show adäquat, auch wieder im Ursinne des Charakters:
Als mittelmäßige, abgehalfterte Nachtclubsängerin.
Großartig ist auch Holger Dexne als Ernst Ludwig, der zunächst jovial-witzig-kumpelhaft etabliert wird, um sich dann in enormer Fallhöhe am Ende des ersten Aktes als fanatischer Nazi zu outen.
Begleitet wird das packende Geschehen von einer 6-köpfigen Live-Band unter der Leitung von Matthias Stötzel, die den ganzen Abend über ordentlich Druck macht und so die Showszenen befeuert, aber auch ganz elegant alle leisen Töne beherrscht.
Ulrich Waller ist unter dem deutlich sichtbaren Einfluss von Kim Duddy eine fesselnde "Cabaret"-Version gelungen, die sowohl den Fokus auf schillernde Show und im krassen Gegensatz auf Identifikation mit den wirklich relevanten Protagonisten legt.
Für mich bisher Deutschlands MUST-SEE-Theater des Jahres!
Auf nach Hamburg in den Kit-Kat-Club!

AdamPascal (67 Bewertungen, ∅ 4.2 Sterne)

Umwerfendes Drama mit Suchtfaktor

17.02.2020 - Dieses Stück hat alles was ein Musical für mich benötigt. tolle und sinnige Story, Drama, Verwicklungen und ne Liebesstory. Hier wird auch noch Humor dazugemischt. Die Lieder modern, popig und einfühlsam. Dazu die tollen Stimmen (Robert V., Hannes St., Thomas H.) möchte ich hier hervorheben. Sie spielen sehr überzeugend und singen fantatisch gut, da kann man sich nur zurücklehnen und genießen.
Ich ziehe vor allen den Hut (inkl. Cast - alle Mitwirkinden im Hintergrund)
Bitte mehr von solch tollen Stücken :)

cstub (2 Bewertungen, ∅ 5 Sterne)

Enttäuschung auf ganzer Linie

15.02.2020 - Kaum Ähnlichkeit zum Original. Andere Lieder, stark veränderte, deutlich langweiligere Story, Sänger trafen teilweise die Töne nicht, Rollen waren fehlbesetzt (Phantom fehlt jegliche mystische Ausstrahlung). Das Bühnenbild war ebenso eine Enttäuschung. Die gesamte Veranstaltung hatte für mich eher den Charakter einer etwas besseren Schulaufführung und war damit maßlos überteuert. Mehrere Zuschauer verließen die Halle während der Aufführung.

Jellyfish (erste Bewertung)

Emotionsarm

12.02.2020 - Das MARGUERITE am Saarländischen Staatstheater in Saarbrücken nicht wirklich überzeugen kann, liegt sicher nicht an der Musik des großen Michel Legrand. Seine Komposition ist reich an Melodien, Stilistiken und Emotion.

Was dieses Musical zum Stolpern bringt, ist seine dramaturgische Aufbereitung.
Die tragisch dramatische Geschichte findet in Buch und Text keine entsprechende Aufbereitung. Die Beweggründe und Charakter der Protagonisten, insbesondere natürlich der Titelheldin, bleiben weitgehend im Dunkeln, werden bestenfalls angedeutet.

Die Regie und die Ausstattung verstärken diesen oftmals tristen Eindruck. Das muss man sich auch erst einmal trauen, ein derart monochromes Einerlei auf die Bühne zu stellen: vor einer schwarzen Wand kommen wahlweise ein schwarzer Vorhang, schwarze Stühle oder ein schwarzer Flügel zum Einsatz. Weder die weitgehend unauffälligen Kostüme noch das fragwürdige Lichtdesign, das die Darsteller mehrfach regelrecht im Dunkel stehen lässt, können dies verbessern und hinterlassen den Eindruck einer allenfalls halbszenischen Inszenierung.

An den Darstellern liegt es sicherlich nicht, dass diese deutsche Erstaufführung nur wenig begeistern kann. Katja Reichert und Julian Culemann agieren absolut souverän und ragen rollenbedingt hervor.

Das dramatische und historisch relevante Potenzial der Geschichte wird von der Musik aufgegriffen, von Buch und Inszenierung aber weitgehend verschenkt.

kevin (202 Bewertungen, ∅ 3.4 Sterne)

Toller Gesang

10.02.2020 - Hier steht ganz klar die Musik im Vordergrund. Ich dachte WWRY ist eines der Highlights eines schlechten Buches, aber es geht noch schlechter.Das Buch und die Sprech-Texte sind auf Groschenromanniveau.
Dafür macht der Cast mit seinem großartigen Gesang dieses Manko wieder wett. Die Ensembleleistung ist toll, alle singen auf gleich hohem Niveau. Bei den Damen haben wir Frau Haas gesehen.
Die Band spielt großartig und geniesst ihre Soli.
Wer Queen mag, sollte ich das Stück nicht entgehen lassen. Wir hatten einen sehr schönen Abend.

Charlotte (56 Bewertungen, ∅ 3.6 Sterne)

Berührende Theatermomente

08.02.2020 - Das sagt alles zu dieser fantastischen Neuinszenierung mit einem super stimmigen Bühnenbild.

Im Neu renovierten Sondheim Theater konnte ich die neue Show mit kompletter First Cast erleben und bin noch immer ganz ergriffen. Trotz Platz in der letzten Reihe (Mitte) im 2. Rang eine fantastische Sicht. Zur Zeit der Buchung noch 27 Pfund, inzwischen wohl aufgrund der guten Sicht auf 48 Pfund unter der Woche und bis zu ?? am Wochenende erhöht. !

Nichts desto trotz, die Show bietet eine vielzahl an Gänsehautmomenten, tollen Songs einem super abgestimmten Ton und einer ganz wunderbaren Cast.

Besonders einzelne Bilder fand ich sehr bewegend. So zum Bsp. die weinennden Mütter die ihre Grablichter abstellen bevor Marius sein "Dunkles Schweigen ... " singt. Dann kommen seinen toten Freunde und heben diese Grablichter auf und heben das Glas...

Sehr berührend auch Carrie Hope Fletcher als Fantine. Die Originalinszenierung war mir zu statisch. Oft die Bühne zu dunkel und leer. Viele freie Inszenierungen hatten da schon tolle Lösungen gefunden und hier nun in dieser Version (die auch tourt) schließt sich der Kreis. Ganz großes Theater.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Nettes Familienmusical mit guter Musik

08.02.2020 - Während meiner aktuellen Musicalreise an die Themse stand diesmal (kurz vor der Derniere am 1.3.) auch School of Rock auf dem Plan.

Ich hatte die CD nur einmal gehört und den Film glaube ich 2003 (am Nachmittag vor ELISABETH in Essen) gesehen.

Die Story ist ja ganz nett aber auch nichts besonderes. Was die Show besonders macht sind die 12 Kids die ganz Klasse interagieren und vor allem richtige Rocker sind. Die beherrschen die Instrumende - Toll.

Die Musik von Andrew Lloyd Webber reicht von klassischen Musicalballaden hin zu Anleihen an Evita bis hin zu unüberhörbaren Melodien aus Whistle down the Wind.

Ich hatte einen unterhaltsamen Nachmittag und dank der NewYearsSale für 20 Pfund in den Stalls einen sehr guten Platz.

mrmusical (92 Bewertungen, ∅ 3.8 Sterne)

Anything can happen ...

04.02.2020 - 15 Jahre nach dem Erstbesuch in London, und vielen Showbesuchen in Wien und Stuttgart stand nun die neue Inszenierung im Prince Edward auf dem Plan.

Montagabend, first Cast und eine beeindruckende 88j. Petula Clark als Vogelfrau. Zizi Strallen und Charlie Stemp sind ganz wundervoll. Die Kinder beeindruckend im Spiel.

Im Vergleich zu Wien/Stuttgart ist die Effektdichte in der Küchenszene nochmal höher. Zudem in der Parkszene mehr Statuen und insg. oft ein riesiges Ensemble in den Szenen.

Zudem wurde die Spielzeugszene verändert. Es kommen keine Würfel mit den Spielsachen mehr zum Vorschein. Stattdessen ein riesiger Kasperle mit großen Händen, der das Kinderzimmer anhebt. Im Vergleich zur ersten Londoner Version (mit Temper, Temper) wieder etwas gruseliger als zuletzt.

Die Show ist bunt, unterhaltsam und hat ne tolle Botschaft. Entertainment at its best.

Frenetischer Applaus in einem ausverkauften Haus war der verdiente Lohn.