Hercules (seit 06/2025)
Theatre Royal Drury Lane, London

Mit der Londoner Fassung von „Hercules“ legt Disney eine deutlich überarbeitete Version seines 90er-Jahre-Kultfilms als Musical vor – und liefert dabei eine straffere, klarer strukturierte Inszenierung als noch in der Hamburger Produktion. Die Story wurde auf zwei Stunden gekürzt und wird nun fokussierter erzählt, die Übergänge zwischen den Szenen wirken stimmiger und dramaturgisch sauberer gesetzt. Auch visuell legt die West-End-Variante zu: Die Puppen – darunter die vielköpfige Hydra – sind eindrucksvoller integriert und überzeugender eingesetzt. Herausragend ist zudem Luke Brady in der Titelrolle, der mit starker Bühnenpräsenz und stimmlicher Präzision eine glaubwürdige Heldenreise auf die Bühne bringt. Allerdings berührt auch in London die Show zu wenig, um zu den ‚Großen‘ zu gehören.

Das Musical erzählt die bekannte Geschichte des jungen Hercules, Sohn von Zeus und Hera, der als Säugling durch eine Intrige seines finsteren Onkels Hades seine göttliche Unsterblichkeit verliert und unter Menschen aufwächst. Als junger Mann entdeckt er seine wahre Herkunft und setzt alles daran, ein echter Held zu werden, um sich seinen Platz auf dem Olymp zurückzuerobern. Unterstützt wird er dabei vom mürrischen Trainer Phil, während die sarkastischen Musen als musikalische Erzählerinnen fungieren. Auf seinem Weg muss Hercules nicht nur eine vielköpfige Hydra bezwingen, sondern sich auch seiner eigenen Unsicherheit stellen – und der charmant-widerständigen Meg, die ganz eigene Gründe hat, ihm nicht zu trauen. Die Geschichte ist eine Mischung aus antikem Mythos, Disney-Witz und Heldensaga, die den Spagat zwischen Götterdrama und Popkomödie wagt.

Musikalisch wie schauspielerisch überzeugt das Ensemble durchweg: Luke Brady verkörpert Hercules mit kraftvoller Stimme und jugendlichem Charme, Mae Ann Jorolan bringt als Meg die richtige Mischung aus Coolness, Witz und Verletzlichkeit auf die Bühne, und Trevor Dion Nicholas sorgt als grantiger Trainer Phil für komödiantische Momente. Auch Stephen Carlile als Hades setzt einen besonderen Akzent: Anders als in der Hamburger Produktion, wo die Figur oft ins Alberne und Überzeichnete abdriftet, verleiht er dem Gott der Unterwelt in London eine angenehm bissige Tiefe. Sein Humor ist durchzogen von schwarzem Witz und doppeldeutiger Ironie – weniger platt, dafür pointierter und deutlich intelligenter gesetzt. Erfreulich, zu sehen, dass der Mutterkomplex der Figur – der in Hamburg schon beinahe Fremdschäm-Momente mit sich bringt – herausgestrichen wurde.

Auch Hades’ Handlanger Bob und Charles wirken in der Londoner Version weniger kindlich und klamaukhaft als in früheren Adaptionen. Ihre Szenen bieten satirische Spitzen und eine feine Portion Selbstironie, die nicht nur Kinder, sondern auch Erwachsene zum Schmunzeln bringen. Insgesamt ist der Humor der Produktion spürbar reifer geworden: Immer noch zugänglich für Kinder, aber mit mehr doppelbödigem Witz und einem klareren Gespür für Timing.

Gesanglich glänzt die gesamte Cast – besonders in den kraftvollen Ensemblenummern. Dennoch bleiben viele Figuren dramaturgisch eher eindimensional: Die Inszenierung kratzt oft nur an der Oberfläche, ohne ihren Charakteren echte Entwicklung zu gönnen. Man wird gut unterhalten – aber wirklich berührt wird man selten.

Ein besonderes Highlight der Produktion sind die fünf Musen, die mit ihrer kraftvollen, gospelinspirierten Performance immer wieder für Begeisterung sorgen. Ihre mitreißenden Gesangseinlagen sind nicht nur technisch hervorragend, sondern bringen auch viel Schwung und Humor auf die Bühne. Die Musen sind das emotionale und energetische Herzstück des Musicals, was vom Publikum mehrfach mit Szenenapplaus honoriert wird.

Das Bühnenbild erinnert in vielen Elementen an die Hamburger Produktion, wirkt in London jedoch insgesamt etwas bunter, flüssiger und detailreicher. Besonders die drehbaren Säulen werden hier zielsicherer eingesetzt, ermöglichen angenehm fließende Szenenwechsel und verleihen den mythologischen Schauplätzen eine stilisierte, aber klar strukturierte Räumlichkeit. Auch im Bereich Puppenbau wurde nachgebessert: Die Hydra – in Hamburg noch eher simpel gelöst – besteht nun aus mehreren separat geführten Schlangenköpfen, die von unterschiedlichen Darstellern gespielt werden. Das bringt nicht nur mehr Bewegung und Spannung auf die Bühne, sondern lässt das Monster zugleich bedrohlicher und lebendiger wirken. Ebenfalls neu ist eine zusätzliche mythologische Kreatur, deren Design deutlich an einen T-Rex erinnert – ein effektvoller Hingucker mit kindertauglichem Gruselfaktor. Lediglich der überdimensionierte Hades-Puppenkörper im großen Finale bleibt unverändert zur Hamburger Version: visuell beeindruckend, aber dramaturgisch nach wie vor eher Showeffekt als erzählerischer Höhepunkt.

Die Unterwelt von Hades wurde hingegen szenisch bewusst reduziert: Statt aufwändiger Kulissen dominieren Dunkelheit, gezielte Lichtakzente und sparsam eingesetzte Projektionen. Besonders gelungen ist hier die Darstellung der Lebensfäden: Sie werden visuell durch schwebende Stoffbahnen ergänzt, die in einem unsichtbaren Lufttunnel nach oben steigen – ein poetischer, fast meditativer Effekt, der Hades’ makabres Spiel mit dem Schicksal eindrucksvoll in Szene setzt.

Die LED-Wände im hinteren Teil der Bühne werden auch in London ausgiebig genutzt und zeigen mal realistisch, mal übertrieben essentielle Situationen aus Hercules‘ Leben. Sie erinnern in ihrer Pixelhaftigkeit an Szenen aus dem Disney-Film, was der Show gut zu Gesicht steht.

Auch in der Szenenführung zeigt sich die Londoner Version überarbeitet: Einzelne Abläufe wurden umgestellt, Übergänge klarer gesetzt und dramaturgisch gestrafft. Besonders auffällig ist die frühe Platzierung des Songs „Today’s Gonna Be My Day“, der in London bereits im ersten Drittel des Stückes erscheint. Dadurch wird Hercules‘ innere Motivation deutlich früher greifbar – seine Suche nach Sinn, Zugehörigkeit und Identität bekommt mehr Gewicht, und das emotionale Finale wirkt in der Folge stimmiger und logischer aufgebaut.

Im Vergleich zur Hamburger Produktion wirkt die West-End-Version runder, ausgewogener und schlichtweg besser erzählt. Dennoch bleibt die Show kein Disney-Geniestreich und lässt höchstens einige Götterfunken erglühen anstatt ein Feuerwerk zu zünden.